En la diversidad está el gusto

0,0001627 Dentro de la intensa actividad del Festival Internacional de Órgano Catedral de León, los recitales de algunos de los organistas más destacados de nuestro tiempo son la columna vertebral de una programación que, año tras año, reúne al más selecto elenco convocado en cuantos festivales de este género se celebran en España.

Sin embargo, y tal como me reconocía uno de ellos, León es el lugar donde más y mejores organistas se reúnen para hacer música ‘sin órgano’... Más allá de lo sarcástico (y honesto) de esta afirmación, sí es cierto -y conocido por todos, incluida la propia organización, que tengo entendido ya ha conseguido un acuerdo para la construcción de un nuevo instrumento- que el órgano de la Catedral de Santa María de León, construido por Organería Española S. A. en 1953, es un artefacto muy limitado y traicionero. Para hacernos una idea de la incertidumbre que provoca a los intérpretes allí invitados, nada mejor que recoger algunas de las declaraciones que el propio Theo Brandmüller (Mainz, 1948) realizaba al Diario de León el día anterior a su recital: “He venido a León en cinco ocasiones y cada vez que me sentaba ante el órgano me preguntaba: ¿qué pasará hoy?” o “Tocar en él es un martirio y una incertidumbre”.

Quizás por ser consciente de estas limitaciones, o con el objetivo de diversificar estilísticamente su recital, Brandmüller presentó un programa enormemente ecléctico, tanto en caracteres como en épocas convocadas, con obras de autores que se remontaban desde el siglo XVII hasta el presente; si bien se echó en falta alguna composición de verdadera enjundia desarrollada en su integridad, y no sólo alguno de sus fragmentos.

Theo Brandmüller, a pesar de estas limitaciones, siempre ha sentido un gran afecto por esta cita, y aunque es un fiel heredero de la avantgarde más pura de la posguerra, su opinión es la de que “las iglesias y catedrales son el espacio natural del órgano, y sacarlos de ahí es matarlos”, incluso este “terrible órgano, que como mejor está es callado”.

Las primeras piezas abordadas fueron ‘Plein jeu’, ‘Jeux de Flûtes’, ‘Récit de Nazard’ y ‘Caprice’, cuatro de los números que componen la Suite du deuxième ton (1710), de Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749). El acercamiento de Brandmüller a la música antigua a través de esta pieza resulta un tanto irregular, con un discurso muy quebrado y entrecortado, por más que por momentos descubra atisbos de verdadera lucidez, en una tónica que tendría continuidad en varias de las piezas esta noche escuchadas.
 
La segunda composición, el Capriccio uber dos Hennergeschrey, de Alessandro Poglietti (1641-1683), es una pieza idónea para un enfant terrible del órgano como Theo Brandmüller, que construyó toda una serie de cacareos de gallo de un modo totalmente desenfadado y pleno de gracia. Su notable técnica se pone al servicio de una pieza sencilla en cuanto a su digitación y mecanismo, pero que precisa del tono justo en lo humorístico, para no quedar en un mero ejercicio un tanto absurdo y carente de comicidad. En ese sentido, la lectura del alemán resultó ejemplar e imaginativa a la hora de dar vida a las diferentes variaciones del canto del gallo, extrayendo de éste matices muy diversos, enfáticos y hasta ‘humanizados’.

Con Cesar Franck (1822-1890), y el primero de sus corales de 1890, el Choral E-Dur FWV 38, pieza testamentaria del compositor galo, escrita cuando estaba ya convaleciente, nos encontramos con la primera obra ‘moderna’ del recital. Este Coral lo ataca Brandmüller de forma un tanto tibia e irregular en su comienzo, quizás sin una línea firme, y algo desarticulado, desarrollando las sucesivas variaciones un poco a base de golpes. Los compases finales sí resultaron mucho más convincentes a lo largo de todo el gran crescendo, que Brandmüller construyó con una arquitectura y una solidez notable, de forma bien dosificada y gradual hasta una conclusión majestuosa en la que afirma el tema del coral en todo su esplendor, recapitulando de forma muy integradora el impulso del recorrido previo.

Quizás la pieza interpretada de forma más convincente hasta el momento haya sido este 'De profundis', sexta parte de las Neuf Pièces pour orgue (1942-43) de Jean Langlais (1907-1991), que Brandmüller expuso de forma recogida y oscura, con tintes de cierta solemnidad y con un carácter muy meditativo, ahondando en los registros graves del órgano y en una tímbrica muy sólida, a los que sitúa como base de un entramado musical esta vez sí muy bien ligado, con una musicalidad sobrecogedora, que cautivó al público leonés, totalmente absorto y silente en su final, cuando aún la pieza reverberaba en las bóvedas góticas de la catedral de Santa María, devolviéndonos ecos de la fuerte espiritualidad expuesta en De profundis por el organista de Mainz.

