Centenario de Roy Lichtenstein en el Museo Albertina de Viena

Una completa retrospectiva de la obra de Roy Lichtenstein, uno de los fundadores del arte pop, se exhibe desde el 8 de marzo al 14 de julio en el Museo Albertina de Viena. La impresionante muestra reune más de 90 pinturas, esculturas y gráficos de Lichtenstein, célebre por sus interpretaciones a gran escala del arte de la historieta. Junto con Andy Warhol y Jackson Pollock, Roy Lichtenstein es uno de los artistas estadounidenses más influyentes e importantes del siglo XX.

La exposición fue presentada a la prensa internacional por el director general y la conservadora del Albertina, respectivamente, el historiador del arte profesor Dr Klaus Albrecht Schröder, y la historiadora del arte Dra Gunhild Bauer, comisaria de la exhibición; ambos responsables además del catálogo publicado por la editorial Prestel, de Múnich. La Dra Bauer fue la encargada de concebir y organizar la exhibición.

El profesor Dr Schröder en el prefacio del catálogo:

Nuestra muestra abarca desde las primeras pinturas Pop -una decidida afirmación de los clichés de papeles del decenio de 1960 con rubias estereotipadas y romances tópicos al estilo de Hollywood, que Lichtenstein monumentalizó a través del filtro de las plantillas de dibujos animados- hasta el renacimiento del género de la naturaleza muerta, que debe su existencia al auge económico de la próspera posguerra, pasando por las representaciones de paisajes e interiores de los años setenta a noventa.

Importantes obras

Gracias a los generosos préstamos de 30 instituciones internacionales, entre ellas el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney, la Galería Nacional de Washington DC, la Galería de Arte de la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut), el Museo Ludwig de Colonia, el Museo de Louisiana y el Humlebaek the Moderna Museum de Estocolmo, las obras más importantes del extenso trabajo de Lichtenstein se pueden admirar ahora en el Albertina.

La idea de esta exhibición nació junto con la Fundación Roy Lichtenstein con motivo de una generosa donación de alrededor de 100 obras al Albertina. Roy Lichtenstein es conocido por sus rubias cliché, héroes de guerra y personajes cómicos con burbujas del habla. Con colores brillantes, líneas claras y los característicos puntos de Ben-Day que imitaron la tecnología de impresión barata de los cómics, dio forma a la escena artística estadounidense con su estética de dibujos animados en la década de 1960.

La retrospectiva también incluye por primera vez la escultura de Roy Lichtenstein, con la importante serie Brushstrokes (Pincelada) representada tanto por pinturas como por esculturas. En 1992, Roy Lichtenstein visitó Viena junto con Leo Castelli para estudiar la retrospectiva de Victor Vasarely en el Kunstforum. Aunque en aquel momento Vasarely hacía tiempo que había superado el cenit de su fama, Roy Lichtenstein estaba especialmente interesado en los efectos del Op Art en aquella época, como demuestra el paisaje de gran formato Treetops Through the Fog de la exposición del Albertina.

Los comienzos

La exposición comienza precisamente con las primeras obras de ese decenio, incluido el ícono del arte pop de esta época: Look Mickey. Además, la retrospectiva de Lichtenstein presenta pinturas icónicas de publicidad de productos en blanco y negro, así como paisajes en tecnología de esmalte e imágenes artísticas basadas en la publicidad en blanco y negro de productos, así como paisajes en tecnología de esmalte e imágenes de “arte a arte” después de Pablo Picasso, Salvador Dalì, Ernst Ludwig Kirchner o Jackson Pollock. Un punto destacado especial es la enorme Escultura de la pincelada, de la serie mencionada más arriba, que deja el lienzo para conquistar la sala donde es exhibida.

Incluso durante el triunfo internacional del expresionismo abstracto, varios artistas de Gran Bretaña y Estados Unidos volvieron a un arte banal, figurativo y autorreflexivo. Subsumidos más tarde bajo el término "Pop Art", derribaron irónicamente las fronteras tradicionales entre el arte elevado y la cultura de consumo en los años del auge económico de posguerra y asumieron el protagonismo de las artes visuales.

La revolucionaria invención de Lichtenstein en aquella época, que ayudó no solo a él sino también al Pop Art estadounidense a lograr su gran avance, consistió en la apropiación para su pintura de la nueva y agresiva avalancha de imágenes que dominaba la cultura cotidiana estadounidense.

Historieta

Tras los años del expresionismo abstracto, no se volvió hacia la realidad, sino hacia la realidad de segunda mano de la sociedad de consumo: los anuncios de las páginas amarillas de las guías telefónicas y los dibujos animados de esta "Edad de Oro de la Historieta". En un periodo relativamente corto de solo cinco años, desde 1961 a 1965 aproximadamente, Lichtenstein estilizó imágenes de la cultura popular en cuadros icónicos que le convirtieron en uno de los artistas de mayor éxito del Pop Art.

