Iconos musicales de la nueva Rusia

0,0001193 A la vista del programa y de los intérpretes se presagiaba una noche de música agradable, en parte fácil, inmediata y de gran aceptación, en definitiva un concierto para todos los públicos. La realidad superó con creces las expectativas.La Orquesta Sinfónica de la Radio de Moscú fue fundada en 1930 y en 1993 pasó a denominarse (por designación debida a sus méritos) Gran Orquesta Chaikovski, el título de más alto rango y prestigio musical del que puede gozar una orquesta en Rusia. Su sonido de conjunto es compacto, denso aunque transparente, capaz de expresar mil matices y colores. Todas sus secciones son buenas pero la cuerda es sencillamente prodigiosa. Además de esta sonoridad, cuenta con varios solistas de gran categoría que actúan de pilares fundamentales sobre los que se apoya toda la formación: se trata de Víctor Simon (violonchelo), Maria Fedotova (flauta) Vladimir Permyakov (clarinete), Olva Tomilova (oboe) y Emilia Moskvitina (arpa), amén de otros que figuraban en el programa de mano. Ayer, el chelo solista, la flauta, el oboe (no es seguro que fuera el anunciado) y el clarinete estuvieron simplemente extraordinarios en todas sus actuaciones en ambas obras.Vladimir Fedoseyev es el director artístico de la orquesta desde 1974 lo que implica una profunda compenetración con los componentes de la misma pero, además, es un profundo conocedor de las partituras que ayer se programaron, hasta el extremo de que la suite de La bella durmiente de Chaikovski se presentó con arreglos orquestales del director. El maestro Fedoseyev ofreció una dirección elegante y con gran sensibilidad, con amplitud de gestos pero nunca chabacanería, ejerciendo un gran control sobre dinámicas, ataques, ritmos y balances y en ocasiones incluso pareció que existía una especial comunicación con sus profesores que hacía innecesarias las indicaciones.La colocación de la orquesta en el escenario fue peculiar, seis contrabajos en la linea central de fondo al lado de los timbales y detrás de los metales (como ya hizo en su día Carlos Kleiber), línea de metales, líneas de maderas y los violonchelos en el centro, frente al atril. A la izquierda del director, en su posición habitual, los primeros violines y a su derecha los segundos violines y violas. Esta disposición logró una mejor presencia del registro más grave de la sección de cuerda, con un sonido más envolvente y una menor direccionalidad del mismo.El Concierto para piano n. 2 de Rachmáninov sería una de las piezas que figuraría, sin duda, en un anecdotario de la historia de la música. Su dedicatoria à Monsieur N. Dahl lo dice todo; habla del agradecimiento del compositor ruso a su siquiatra, del reencuentro con su capacidad creadora, autosupuestamente perdida tras el enorme fracaso de su Primera Sinfonía en 1897, del poder hipnótico de unas frases repetidas hasta la saciedad durante más de tres meses, del triunfo del hombre frente a su mente. Su finalización e interpretación públicas por etapas: primero el segundo y tercer movimiento, ejecutados por el compositor como solista en un concierto a beneficio de las Damas de la Caridad de las Prisiones el 2 de diciembre de 1900, más tarde el primer movimiento, con el estreno final de la obra completa el 27 de octubre de 1901, con Rachmáninov al teclado y la Orquesta Filarmónica de Moscú dirigida por su primo Alexander Siloti. Como ven, no faltan razones para la supuesta inclusión.No pretendo, en absoluto, que el párrafo anterior sea aplicado a la calidad musical y artística de la pieza. Lejos de considerarlo una anécdota, creo que este concierto es una de las obras capitales de la literatura pianística, hermoso, denso, equilibrado en cuanto a duración, difícil aunque no virtuosístico y que se debate internamente en una duda de gran importancia conceptual e interpretativa que afecta al papel global del instrumento solista y su preponderancia, no bien delimitada, sobre las texturas y balances orquestales. Esto, que es especialmente perceptible en el primer tiempo, ha motivado bastantes interpretaciones en las que, como alguien dijo una vez, "el solista se ve más que se oye".Esta indefinición ha dado lugar a escuelas en la interpretación de esta obra, por una parte tendríamos a Byron Janis (Janis/Dorati), Earl Wild (Wild/Horenstein), Van Cliburn (Cliburn/Reiner), Sviatoslav Richter (en realidad su ubicación dependería de la época de la interpretación), etcétera, que optan por un papel predominante del instrumento, para lo cual deben de hacer gala de unas dinámicas nada despreciables puesto que el volumen orquestal es considerable, por otro lado tendríamos a Julius Katchen (Katchen/Solti), Cecil Licad (Licad/Abbado), Evgeny Kissin (Kissin/Gergiev) y otros que, aceptando esta ambigöedad compositiva, no imponen de forma tan rotunda su presencia instrumental (me estoy refiriendo, básicamente, al primer movimiento), aunque tampoco en este grupo hay una homogeneidad puesto que Kissin se encuentra en una zona de síntesis entre ambos conceptos. En ambos discursos podemos encontrar interpretaciones referenciales (por ejemplo Byron Janis / Antal Dorati y Evgeny Kissin / Valery Gergiev).Lilya Zilberstein es una excelente y sensitiva pianista en la que llama la atención en primer lugar su sencillez personal e interpretativa, sin concesiones al divismo, sólo la música fluye de su persona. Como antigua alumna del Instituto Gnessin de Moscú y pupila de Alexander Satz, debe ser enorme la presión que sufre en escena ya que el peso de sus ancestros musicales de la gran escuela rusa (Neuhaus, Sofronitsky, Gilels, Richter, Oborin, Zak, Yudina, Bashkirov, Malinin... etcétera) es innegable, mas en ella no se observan signos de inquietud, bien al contrario sin que medie movimiento extraño alguno se adueña del teclado con una elegancia notable. Es tremendamente lírica y musical aunque es cierto, o al menos anoche lo fue, que carece de la dinámica portentosa de Richter o Janis y su sonido no tiene la grandiosidad del de Kissin, pero démosle tiempo al tiempo.Apenas comenzar los primeros acordes del concierto se hizo patente que tipo de lectura iba a realizar, optó por la segunda, es decir la más introspectiva, aquella en la que el solista a lo largo del primer movimiento (insisto) es menos audible en escena, también es cierto que la cuerda de la orquesta era sencillamente maravillosa, aunque la escasa presencia musical de la solista en bastantes pasajes no fue debido en absoluto a un mal control del balance orquestal por parte del director sino, supongo, a una elección del modelo interpretativo. El Adagio, iniciado espléndidamente por la flauta solista y la orquesta, fue de gran belleza, con buenos crescendos y un violonchelo solista de auténtico lujo, en este tiempo Lilya derrochó técnica y sensibilidad, aunque su sonido no fuera todo lo arrebatador que podría haber sido. Muy bien el Allegro scherzando con cierta falta de dinámica por parte de la pianista en pasajes puntuales. En resumen, una interpretación del concierto de mucho nivel si se tiene en cuenta que las pequeñas matizaciones comentadas se refieren a comparaciones con ejecuciones de esta obra absolutamente referenciales desde mi punto de vista.Con La bella durmiente llegó el apoteosis orquestal, el director y la orquesta se fundieron en un todo, movimientos de una precisión casi quirúrgica, matices por doquier, paleta espléndida. Es verdad que es una de las obras más bellas de Chaikovski pero eso no significa que siempre suene bien.En la Scène dansante el oboe y la flauta compitieron en perfección, con las cuerdas alzándose, bellísimas, sobre los arpegios del arpa. El Pas de six fue del clarinete y del oboe, dialogando con unas cuerdas en estado de gracia permanente y unos cobres (siempre habían sido el talón de Aquiles de las orquestas soviéticas) muy buenos en afinación, contenidos, con buenos contrastes. Llegó la hora del Valse y se escuchó un sonido glorioso en color y balance global. La cosa iba a más y en el Pas d'Action el chelo solista hizo una auténtica exhibición, obteniendo del instrumento un sonido francamente exquisito con gran sensibilidad y vibrato justo, en este fragmento se sumó al festival sonoro la flauta solista con unos diálogos preciosos y una cuerda de una sonoridad aterciopelada. El inicio de L'oiseau bleu (pas de quatre) fue antológico con la flauta y el clarinete entonando pura magia y una transparencia de conjunto encomiable.En definitiva, una noche memorable en lo musical en la que sólo faltó para amar del todo a Rusia que ofreciesen, gratis claro, caviar y vodka. Todo un lujo.