Zero, Pop und Minimal: Die 1960er und 1970er Jahre

Rune Mields, Komposition, 1970 © 2022 by VG Bild-Kunst, Bonn

Para los más jóvenes es un descubrimiento; para los mayores una nostálgica evocación esta extraordinaria exposición titulada Zero, Pop und Minimal: Die 1960er und 1970er Jahre“, que tiene lugar desde el 10 de abril al 16 de julio en el Museo Von der Heydt, de Wuppertal, en el 120º aniversario de su fundación.

La prestigiosa institución ha decidido rebuscar en su almacén y mostrar los tesoros de su colección de la década de 1960, un período de revueltas en el que los artistas también se politizaron y formularon declaraciones provocativas con sus obras. El valor actual de los ricos fondos del museo es de tal magnitud que cubriría o avalaría con creces un sobreendeudamiento (ya superado hace un par de años) de la ciudad.

La serie Mao Tse-Tung de Warhol

Apenas hay una secuencia de imágenes en el mundo del arte que tenga un valor de reconocimiento tan alto como las serigrafías de Andy Warhol. El artista estadounidense reprodujo retratos de Marilyn Monroe, Elisabeth Taylor, Elvis Presley, Mao Zedong y otros con contrastes de color.

Andy Warhol, «Mao Tse-Tung», 1972. © 2022 by Antje Zeis-Loi.

El Museo Von-der-Heydt expone una serie de diez serigrafías de Mao Tse-Tung, que permanecía sin ser mostrada desde 1975. El entonces director del museo, Günter Aust, las había adquirido tres años antes. Ahora fueron enmarcadas por primera vez para la muestra. Pero no son la única sorpresa de esta vasta y espectacular exhibición de Wuppertal, como veremos más adelante.

Vívida creatividad

Más allá del lienzo y la pintura al óleo, los pintores y escultores recurrieron a nuevos materiales. Con objetos basados en la luz y el movimiento, el grupo de artistas ZERO, como Günther Uecker, Otto Piene y Heinz Mack, causó sensación a nivel internacional. Surgieron nuevos géneros, como el arte de la instalación y el land art, afirma en la presentación de la muestra el director general del Von der Heydt Museum, el historiador del arte Dr. Roland Mönig.

La exhibición, que reúne una selección de la colección propia del museo no mostrada desde hace mucho tiempo, es comisariada por las conservadoras de arte, Dra. Beate Eickhoff y Anika Bruns. Ciertas obras se exponen incluso por primera vez. Algunas esculturas e instalaciones tuvieron que ser restauradas y puestas de nuevo en funcionamiento expresamente para esta muestra.

Nostálgica evocación

Gerhard Richter, «Jeque con esposa», 1966. © 2022 by Gerhard Richter.

Con Zero, Pop y Minimal, las comisarias Eickhoff y Bruns rememoran una época en la que Wuppertal era una de las localidades artísticas más innovadoras. El dominio de Colonia y Düsseldorf llegaría más tarde. El arte contemporáneo surgió en el Oeste. Nam June Paik y Joseph Beuys expusieron en la Galería Parnass a principios de la década de 1960.

El 24 Hours Happening de esa galería de Wuppertal en 1965 fue un hito en toda historia del arte que se precie. En el Kunstverein, el museo municipal -rebautizado como Von-der-Heydt-, los coleccionistas de la ciudad y los galeristas contribuyeron a ampliar el concepto de arte. El arte mediático y la performance, el arte cinético, el Fluxus, la luz y el arte conceptual fueron algunos de ellos. Y la exposición ordena ahora las muestras de la colección de Wuppertal, que había incluido destacados ejemplos de nuevas formas artísticas de creación. Todo ello se presenta en diez salas: "Los nuevos medios de comunicación y la expansión de las artes", "La figuración expresiva", "El arte pop llega a Europa occidental" y más.

Hitos

Wuppertal ofrece momentos notables en la historia del arte. Se expone aquí la fotografía de House (1971), de Les Levine, que muestra una casa de madera destruida. Les Levine es el artista que realizó la primera instalación de vídeo en Estados Unidos.

Los artistas estadounidenses marcaban la pauta. Después de que Robert Rauschenberg recibiera el Gran Premio de la Bienal de Venecia de 1964, el arte pop y pronto el arte minimalista se convirtieron en estilos artísticos importantes. Junto a la serie Mao Tse Tung de Warhol cuelga, por ejemplo, Bel été concentré (Hermoso verano concentrado) de Martial Raysse. El pintor, escultor y realizador francés, que fue el primero en utilizar artísticamente las letras de neón, creó en 1967 a este joven en formato de retrato con zapatos de color naranja neón. El múltiple de color violeta lleva un cuadernillo metido en el bolsillo de la chaqueta y así varía la edición de 80 imágenes de esta refinada obra.

Nicolas Schöffer, «Lux 9», 1959. © 2022 by VG Bild-Kunst, Bonn.

Y siempre hay algo que descubrir. El aparato de arte lumínico Lux 9 de Nicolas Schöffer, de 1959, ha tenido que ser completamente restaurado para que pueda volver a mostrar su genial juego de luces y sombras. Con el cuadro de Horst Antes Figura con pequeña figura femenina (1964-65), la figuración volvió a entrar en el mundo del arte. Muy pronto Antes pintaría sus figuras de perfil, convirtiéndolas en una marca registrada. La abstracción de la postguerra y el Informalismo habían perdido su magia.

