Entrevistas
La profesión de músico eclesiástico sigue siendo inferior a la de pastor en términos de valor
Juan Carlos Tellechea
El Ensemble Tresonare, de Dresde, integrado por la Kantorin Elke Voigt, la violonchelista Juliane Gilbert y el bajo barítono Clemens Heidrich, aprovechó la forzosa pausa de la pandemia desde 2020 para producir discos compactos, tres preciosos álbumes, dos de ellos navideños: Zeitvermählt (Manteniendo el tiempo), con poemas de Hermann Hesse y musica de diversas épocas y estilos; Puer natus est (Nos ha nacido un niño); y Natus est Jesus (Jesús ha nacido), con muchos arreglos propios.
Una vez levantadas las medidas preventivas y de control contra el coronavirus el conjunto comenzó ofrecer conciertos en diversas ciudades de Alemania. Uno de ellos lo hemos presenciado en la Iglesia de la paz, de Krefeld, a comienzos de septiembre pasado, donde hemos podido apreciar la excelente calidad de sus interpretaciones.
Hemos querido profundizar en los objetivos, la labor, las opiniones y en los proyectos del grupo a través de una entrevista por escrito y vía correo electrónico en alemán, que hemos traducido al español. Estas son sus declaraciones exclusivas para Mundoclasico.com
Juan Carlos Tellechea: ¿Cómo surgió la idea de fundar Ensemble Tresonare y con qué fines, qué repertorio cultivan?
Elke Voigt:
El repertorio abarca desde el Renacimiento hasta la modernidad. Nuestra "marca", sin embargo, son los elementos de conexión, las improvisaciones, especialmente en nuestro programa de verano. Nuestro objetivo es mantener la tensión desde la primera hasta la última nota. Para ello, siempre aprovechamos las posibilidades del espacio correspondiente y hacemos música en diferentes montajes.
¿Tiene algún modelo a seguir para el Ensemble ?
Ensemble Tresonare. © 2022 by Johannes G. Schmidt.
EV: Me he inspirado en varios músicos que se caracterizan por una musicalidad increíble y para los que no existen fronteras de género. Me gustaría mencionar a Christina Pluhar y a Nils Landgren, por ejemplo, ambos son músicos fantásticos y su enfoque de la música, la forma en que reelaboran viejas melodías y obras y la incorporación fluida de nuevos colores, así como la mezcla de estilos, me impresiona.
¿A qué artista/grupo/orquesta le gustaría ver en directo algún día?
Juliane Gilbert: Fui a un concierto con la Academy of St Martin in the Fields en el Festival de Música de Dresde hace unos años y me impresionó el espíritu de creación musical, la agudeza de todos los músicos y la profesionalidad a la hora de afrontar los escollos de los instrumentos de época. Me gustaría volver a ir inmediatamente a un concierto de esta orquesta.
Clemens Heidrich: Tenemos mucha suerte de vivir en una época en la que podemos cumplir casi todos nuestros deseos y los músicos más fantásticos viajan a nuestras ciudades, o simplemente vamos allí y, si tenemos suerte, incluso trabajamos con ellos. Creo que me gustaría volver a ir a un concierto de pop, por ejemplo de Herbert Grönemeyer.
¿Qué evento musical recuerda siempre con cariño?
JG: En abril de este año, pudimos interpretar la Pasión según San Juan de Johann Sebastian Bach en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig junto con el Conjunto Vocal de Leipzig y la Orquesta Barroca de Leipzig. Después de los meses de silencio por la pandemia, uno se vuelve humilde y agradece de todos modos que los conciertos puedan tener lugar como está previsto. En este lugar, ante la tumba de J. S. Bach, uno se inclina una vez más hacia su música y es realmente especial tocar allí.
CH: Siempre hay ciertos momentos en la vida en los que caen los conciertos vividos, a veces son recuerdos tristes, pero no por ello menos valiosos porque pierden su tristeza con el tiempo. Hace un año canté el famoso pasaje del Paraíso del Actus tragicus de Bach y mi tío, que estaba presente en el concierto, murió cinco días después.
¿Ha tocado o cantado en España o en países latinoamericanos? ¿Le gustaría hacerlo?
CH: Hasta ahora solo hemos actuado en Alemania con el Ensemble Tresonare. Personalmente, he cantado en Uruguay y Argentina, y varias veces en España, la última en el precioso Palau de la Música de Barcelona. En lugar de tocar en la costa báltica de Mecklemburgo, sería una idea atractiva recorrer Andalucía con Tresonare.
¿Ha oído hablar de los órganos construidos en España?
