Richard Wagner © Dominio público
Alguna vez cantaron allí los Minnesingers, en lo que hoy son las ruinas de la Rittersaal o sala de los caballeros del castillo llamado Aquileia. Está sobre un promontorio con un paisaje digno de Caspar Friedrich que domina de la ciudad sueva de Heidenheim, a orillas del Brenz. ¿Qué mejor lugar para establecer en 1964 el festival que terminaría contándose entre los más persistentes de Alemania?
Al principio los locales evocaron el pasado medieval volviendo a hacer sonar allí serenatas, para largarse luego a la ópera con Bastián y Bastiana, siempre con una orquesta de aficionados. En una comarca dominada por el pietismo protestante, hacer ópera era por entonces una bebida exótica a administrar con cuidado. Pero, ¡oh! los organizadores terminaron reemplazando nostalgias medievales y se pusieron a hacer ópera como saben hacerlo los alemanes: hasta el cansancio, y reemplazando poco a poco los tradicionalismos escénicos amados por los abuelos con puestas cada vez más audaces y provocadoras.
Bien puesto está entonces ese signo de sorpresa en la sigla del Festival, porque “OH!” no sólo vale por “Opera Heidenheim” sino como un clarín que anuncia que allí se hace de todo, desde El boticario de Haydn, hasta Otello, pasando por La flauta mágica, Fidelio, Rigoletto, Traviata, Trovatore, Ballo in maschera, L’elisir d’amore, etc. Hasta hay un programa de ópera de niños. Y también hay temáticas concretas. En el 2009, por ejemplo, la oscuridad teutónica de El vampiro y Der Freischutz fue acompañada por una ópera para niños titulada ¡Los vampiros nunca muerden!
En 2009, luego de 23 años al frente del festival, el intendente Marco Maria Canonica fue reemplazado por hijo pródigo de la ciudad, el director de orquesta Marcus Bosch, también intendente de la Ópera de Nürnberg: “Sí, claro que me acuerdo de haber asistido de niño a los festivales” me comenta Bosch, “pero me fui de aquí no bien terminada la secundaria. A mis padres no les hacía ninguna gracia que me mezclara con la ópera porque los pietistas desconfían de este tipo de arte. Cuando acepté volver para los festivales de verano me puse a cambiarlo todo. Por empezar, necesitaba un teatro cerrado porque en esta zona el tiempo siempre es un problema. Después me puse a profesionalizar la orquesta relanzándola como una flamante Capella Aquilea".
“Lo cual no fue fácil”, me comentó Matthias Jochner, uno de esos raros semi-profesionales que alterna su cargo de consejero cultural de la ciudad de Heidenheim con su actuación como piccolo de la orquesta. “Al principio eran todos amateurs que tocaban con mucha dedicación sustrayendo gran parte de su tiempo para ensayar y actuar en los festivales. Usted sabe, en Alemania y hasta algunas generaciones atrás, todo el mundo tocaba un instrumento. Luego empezamos a cambiar las cosas poniendo a todos los amateurs bajo concurso para hacer una selección y juntarlos con profesionales, pero mucha gente se ofendió por este procedimiento. Otros pasaron el examen y siguieron por un tiempo, pero en general es muy difícil juntar gente que toca música part time con profesionales a tiempo completo.”
La orquesta está integrada por instrumentistas de toda Alemania que aparte del festival se toman tiempo para algún ocasional concierto y ópera durante el invierno. Y bajo la dirección de Bosch está grabando un ciclo integral de las obras orquestales de Schumann, no con instrumentos de período pero sí con la autenticidad de la misma dotación de músicos utilizada en los estrenos originales, por ejemplo, no más de ocho violines. Según Bosch “el sonido es más auténtico en el sentido que es menos difuso o enrarecido que con las mega orquestas”
¿Pero como hicieron para conseguir dinero para todos estos proyectos precisamente a partir del 2009, en medio de una crisis económica global? Porque fue entre entonces y ahora que se construyó a pasos del castillo el complejo que incluye un moderno hotel y una flamante sala de ópera y conciertos alternativamente utilizada como centro de conferencia.
Bosch: “Mire, lo primero es creer en el arte. Luego hay que luchar por él. Así se pueden conseguir muchas cosas en cualquier momento. Incluso en tiempos todavía difíciles pude lograr incrementos presupuestarios en lugar de sufrir cortes. Los donantes, encabezados por empresas con especial interés en la promoción regional cubren 60% de los gastos y hay un 10% de dinero de fuentes privadas. El 30% restante sale de la venta de entradas.” Y aparte de creer en el arte hay que arremangarse para buscar dinero. En este sentido, Bosch es un intendente “a la americana”, con un sentido empresarial nato que dedica gran parte de su actividad tanto en Nürnberg como en Heidenheim a la caza de fondos.
