Se hablo hace algún tiempo de la intención de que un Don Carlo de nuevo cuño inaugurara el Palau de les Arts, pero ha sido en la segunda temporada del teatro cuando la ópera de Verdi ha subido al escenario. Lo ha hecho con la producción de la versión en italiano en cuatro actos que se estrenó en la Ópera Nacional de París en 1998 y que, por cierto, volverá a verse en la Bastilla en junio de este mismo año.
Sin duda ha sido una buena elección. El montaje es escueto, sobrio, funcional y a la vez hermoso. La presencia de la cruz domina el escenario, una cruz griega que vemos en el techo, en el suelo y en las paredes laterales, una cruz capaz de ensancharse o de cerrarse, arrojando más o menos luz sobre un espacio casi siempre oscuro o velado, del color de los sueños que se encallan en la memoria, quizá del color de la estela cíclica de la historia. Luz mortecina, sabiamente granulada en el segundo acto en los jardines de la reina; luz que por contraste estalla en la escena del auto de fe, una luz fría, que resalta el hueco (¡y terrible!) esplendor del poder religioso y político, una luz que pone de relieve, por lo demás, tanto la belleza del vestuario como una procesión tan excesiva como folclórica, el único momento en el que dudamos del acierto de Graham Vick, si bien es cierto que la teatralización de los ritos apuntala el pedestal de los poderosos.
Por otra parte, la amplitud de los ámbitos que construye empequeñece a las figuras humanas, personajes diluidos en una inmensidad que parece más hecha de tiempo que de espacio. Aislados, envueltos por una soledad lastrada, se sumergen en un rigor que adquiere la condición de destino inexorable. Destino que lleva en esta versión a optar por el suicidio del infante.
La música, de alguna forma, se dejó someter por la escena. Fue como si le faltara personalidad. No ayudó, una vez más, la acústica: los cantantes, en la gran extensión de la caja escénica, se perdían en una lejanía frente a la que, además, la orquesta levantaba un muro. Por otra parte, no todo el reparto estuvo a la altura de las circunstancias y eso sin denunciar que alguien fallara estrepitosamente. Pero es que Don Carlo es tan exigente… Es probable que no sea tanto una grand opéra como una grandísima ópera. Una ópera coral en el mismo sentido que una película es coral, es decir en el de la múltiple y compleja importancia e interacción de todos los personajes. La introspección psicológica es tal, la interdependencia tan tupida y el lucimiento tan para dentro que ningún protagonista puede compensar con su actuación el déficit de otro. No es de extrañar que el compositor exigiera (sin éxito) cuarenta días de ensayo para el estreno italiano de la obra.
Desde luego que, al igual que en la puesta en escena, la dirección del coliseo pretendía jugar sobre seguro en el aspecto musical: una orquesta y un coro que están respondiendo magníficamente, un director como Maazel que parece que aborda con especial interés las óperas de Verdi y unas voces de contrastada reputación en cada uno de los papeles protagonistas. Lamentablemente, la intención de los programadores se empezó a venir abajo cuando Marcello Giordani canceló su intervención como tenor protagónico unos días antes del estreno. Pero lo peor aún estaba por llegar, puesto que la presentación (día 15 de diciembre) tuvo que realizarse con sustituciones de última hora en los papeles de Rodrigo y Éboli. Tanto cambio seguro que afectó el normal desarrollo de los ensayos.
La función a la que asistí (cuarta de las seis que se llevarían a cabo) ya tuvo, por fortuna, a Carlos Álvarez como feliz Rodrigo. Feliz porque su Posa, una de sus especialidades, fue un derroche de nobleza canora y dramática. El barítono malagueño lució una voz densa, ancha, homogénea, atlética, de fácil gradación dinámica, perfectamente empastada con la calidez y afectuosidad del personaje.
Al mismo nivel sobresaliente también estuvo Eric Halfvarson, quien compuso un Inquisidor implacable y despreciable, o sea, perfecto. Es difícil caracterizar con mayor rotundidad y convicción este papel al que, por lo demás, el bajo norteamericano se ha acercado en numerosas ocasiones.
Tuvo lo que le faltó a Orlin Anastassov, así que al monarca en esta ocasión no le quedó más remedio que agachar la cabeza en su particular duelo del tercer acto. Al bajo búlgaro aún le viene un poco grande la profundidad del personaje y se quedó en el indefinido territorio comprendido entre una incompleta encarnación psicológica y la preocupación por la resolución técnica de su parte. No obstante, su voz tiene notables posibilidades y a buen seguro madurará el rol.
Algo similar, la indeterminación, le ocurrió al coreano Yonghoon Lee. Fue un infante con arrojo, a veces excesivo o injustificado, intentando pasar por heroica una actitud vocal a la postre injustificada y forzada. Cuando controle con mayor inteligencia sus fraseos, cuando atienda mejor la media voz, como tiene un bonito timbre y una potencia considerable, acertará mejor su caracterización.
En cuanto a las mujeres, muy buena la reina de Ángela Marambio. Dramáticamente intensa y desarrollada, vocalmente segura, muy sólida en el centro, suficiente en el registro grave y plena en el agudo, eficiente en los reguladores y de atractivo timbre.
Más desigual, pero con innegable oficio, la Éboli de Anna Smirnova. Su principal acierto estuvo en la perspicacia con la que administró sus recursos, llevándolos al huerto de una emotividad completamente teatral. Y en lo que respecta a los papeles comprimarios, todos cumplieron con tino su parte.
Al frente de la orquesta, de nuevo estupenda, se puso Kynan Johns, director asistente de Maazel que ya estuvo al frente de una de las funciones de Don Giovanni la pasada temporada y que volverá a repetir en esta con Madama Batterfly. Concertó con soltura no exenta de precisión, pero sin llegar a descubrir el fermento cálido que mueve a los personajes, ese calor de almas estabuladas que bulle inútilmente por salir a combatir el frío exterior. Lo echamos un poco de menos, porque, por desgracia, el hielo de la opresión nunca ha dejado de amenazarnos (quizá nos despiste el ridículo nivel exhibido en las recientes disputas en España entre la Iglesia y el Estado), y a la ópera acudimos no sólo a reflexionar sino, principalmente, a que se nos enciendan los ánimos. En cualquier caso, el espectáculo mereció la pena.
Desde 1996, informamos con independencia sobre música clásica en español.
La lectura es libre. Si quieres participar en los comentarios, crea una cuenta.
🙌 Registrarse ahora
Comentarios