EV: La organería española vivió su primer florecimiento durante el Renacimiento. Sin embargo, el pedal del órgano desempeñaba un papel subordinado. La mayoría de las composiciones para órgano manual fueron escritas durante este periodo. Hay piezas maravillosas, algunas para órganos de ejecución simultánea, que se construyen, por ejemplo, a la izquierda y a la derecha del coro de una iglesia, a menudo como órganos de nido de golondrina en las alturas de la bóveda. Esto permite conseguir efectos de sonido muy especiales. Del siglo XVIII tenemos hermosas sonatas virtuosas para órgano. Se pueden tocar no solo en el órgano, sino también en el clavicordio o en el clave.
Hay que mencionar la llamada trompetería española, que se proyecta horizontalmente en la nave y que aparecieron en la segunda mitad del siglo XVII. Son la llamada "marca" del órgano español. Estas trompetas horizontales tienen un sonido impresionante y, debido a su posición expuesta, determinan no solo el sonido del órgano sino también la arquitectura del frente del mismo. Yo misma nunca he tocado un órgano español original. Pero algunas piezas de compositores españoles tienen un lugar permanente en mi propio repertorio.
Siempre ponen ustedes acentos sorprendentes en su programación. ¿Es difícil inspirar a un público nuevo, posiblemente más joven, para la música sacra o la música en las iglesias?
JG: La clave para acceder a la música (sacra) está en la propia actividad. Cuando los jóvenes cantan o tocan instrumentos por sí mismos, suelen participar activamente en la vida musical, tanto como aficionados o como músicos profesionales en ciernes. En mi opinión, necesitamos una vida eclesiástica viva que forme parte de la vida cotidiana de jóvenes y mayores. Esto no será posible sin un cuestionamiento fundamental de las estructuras eclesiásticas. La profesión de músico eclesiástico sigue siendo inferior a la de pastor en términos de valor y, por lo tanto, también en términos de remuneración, aunque esté precedida por varios años de estudio. Este es un ejemplo de los desacuerdos que también se sienten en la base y que no contribuyen a un ambiente en el que la creatividad a nivel de los ojos y la apreciación puedan tener lugar sin obstáculos.
En tiempos de salas de conciertos cerradas, los lugares de culto eran a menudo los pocos espacios que quedaban donde las experiencias musicales en vivo podían desplegar su poder y su poesía. Por muy grave que sea/fuera la situación, ¿hasta qué punto podría haber sido también una oportunidad para las iglesias y la música sacra?
JG: En mi opinión, la situación con su conjunto de normas era muy complicada y apenas podía ofrecer oportunidades adicionales. En constelaciones muy espaciadas en las que apenas se podía interactuar con el temor en la nuca de que alguien se sintiera obligado a presentar una queja ante las autoridades, porque la distancia no era la adecuada (lo que desgraciadamente también ocurrió), se puede hablar menos de poesía que de un programa de emergencia. Pero las oportunidades se aprovechaban allí donde se presentaban, y algunas iglesias transmitían su música al mundo via streaming, aprovechando una oportunidad hasta entonces desaprovechada.
CH: ...y quedó claro una vez más el papel que juega la música en la proclamación, a menudo la música se ve como un accesorio ornamental, pero sinceramente, muchas cantatas bien musicalizadas en un servicio llegan al corazón de la gente más que las lecturas o las prédicas y sermones.
La importancia de la iglesia en la vida de las personas ha disminuido notablemente en los últimos años. ¿Se nota esto también en el ámbito de la música de la iglesia?
EV: En mi trabajo como músico de iglesia, he experimentado una popularidad constante a lo largo de muchos años. No hay un descenso en el número de miembros de la iglesia musicalmente activos. Son más bien los miembros marginales de la iglesia los que le dan la espalda. Personas que nunca han participado activamente en la música de la iglesia u otros grupos, ni han participado activamente en la vida de la iglesia. Suelo experimentar el poder y el potencial de la música, especialmente de la música sacra, cómo une a la gente, cómo la música puede ser un mediador de la fe. Y puede inspirar a la gente, en el sentido más estricto de la palabra. Durante muchos años, los niños han cantado anualmente en el Oratorio de Navidad. Estos niños ponen su corazón en ello. Eso les marca para toda su vida. Nikolaus Harnoncourt describió una vez la música como el "cordón umbilical que nos conecta con lo divino". Creo que eso lo resume muy bien.
Sra. Voigt, como Kantorin, usted tiene un título profesional que, a primera vista, uno podría asociar más con la época de Bach y menos con la actual. ¿Cómo llegó a ello y cómo se llega a ser Kantorin en un campo que está más bien reservado a los hombres (Kantor)?
EV: Vengo de una familia de Kantor y organeros. Los sonidos del órgano y el canto marcaron mi infancia. Fue entonces cuando, relativamente pronto, quise convertirme en músico de iglesia.
Ensemble Tresonare. © 2022 by Johannes G. Schmidt.