Como en años anteriores, Bosch se turnó en el 2017 entre dos óperas y dos orquestas, la Capella Aquileia en Un Giorno di Regno en la sala cubierta, y la Filarmónica de Stuttgart en El Holandés Errante inicialmente programada bajo las estrellas junto a los muros de la sala de los Minnesinger. ¿Bajo las estrellas?
El tiempo fue este julio tan inestable que las representaciones al aire libre de El holandés errante se redujeron una única función, la última, sin que los críticos presentes supiéramos dónde ir hasta las dos de la tarde. Fue entonces que los músicos de la Filarmónica de Stuttgart accedieron a tocar al aire libre luego de asegurarse que la temperatura no bajaría demasiado.
Wagner sin lluvia
El suspenso valió la pena, porque este fue un Wagner originalísimo por su vitalidad, no rarificado por esas pretensiones de transcendencia mítica a que nos tienen acostumbrados en el circuito internacional sino todo lo contrario. Fue un Holandés de retablo, sanguíneo e irreverente en su apelación dramática. Y, sobre todo, lleno de humor, bien al estilo de este cuento de Heinrich Heine que el compositor y sus fanáticos seguidores cultistas prefieren despojar de cualquier sonrisa.
Antes del comienzo el director del festival se presentó a agradecer a la orquesta y de paso pedirles que por favor no se fueran si la temperatura bajaba demasiado. También trajo una mala noticia: los sobretítulos no funcionaban, a lo cual la audiencia respondió con un desilusionado “Aaaahhh”, pero, continuó, “damas y caballeros, bien sabemos que ustedes esta ópera se la saben de memoria.” Risas tímidas e irónicas. Y también risas cuando la aparición del buque del holandés fue acompañada de una niebla de humo blanco elevándose entre el público, antes que el protagonista apareciera por detrás para cantar su monólogo entre el público antes de subir al escenario.
El regisseur Georg Schmiedleitner había decidido que la tribuna de espectadores quedara en el medio del drama: por detrás, el buque fantasma que por supuesto no podíamos ver porque de lo contrario no sería tan fantasma. Luego del foso de la orquesta con dos pasarelas laterales, el escenario hacía como una tierra firme portuaria donde entre otras cosas, las hilanderas son unas trabajadoras de fábrica esclavizadas a empaquetar cosas en medio de dos enormes contenedores que se mueven con propósito múltiple. Finalmente, al fondo y junto al bastión, un gran parapeto alusivo al buque de Daland donde un timonel en las alturas entona ese primer gran lied wagneriano, ese del marinero que canta a su chica a través de truenos y tempestades. En el tercer acto, el timonel, histriónicamente actuado por Martin Platz se presenta encabezando el coro de marineros bailando y tambaleándose en su borrachera con la agilidad de un Fred Astaire.
A su llegada a las ruinas el público fue recibido por guardias de seguridad vestidos de negro fascista, que durante la función nos vigilaron como guardianes de cárcel desde sus parapetos en las alturas de los muros. También advertí la presencia de unos inquietantes espectadores de negro y muy pálidos que se mezclaban en la zona del bar sin hablar con nadie. Humor, claro está, pero bien negro, por lo menos en el caso de Alemania como sospecho también lo sería en Italia y España, por lo menos para los de setenta para arriba. Y más risas cuando para sobornarnos como a Daland, el holandés y los suyos nos tiraron una lluvia de billetes dorados con un buque negro estampado en el centro.
Pero también hubo genuino drama en la conmovedora regie de personas entre ese holandés tatuado y semi-punk y una Senta que acepta ser su ángel, …¡pero con alas negras! Porque cuando decide entregarse a su amor, la tía sube a su pequeña alcoba en un nicho del teatro y vuelve muy oronda con unas atractivas alas de cuervo. En un momento inolvidable estos dos marginados que dudan sobre si integrarse a la sociedad burguesa o tirarse al mar se enredan en un blanco velo de novia. Excelente la Filarmónica de Stuttgart bajo la dirección mas enérgica y palpitante que detallada de Marcus Bosch. Magníficos también Antonio Yang como el holandés y la Senta de Inga Brit Anderson. Y la temperatura siguió bajando mientras, como normalmente ocurre al norte de los Alpes, el público se arropaba en sus frazadas de alquiler.
Verdi in cantina
Tanto el Holandés Errante como Un giorno di Regno fueron apoyados por el Coro Filarmónico Checo de Brünn. Muy bueno, no sólo por la fuerza de proyección de masa y la diferenciación entre diferentes cuerdas, sino también porque la espontánea desfachatez de actuación de sus integrantes, uno de ellos un imponente panzón con cola de caballo, que pasó de la tripulación del holandés a la cocina de la “Pizzería Kelbar” al día siguiente, porque,…sí… la regisseur Barbara Horáková Joly decidió poner patas para arriba este intento cómico del joven Verdi pasándolo de palacio a una factoria contemporánea.