Fue el primero en adoptar el poderoso vocabulario de los artistas comerciales y los dibujantes de historietas, sujeto al lucro o destinado a captar la mirada fugaz de los transeúntes. Se dirigen a las masas con estereotipos planos. Lichtenstein no solo adopta los mismos patrones de chicas permanentemente atractivas, sus gestos exaltados y los cómicos bocadillos, sino que también imita la técnica de impresión industrial, los contornos negros rellenos de puntos Ben-Day y las zonas de colores primarios. De este modo, cuestiona radicalmente la expresión individual de la individualidad artística de los expresionistas abstractos.

Descubrimiento

Estas imágenes gráficas comerciales y chillonas, que ya eran polémicas en su momento, podían verse por todas partes en Estados Unidos durante el auge económico de la era del presidente John F. Kennedy. Adornaban los envoltorios de los chicles, llenaban las autopistas, inundaban los cines, las habitaciones de los niños, la televisión y los impresos disponibles en los quioscos.

Sin embargo, fue Lichtenstein el primero en descubrirlos como tema importante para la pintura y el primero en hacerlos visibles en este campo. Exploró el agresivo lenguaje visual de la posguerra de un modo irónico y provocador, análogo a las protestas de los movimientos feminista y anti-Vietnam que ya estaban surgiendo en aquella época. Decía Lichtenstein:

"América ha sido golpeada cada vez más fuerte por el industrialismo y el capitalismo, y sus valores parecen aún más extraños. [...] Creo que el significado de mi trabajo es que es industrial, es lo que el mundo entero va a ser pronto".

Copia

Lichtenstein es el primero en copiar aparentemente al pie de la letra las imágenes de la publicidad y el arte comercial -y no a los viejos maestros o los vaciados en yeso de estatuas antiguas-, en limitarse aparentemente a copiar un vocabulario pictórico generado a partir del gusto de las masas -y no, como los expresionistas abstractos, a expresar su emoción personal frente al mundo-, lo que supone un radicalismo sin precedentes. Explicaba Lichtenstein:

Sabía que la gente vería un cuadro pintado en gran formato de un cómic exactamente igual que un cómic. Parecía lo mismo, solo que más grande. Me di cuenta de cómo reaccionaría la gente ante él después del expresionismo abstracto. [...] Realmente lo cambié mucho.

Lichtenstein respondía así a la acusación de que el expresionismo abstracto era poco realista con temas comprensibles y cotidianos. La pretensión de copia forma parte de su concepto irónico y provocador y, por ello, de todos los artistas del Pop Art, Lichtenstein en particular tuvo que lidiar con la acusación de plagio desde el principio. Ya en 1963, un artista del cómic, William Overgard, hizo su primer comentario jocoso en una carta a la revista TIME, en la que señalaba la apropiación por parte de Lichtenstein de uno de sus paneles.

Comicidad

Unos meses más tarde, Erle Loran, profesor de historia del arte de la Universidad de California en Berkeley, le acusó en ARTnews y Artforum de haber copiado de un libro de historia del arte un diagrama de la composición de una obra de Paul Cézanne. Lichtenstein respondió a estas críticas ese mismo año con un autorretrato como villano de cómic titulado Image Duplicator. En 1964, se publicó en la revista Life con el provocativo titular "¿Es el peor artista de Estados Unidos?", en oposición a la puesta en escena fotográfica de Jackson Pollock como pintor de acción en el artículo "¿Es el mejor pintor vivo de Estados Unidos?" de un número de Life de 1949, que había ayudado al expresionista abstracto a lograr su gran éxito en aquel momento.

La aparente mera copia, con la que Lichtenstein provoca de forma tan evidente, resulta ser, si se examina más de cerca, una apropiación, es decir, una remodelación. Lichtenstein amplía sus pequeños modelos hasta lienzos de casi dos metros de altura. Aísla, estiliza, desemocionaliza el modelo, lo priva de toda profundidad y subraya así el aspecto industrial y no artístico de los modelos comerciales y la naturaleza mecánica de su producción. Sobre todo, los eleva al ámbito de la pintura y el arte.

Bidimensional

En contraposición al gesto expansivo y vital del expresionismo abstracto, Lichtenstein realiza los temas eminentemente emocionales de los cómics de amor de una forma especialmente poco emocional y bidimensional. Aísla y monumentaliza los objetos de los anuncios sobre un fondo vacío. Los reduce a contornos en blanco y negro, convirtiéndolos en símbolos e iconos gigantes. Sobre este aspecto decía:

Las técnicas que utilizo no son comerciales, simplemente lo parecen, y la forma de ver, componer y unificar es diferente.

