No fue este un concierto muy satisfactorio. Y no por los intérpretes y compositores, lo único que funcionó bien, sino por una serie de elementos que -aunque aparentemente accesorios- se echan de menos cuando faltan. No es fácil llegar al Auditorio de CentroCentro si no conoces previamente la sala (y no la conocía): indicaciones erradas de los guardias de seguridad de la puerta de entrada e inexistencia de otro personal de recepción en un edificio enorme y con mucho público que va a las diversas exposiciones y actos que allí se celebran, sobre todo un domingo por la mañana.
La propia organización del concierto resultó también muy deficitaria. El principal problema era la falta de programas de mano, que se habían publicado -algunas personas lo tenían- pero sólo para los propios compositores e intérpretes. Si a eso se le añade que el orden de las obras se cambió respecto a lo publicado en diversas páginas web (Mundoclasico.com incluido), y que se indicaron las obras a interpretar de viva voz y a toda velocidad al comienzo, la mayor parte del público ignoraba qué estaba escuchando y quién lo había compuesto. No me parece que la organización, la Asociación Madrileña de Compositores, muestre respeto por ellos mismos si no reivindican a los compositores y a su música, y en diversos momentos esa fue la sensación que tuve: no creian en lo que hacían y no les interesaba.
El tercer problema de organización acabó siendo el menos significativo. El público mayoritario eran niños pequeños y sus papás, lo que a priori, y tratándose de musica contemporánea, podía ser un problema, pero no lo fue: resultaron ser unos niños muy silenciosos, salvo excepciones escasas, y a alguno se lo llevaron sus padres cuando empezó a molestar. Eso indica cuando menos que hay un público familiar en el CentroCentro, ya fidelizado y acostumbrado a oir música culta, por lo que deberían plantearse una programación musical infantil en serio.
El Movimiento para cuerda de Alejandro de la Barrera (Madrid, 1977) que abrió el concierto es una obra sencilla y tranquila (abundaron los 'adagios' en este concierto), aunque bien realizada, que en cierta medida me recordó el Adagio de Barber, la Impresión nocturna de Gaos o Salut d'amour de Elgar, aunque con un lenguaje más actual. Aunque no había programa de mano, entiendo que este es el Movimiento para cuerda que de la Barrera estrenó en Madrid en 2001, no sé si revisado, lo cual me dejó con ganas de conocer alguna obra suya más reciente. Realmente no es posible juzgar la obra de un compositor por algo escrito siendo tan joven, probablemente cuando aún era alumno del Conservatorio Padre Antonio Soler, de San Lorenzo de El Escorial (Madrid), donde realizó sus estudios de composición. La interpretación de la Orquesta de Cambra Catalana, sólo de cuerdas, resultó correcta, aunque con algunos problemas de afinación, especialmente en los chelos. No me pareció una buena obra para comenzar el concierto porque a menudo al público -especialmente cuando hay niños como en este caso- tarda un poco en 'acomodarse' y centrarse, y el Movimiento para cuerda de Alejandro de la Barrera es demasiado delicado como 'obertura'.
Los hermanos Ignacio y Jorge Ferrando presentaron el primer estreno de la mañana: Vals, El día que murieron las estrellas. Poco se puede decir de esta obra salvo que está bien realizada, los hermanos Ferrando 'saben hablar' pero no parecen tener nada que decir. Se trata de una deconstrucción al modo de La Valse de Ravel (y no lo digo sólo por la coincidiencia de título) de una pieza de salón que no identifiqué, perfectamente digna del aprobado o el notable como trabajo de clase pero que no debía haberse presentado en un festival. Son jóvenes, están poniendo en marcha -por lo que se ve en su página web- un interesante proyecto de composición de música 'para lo que haga falta' y desde ese punto de vista, supongo que El día que murieron las estrellas es un buen escaparate, pero nada más. Así se presentan en su página web (donde no se dice nada de sus estudios):
Músicos formados en lo mejor de la libertad creativa y de la técnica para conseguir la mejor música para su proyecto. Calidad, arte, modernidad y tradición, originalidad... un crisol de sonidos a su disposición para conseguir la síncresis perfecta entre historia, imagen y música: películas, documentales, series, cortos, videojuegos, publicidad... Desde una gran orquesta a un solista, pasando por la electrónica o el jazz. Desde una canción intimista y minimalista hasta una sinfonía o una ópera, con nosotros la música no tiene límites. [...] Dos talentos en auge que aportan sus diversas personalidades artísticas para crear alguna de las composiciones más arriesgadas y rompedoras de la escena actual, que van desde el rock y la electrónica a la ópera y la vanguardia.
La tercera obra de la primera parte, y segundo estreno del día, fueron las Canciones sobre poemas de Maria Mercè Marçal de Alejandro Moreno (Alicante, 1962 o 1965), un compositor formado en Alicante y Madrid, que actualmente trabaja como profesor en el conservatorio de Getafe y la Universidad Autónoma de Madrid. Se trata de un grupo de cinco canciones que -si entendí bien al director de la orquesta, Joan Pàmies, quien tuvo el detalle de explicar al público un poco de la obra y la poetisa antes de comenzar la interpretación- son: 1. Homenaje a Frida Kahlo, 2. No sé amarte, 3. Niños, 4. Dolor (?), y 5. Acerquémonos. La interpretación estuvo a cargo de Alicia Moreno, voz, que podría ser hija del compositor, ya que al saludar me pareció que había un parecido físico entre ellos.