En esta producción Belfiore es un capo di maffia apelado “el rey de Polonia”, que sorprende al signor Kelbar maquinando el casamiento de su hija con el viejo La Rocca. El primer acto fue particularmente duro para los que no habíamos comido antes de la función porque un servicio de catering se encargó de cocinar en escena unos espaguetis riquísimos, a juzgar por la forma en que los fagocitaron los personajes en el exuberante final del primer acto, mientras el olor a pesto invadía la platea. De cualquier manera, la abstinencia de pasta fue compensada por una acción escénica tan ágil como la partitura. Esto fue Musiktheater de primera conforme a la tradición alemana de teatro musical donde los cantantes se mueven sin dejar de gesticular siquiera un acorde.
En estas condiciones, la partitura me pareció magnífica, bisoña tal vez, pero irresistible en su ya originalísima palpitación de strettas. Y sí, claro que hay mucho de Rossini y Donizetti, y aún Bellini pero como ocurre con Oberto este Giorno es ya típicamente verdiano en armonías, ocurrencias vocales y una asertividad en la orquestación que el infatigable Marcus Bosch interpretó con enfática y vertiginosa fluidez.
El elenco contó con esas voces frescas y claras típicas de cantantes jóvenes que pueden combinar energía con tiempo para ensayar. El primer premio va para Elisabeth Jansson por la precisión y su fiato en la difícil tesitura del andante y cabaletta 'Grave a core innamorato...Se dee cader la vedova', pero también merecen mención Gocha Abuladze (Belfiore) y León de la Guardia (Ivrea) un tenor capaz de bailar como los dioses que hasta se dio el lujo de introducir una siciliana a la guitarra.
Balance y porvenir
Como en el caso de Oberto el año pasado, este Giorno di regno representado en una sala de buena acústica junto a un foyer de cristal con vista de colinas y bosques, será comercializado discográficamente. “¿ Y por qué no? ¿Por qué no hacer Verdi, sobre todo estas óperas juveniles relativamente poco conocidas y agregar una grabación?”, me desafía Jochner luego de su extenuante trabajo con el piccolo en Un giorno di regno, y en rebelión contra ese preconcepto de acuerdo al cual los veranos alemanes deben transcurrir preferiblemente al compás de operetas. “El Oberto del año pasado fue un gran éxito. ¡Y es una producción que puede viajar a cualquier lado porque el único decorado son catorce sillas! Claro que cuando estas sillas vienen con un vestuario, iluminación y movimientos de personajes intensa y coherentemente tratado, la experiencia puede ser muy atractiva. Y en lo que respecta a este tipo de regie minimalistas o renovadoras, lo importante es tener las ideas claras para ir convenciendo poco a poco. Como en otros lugares, también aquí el público separaba ópera como espectáculo sin hacer hincapié en la acción dramática. Pero esto ha ido cambiando. No bastan buenos cantantes o decorados atractivos. Ni uno ni otro sirven mucho si no están integrados a una robusta e intensa narrativa teatral que tenga un significado contemporáneo para el espectador.“
Bosch: “Y aunque los instrumentos no sean de período, creo que favorecemos una cierta autenticidad al restringirnos a una dotación orquestal con un número de ejecutantes igual al de la época de Verdi.” Bosch, confieso, me irrita un poco con sus tiempos, que a veces me parecen tan agitados como su incansable actividad de director de orquesta, intendente e inspirador de un proyecto tras otro. En Nürnberg lo vi pasando de Norma a Ocaso al día siguiente, y ahora también hizo lo mismo entre Wagner y Verdi y con dos orquestas diferentes. Es por ello que, cuando durante nuestra entrevista me dijo que él buscaba siempre rodearse con ejecutantes y artistas que compartieran su forma de hacer música, le interrumpí a quemarropa con un “¿qué me quiere usted decir con eso de ‘mi forma de hacer música’”? Su respuesta fue concreta: “Busco pasión, anhelo, y una frescura libre de tradiciones mal entendidas. Busco ir siempre para adelante, con brío, y adelantándome al ritmo.” Se trata de un entusiasmo a veces discutible pero sin duda necesario para arremeter y renovar.
El año que viene Bosch dirigirá Nabucco en sala de los Minnesinger e I Lombardi en el auditorio cubierto. Me dice que la temática tiene que ver con refugiados, musulmanes y judíos. Y hasta le ha pedido a un compositor que prepare una ópera para niños sobre Moisés.
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