El arte pop de Lichtenstein es una respuesta directa a la agresividad, el formato y el poder aparentemente expansivo de las obras de los expresionistas abstractos Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning:

El expresionismo abstracto parecía muy humano. Mi obra es todo lo contrario. Tiene una apariencia pseudomecánica, como si estuviera hecha a máquina. [...] como si fuera irreflexiva. [...] Da la impresión de una insensibilidad total. [...] Trabajo en un estilo que no parece ser (sensible).

El Action Painting, enérgico pero irreal, se considera un símbolo del concepto americano de libertad individual. Las pinturas de Lichtenstein pretenden estar a la altura de las de los expresionistas abstractos.

Genial

Así respondía Roy Lichtenstein a la famosa pregunta "¿Qué es el Pop Art?" en noviembre de 1963:

El uso del arte comercial como tema en la pintura.
Era difícil encontrar un cuadro lo suficientemente repulsivo. [...] Daba igual colgar un trapo chorreando pintura, la gente estaba acostumbrada a eso. Lo que todo el mundo rechazaba era el arte comercial. [...] Es una preocupación por lo que creo que son los rasgos más desvergonzados y amenazadores de nuestra cultura, cosas que rechazamos pero que son tan abrumadoras. [...] Los carteles y los cómics son temas interesantes. El arte comercial tiene aspectos útiles, eficaces y vitales. Utilizamos estas cosas, sin hacer apología de la estupidez, la cultura adolescente internacional y el terrorismo. [...] A primera vista, el arte pop parece centrarse en el tema, mientras que el expresionismo abstracto parece centrarse en la estética. [...] Se dice que es una copia exacta, no arte. [...] El estilo es, como ha dicho, genial.

Profesorado

La decisiva contribución de Lichtenstein al nacimiento del Pop Art se la debemos a su regreso a Nueva York en 1960. Tras años de viajes por las provincias americanas, le ofrecieron un puesto de profesor en el Douglass College de la Rutgers State University de New Brunswick (Nueva Jersey), donde entró a formar parte del círculo de Allan Kaprow. A través de él conoció a Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como a Claes Oldenburg, Jim Dine, Robert Whitman, George Segal, Robert Watts, George Brecht y Lucas Samaras, cuyos happenings, performances, environments y assemblages, conocidos como Neo-Dada, tematizaban la producción industrial en masa y la publicidad. Su compromiso con el mundo visual de la cultura pop no es un fenómeno nuevo, se lo conoce desde finales del siglo XIX.

Sinónimos

Los expresionistas, cubistas y dadaístas reflexionaron de forma bastante crítica sobre la transformación de la era industrial y utilizaron por primera vez material visual existente de la cultura popular en forma de collages, lo que equivalía a cuestionar lo que constituye un artista y lo que realmente debe ser capaz de hacer. No solo en alusión a los igualmente cortos y triviales nombres onomatopéyicos "Pop" y "Dadá", Andy Warhol pensaba por ello que ambos nombres eran en realidad sinónimos.

Estética

Lichtenstein, que seguía pintando de forma abstracta a finales de la década de 1950, también recurrió a estos temas contemporáneos y al representacionalismo. En 1958, pintó por primera vez figuras antropomórficas de cómic, como Mickey Mouse y el Pato Donald de Walt Disney o Bugs Bunny (Warner Brothers), en un estilo expresionista gestual. Se dice que Jasper Johns le aconsejó entonces que incorporara a sus cuadros no solo los motivos, sino también la estética de la tecnología de impresión industrial. Esto los acerca más al objeto real, no son una representación de algo, sino el objeto mismo, como los cuadros de la banderas de Estados Unidos de Jasper Johns de 1954/1955.

Paradigma

Con su compleja obra, Lichtenstein provocó un cambio de paradigma en el arte: estableció una nueva comprensión de la imagen que cuestionaba radicalmente la expresión individual en el arte y el gesto de los expresionistas abstractos. Su arte es altamente reflexivo y autorreferencial: los cuadros de Lichteinstein remiten a imágenes existentes, no a la realidad.

Su programa visual se inspira tanto en el arte elevado como en el sencillo. Desde sus primeras obras hasta las más tardías, ha escenificado imágenes estereotipadas de mujeres procedentes de la publicidad y los cómics de forma sobredimensionada.

Gestualidad

Con mordaz ironía, Liechtenstein rechaza el patetismo de la expresión subjetiva y los grandes gestos del temperamento artístico, desvinculando las pinceladas de los príncipes pintores del contexto pictórico y citándolas como un trofeo.

Lo hace de una manera desindividualizada de líneas, puntos, retículas y sombreados que inmoviliza el frenesí de una pincelada expresiva y descifra su apariencia de autenticidad e inmediatez como un mero “reflejo simulado del temperamento”, según él mismo afirmara.

Al imitar las técnicas de impresión industrial, Lichtenstein subraya el anonimato y la serialidad de su obra. Sus cuadros no pretenden ser exclusivos ni originales en su estilo y estética y, sin embargo, crean obras maestras únicas con un valor de reconocimiento inigualable.

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