La selección de las Deux danses à Agni Yavishta JA 077/78 (1932), de Jehan Alain (1911-1940), no me ha parecido nada acertada para suceder a De profundis, pues su ambiente resulta un tanto ligero frente a la trascendencia de la obra de Langlais. Con todo, de nuevo nos encontramos ante un trabajo de corte religioso, pues están inspiradas estas dos piezas en Yavishta, dios hindú del fuego, y muestran los modos musicales hindúes, cargados de los aromas exóticos que cautivaron a Jehan Alain en la Exposición Colonial de París de 1931, sólo nueve años antes de su triste muerte en el frente de la Segunda Guerra Mundial. A pesar de que Brandmüller intentó enfatizar su carácter danzable y colorista, su exposición resultó un tanto plana e insustancial, al carecer de ese elemento místico y religioso antes citado; de esa invocación a un ‘dios que baila’, que diría Nietzsche.

Theo Brandmüller, además de un personalísimo organista y profesor de composición e improvisación en algunos de los centros mundiales de la nueva música, es un compositor que se formó, entre otros, con maestros de la talla de Olivier Messiaen, Mauricio Kagel o Cristóbal Halffter. Su obra Norge (2008) está dedicada a Olivier Messiaen, con motivo del centenario de su nacimiento, y es descrita por su creador como “una composición muy curiosa. Como si alguien con un martillo golpeara las montañas. El eco de estos golpes, mezclados con otros sonidos fortísimos, es muy bonito”. Fuertemente deudora de las vanguardias de los años 60 y 70, Norge se sitúa en los antípodas de lo que podía ser una Mixture V (1995, en progreso), de Wolfgang Mitterer -de la cual dimos cuenta recientemente en nuestro diario-, cuya forma de comprender el presente es mucho más abierta a nuevas tendencias, lenguajes e influencias. Norge es también una composición muy variada, pero quizás más en la apariencia, en su superficie, que en la sustancia musical de la misma, donde nos remite a tantas de las obras magistrales que conocemos de los autores clave de la avantgarde. Con todo, sí nos encontramos con pasajes endiabladamente complejos, veloces, técnicos y hechos a la medida de un organista tan dotado como Theo Brandmüller, junto a otros más serenos y expansivos, explorando los registros y timbres más variados del órgano en toda una demostración de versatilidad. Más allá de ligeros ecos, la presencia de Messiaen no resulta explícita, ya que tampoco el idioma de Brandmüller tiene mucho que ver con el del genial compositor galo, al cual escucharíamos a continuación.

De Olivier Messiaen (1908-1992), en este su centenario al que se suma el Festival Internacional de Órgano Catedral de León, escuchamos dos de las meditaciones (‘Les bergers’ y ‘Les enfants de Dieu’) pertenecientes a La Nativité du Seigneur (1935). En la primera de ellas, Brandmüller enfatiza de forma notable el colorido, a través de un trabajo tonal y tímbrico muy compacto e iridiscente, refinado y efectivo, a pesar de las limitaciones del órgano. El comienzo de ‘Les enfants de Dieu’ es entendido por el organista de Mainz en su versión más constructiva, arquitectónica y mayestática, en un proceso que ha ido ganando cotas de recogimiento e introspección a medida que avanzaba, llegando a un final muy denso, oscuro y reflexivo. Se trata de un Messiaen muy interesante, y desde luego muy distinto al de una Jennifer Bate, que pocos días antes había interpretado a su ‘compositor de cabecera’ en este mismo festival.

Como conclusión, y completando un programa de carácter netamente francés, Brandmüller abordó la que quizás es la composición más inglesa de Louis Vierne (1870-1937), su 'Carrillon de Westminster', obra que forma parte de sus 24 Pièces de fantaisie opus 54 (1927). A partir de las cuatro notas que configuran la melodía de los cuartos en el reloj de la torre del palacio de Westminster, Brandmüller creó un amplio juego de variaciones, con una articulación y un fraseo modélico, de forma juguetona pero llena de ecos de la flema británica, con cierta pompa y cierto carácter evocador. Las distintas trasposiciones del tema fueron nítidamente expuestas, dando la sensación de una proliferación de motivos muy bien engarzados a lo largo de la pieza, concluyendo la misma de forma brillante y encantadora.

Tras una cerrada ovación por parte del público, que obligó a Theo Brandmüller a saludar en varias ocasiones, Samuel Rubio -director del festival- puso a prueba la capacidad improvisadora del organista alemán, en el único bis que éste concedió, y para el cual Samuel Rubio había trascrito el tema Viva la montaña, una melodía leonesa de la cual Brandmüller sacó auténtico oro, como lo habían hecho los romanos dos mil años atrás en estas mismas tierras, sometiendo el tema original a toda una suerte de variaciones, contrapuntos, florituras y adornos diversos, algunos de ellos en la línea de la improvisación más canónica, pero otros pasajes en un estilo libre realmente interesante, sobre todo si uno observa el rostro transustanciado de Brandmüller en el proceso de (re)creación de la música. Todo un espectáculo a manos de un intérprete de personalidad única e intransferible.