Sin embargo, hoy en día, el Duftobjekt (1963) del escultor Franz Erhard Walther -un cojín de color lila- solo exuda el espíritu del tiempo. En cambio, la instalación de filigrana Standgitarre (1968-71) de Joe Jones sigue resonando cuando se conecta el motor eléctrico por encima de las cuerdas. Hay un total de 75 pinturas, siete gráficos y 32 esculturas de un total de 95 artistas. La pintora y escultora Gerlinde Beck es una de ellas. Su Doppelstele Nr. II (1967) es una forma minimalista que expresa un momento de giro.

La trivialidad convertida en arte

Robert Indiana, «Four», 1964. © 2022 by VG Bild-Kunst, Bonn.

El arte pop se apropió de la cultura cotidiana y convirtió lo trivial en arte. La fotografía se transformó en algo "socialmente aceptable", por así decirlo. Los artistas ocuparon el espacio público fuera de los museos y galerías en proyectos del grupo B1 (fundado en 1969 en la cuenca del Ruhr) y en los primeros festivales de arte callejero de Monschau y Hannover. Las representaciones con participación del público inquietaban a los visitantes de museos, acostumbrados a disfrutar del arte desde una distancia segura.

Durante este periodo, los museos participaron en la selección crítica de las obras que podían contribuir a los acontecimientos contemporáneos. El museo Von der Heydt, de Wuppertal, en particular, era un centro de todo lo nuevo. Los protagonistas eran artistas locales, pero también internacionales, que se presentaban al público todavía sin el nimbo del "valor asegurado".

George Segal, «Ruth en la cocina», 1964. © 2022 by VG Bild-Kunst, Bonn.

No fue hasta que se formó el mercado del arte a finales de los años sesenta cuando nombres como Gerhard Richter, George Segal, Robert Indiana y Konrad Klapheck, alcanzaron fama mundial, todos ellos representados en la colección del museo de Wuppertal como primeras adquisiciones desde los '60.

Wuppertal como centro del nuevo arte

En esa época, Wuppertal ya era un centro de arte nuevo con la Galerie Parnass (1949-1965) y numerosos coleccionistas cortejados por galeristas como Rudolf Zwirner y Alfred Schmela. Así, el Museo Von der Heydt logró adquirir tesoros muy especiales desde la perspectiva actual, como los de Nicolas Schöffer, Jesús Rafael Soto y muchos otros.

La exposición "ZERO, Pop y Minimal: Los años 60 y 70" pretende arrojar luz sobre aspectos apasionantes de una época que solo se mostró en pequeñas secciones en el Museo Von der Heydt en décadas pasadas, pero que sigue teniendo una gran influencia en el arte actual. El ZERO, el Op Art, el Minimal Art y el Arte Conceptual van más allá de lo visual, ya que involucran al público, sensibilizan la percepción espacial, reducen de forma lúdica o subversiva la distancia con la obra, y fomentan la comunicación.

Gerlinde Beck, «Doppelstele Nr. II», 1964. © 2022 by Gerlinde-Beck-Stiftung, Schloss Dätzingen, Grafenau.

Especialmente en la década de 1960, la escena artística era asombrosamente heterogénea y diversa. Con "ZERO, Pop y Minimal: los años 60 y 70", el Museo Von der Heydt pone de manifiesto la riqueza y la complejidad de su colección, más allá de las exposiciones frecuentemente mostradas y justamente famosas, sobre todo del Modernismo clásico. La muestra invita a los visitantes a confrontar obras de alto nivel de artistas (mujeres y hombres) de renombre internacional y, al mismo tiempo, les permite redescubrir numerosas posiciones menos conocidas que merecen ser revalorizadas.

En otoño/invierno de este año el Museo Von der Heydt, de Wuppertal, presentará un catálogo de sus fondos. Se trata de entre 30.000 y 40.000 objetos de arte, según Roland Mönig. Toda la colección se registrará digitalmente. Hasta ahora se han escaneado 830 objetos. Todavía queda mucho por hacer.

Sin embargo, no es posible captar plenamente este período innovador. Muchas estrategias de trabajo artístico no estaban destinadas a la apreciación del museo. Más publicidad, más cooperación, más participación con los espectadores y los amantes del arte fueron los objetivos declarados. Un proyecto de land art de Dennis Oppenheim puede verse como una foto en blanco y negro.

Konrad Klapheck, «La Sexbomba y su acompañante», 1963. © 2022 by VG Bild-Kunst, Bonn.

Oppenheim había trazado líneas con un tractor en un campo de los Países Bajos en el que se sembraba y se cosechaba trigo. Los granos se recogieron en una bolsa que ahora está colgada junto a la foto. Crop Finsterwalde (1969) se encuentra entre los "documentos" de Wuppertal. 

Christo había envuelto una revista de arte estadounidense en 1965: el rostro de una mujer se asomaba de la Wrapped Look Magazine, trasluciéndose de la lámina de plástico transparente que la rodeaba. Esas obras múltiples eran fáciles de vender y aportaban ingresos al artista que los necesitaba imperiosamente para devolver los préstamos de dinero que adeudaba. ¡Qué tiempos aquellos... y no tan lejanos!