No cabe duda de que esta profesión no está reservada a los hombres, pero debido a la tradición es difícil organizar el horario de trabajo nocturno como mujer con familia. Tengo tres hijos que ya son mayores. El hecho de no estar en casa al menos 4 tardes a la semana y la elevada carga de trabajo en general sigue siendo un reto. Si el marido está de acuerdo, es bastante compatible. En la iglesia regional de Sajonia soy la única mujer en un puesto de músico 100% (categoría salarial A). Eso tiene que cambiar. Por otra parte, ya hay muchas mujeres que trabajan como músicas de iglesia en puestos a tiempo parcial, desgraciadamente a menudo en trabajos que no proporcionan una remuneración adecuada. La profesión, como muchas otras, ha sido un ámbito dominado por los hombres en el pasado. Hace 70 años las mujeres apenas conducían coches, hace 50 años apenas había mujeres en las orquestas más importantes y ahora hay básicamente una proporción equilibrada de hombres y mujeres en ellas. Y es muy satisfactorio que ahora también haya algunas directoras de orquesta de renombre muy buenas.
Observo que las mujeres suelen tener menos confianza en sí mismas que los hombres. Creo que eso debe mejorarse. Creo que las mujeres no debemos escondernos y debemos avanzar con valentía.
CH: ...solo puedo estar de acuerdo con eso (como hombre), recientemente he trabajado con algunas directoras de orquesta que me provocan emociones completamente diferentes en la música y siempre me entusiasma más cuando las directoras de orquesta admiten ser mujeres y no tratan de mantenerse en el mundo de la dirección masculina.
Sra. Voigt, como organista y especialista en órganos que creció en una familia de constructores de órganos, sin duda es usted un poco parcial: pero ¿qué puede haber para los oyentes modernos, tal vez algo inexpertos, en la vieja afirmación de Jehmlich de que el órgano es el rey de los instrumentos?
EV: El órgano forma parte del patrimonio cultural mundial de la UNESCO. Esto habla por sí solo. ¿No está entronizado como un rey en el desván de una iglesia? Se le suele llamar, con razón, el rey de los instrumentos. Cada órgano es único. No hay dos órganos iguales. Su tamaño y disposición se adaptan con precisión a la sala correspondiente y luego se entonan individualmente para la acústica de la sala. Es una obra de arte loca en arquitectura y sonido. Puede sustituir a toda una orquesta o acompañar una sola parte vocal. La organería y la composición de órganos se han desarrollado conjuntamente a lo largo de los siglos y se han beneficiado mutuamente. Los compositores aprovecharon las nuevas posibilidades sonoras creadas por la construcción de órganos. Basta con pensar en la época del romanticismo francés. Y más tarde salió de las iglesias y conquistó las salas de conciertos. Surgieron composiciones modernas y la construcción de órganos también siguió desarrollándose. ¡Qué posibilidades de diseño sonoro han creado los modernos sistemas de composición tipográfica! Los timbres pueden ser mezclados y almacenados libremente por el organista, y son fácilmente recuperables en concierto, incluso sin registradores. El órgano es el instrumento con la historia más apasionante y de mayor alcance. Es tan complejo que iría más allá del alcance de esta entrevista explicarlo con más detalle.
Además de su pericia, disciplina y arte de la interpretación, su control corporal y la coordinación mano-pie deben ser también ejemplares. ¿Tocar el órgano te mantiene en forma?
EV: Por supuesto, se recomienda expresamente tocar un instrumento musical hasta la vejez. Ya sea el órgano, el piano u otros instrumentos, el efecto es ciertamente el mismo. Lo mismo ocurre con el canto.
Este año ha dedicado conciertos a Heinrich Schütz, ¿qué tiene previsto para 2023? En cualquier caso, ¿qué proyecto le gustaría realizar todavía?
EV: Estamos planeando un nuevo programa para nuestros conciertos de verano en 2024. Sin duda, esto se hará realidad ya en el transcurso del próximo año.
CH: ... (risas) y quién sabe, tal vez un tercer CD de Navidad.
EV: ...(mira con severidad) ¡Claro que no! Creo que 3 CDs en 3 años es suficientemente deportivo. Empezamos a planificarla en enero de 2021, en la época del cierre, y luego, cuando los tiempos volvieron a ser más normales, se cerraron las ventanas de oportunidad para este trabajo, terminando con bastante energía.
Imagine que tiene 60 minutos para hablar con un músico de su elección (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Y cuál sería la pregunta más importante que haría?
CH: ¡Oh, qué pregunta tan difícil!, se me ocurren tantos compositores con los que me gustaría hablar sobre diferentes partes de sus composiciones, o sobre lo que piensan de la práctica interpretativa actual, etc. No estoy seguro de lo que les preguntaría. Si tuviera que elegir, quizá preguntaría a Johann Sebastian Bach y la pregunta más importante sería dónde escondió todas sus partituras perdidas.
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