El Homenaje a Frida Kahlo me pareció la menos lograda del ciclo porque pertenece a esa tradición tan de las vanguardias de los años 1950 de 'musica contra la voz', o sea, una afinacion difícil e incómoda para la cantante y un estilo anticuado que tratándose de música española, parece propia de los 1970. A partir de la segunda canción comenzaron a asomar elementos 'tradicionales', Toldrá especialmente, y sonaron mucho mejor, aunque me hubiera gustado escucharlas con el texto, porque creo que la adecuación prosódica era buena. En concreto en la cuarta canción, la que más me impresionó, me pareció escuchar "bressol" e "infant que ya es mort", lo que me hizo evocar una triste historia que quizá es fruto de mi imaginación. En esta cuarta canción había referencias al Lasciatemi morire de Monteverdi en los intervalos abiertos y en la ornamentacion que recordaba los afectos barrocos aunque desde una perspectiva actual. En general las Canciones sobre poemas de Maria Mercè Marçal funcionan bien prosodicamente, pero la escritura vocal es mejorable y no siempre resulta cómoda para el intérprete.
La segunda parte comenzó con el estreno de A través del encuentro inesperado de Carlos Hernández Sánchez (Salamanca, 1980), un ingeniero electrónico, arreglista y alumno de Ramón Paus. A través del encuentro inesperado me pareció una obra aburrida que no aporta absolutamente nada. El lenguaje es sumamente convencional, suena como una cancion pop, totalmente basica, aunque Hernández Sánchez parezca creer que alguna disonancia ya convierte en moderna la obra. Además es larga y no pasa nada, por lo que acaba haciéndose dificil atender a lo que se escucha, y no desconectar, considerándola musica de fondo; al final abusa de los unisonos irregulares para hacer una especie de himno raro. El público sin embargo aplaudió muchísimo y braveó, por lo que es posible que yo haya juzgado mal la obra ... o que Hernández Sánchez sea de Madrid (que lo es desde hace muchos años)
A continuación, Venus Carci / Fuga de Ricardo Gassent (1973), que se presentaba como estreno, si bien Venus Carci ya figura en el curriculum de Gassent desde 2020. Fue la única obra del concierto donde se vió un interés escénico claro: al texto recitado, Gassent le añadió vídeos de fondo, bien trabajados. La primera parte, Venus Carci, es un texto recitado sobre una nota pedal. Luego viene un fugato -que no fuga- sobre un bajo básico, tipo pasamezzo moderno o pavana, es decir, un tema en escala descendente en el agudo mientras en el bajo se repite el mismo esquema armónico y rítmico -una especie de Canon de Pachelbel-, o sea, una obra muy efectiva ... que lleva siglos compuesta. Acaso por eso Venus Carci / Fuga recibió unos aplausos generosos al terminar.
Salvo un poco de disonancia, Venus Carci / Fuga es barroco puro, practicamente un ejercicio de fuga sobre un bajo dado, que con buena intención se podría considerar una imitación de Bach. Sólo en la parte final de Fuga aparece algo nuevo, una especie de imitaciones bachianas, aunque mixtificadas, por lo que podría considerarse que el modelo pasa a ser una banda sonora al estilo de las de Morricone (tipo La mision). A mi modo de ver, Venus Carci / Fuga no es una obra presentable en un concierto.
La siguiente pieza fue Cobalto Azul en Tránsito, para viola y orquesta de cuerda, de Ramón Paús (Castellón, 1959), compuesta en 2013. Fue la obra que más me interesó del concierto: algunas cosas me parecieron algo 'viejas', pero hay un compositor auténtico detrás, y aunque Cobalto Azul en Tránsito no es una obra demasiado original ni rompedora, a veces aparecen sorpresas, no es totalmente predecible como la mayoria de las piezas anteriores. Aunque breve, unos diez minutos, Cobalto Azul en Tránsito tiene la estructura de un concierto para viola solista, con una primera intervención de la viola a solo antes de la entrada de la orquesta, y un movimiento rápido central muy interesante enmarcado en dos Largos, el primero más introductorio y el segundo más melódico e incluso sentimental.
La interpretación de Yuval Gotlibovich (Ra'anana, Israel, 1977), actual profesor de viola en la ESMUC de Barcelona, fue fundamental para este éxito. No recuerdo haberlo escuchado nunca, acaso porque se centra en repertorios actuales, pero es sin duda un violista impresionante. Además se notó que Gotlibovich, la Orquesta de Cambra Catalana y Joan Pàmies están acostumbrados a tocar esta obra, que incluso han grabado en Naxos (8.573602) en 2015 (comercializado en 2016). Como era de justicia, al terminar la obra sonaron muchos aplausos -creo que los más extensos del concierto junto con los de los Canti dell’andata e dell ritorno que cerraron el concierto-, y bastantes bravos.
La última obra del concierto fue la antes citada, Canti dell’andata e dell ritorno de Norman Gómez Ballester (Venezuela, 1985), estrenada en 2018 en Viterbo (Italia), aunque con una orquestación distinta (era para el Festival Barocco Alessandro Stradella, usando flautas, guitarra 'batiente', violín y percusión). Se trata de una propuesta atractiva, pero -como la mayoría de lo escuchado en este concierto- muy poco original. En este caso se vuelve a recurrir a éxitos indudables y bien asentados, en este caso Vivaldi como base principal, con algo de Piazzolla, Revueltas y Márquez, sobre todo en la parte central de la obra. El material melódico es tradicional y seguramente venezolano, disfrazado a continuación de moderno aplicándole una tonalidad ampliada, acordes disonantes y poco más, aunque de un modo ciertamente eficaz. Hace cuarenta años hubiera sonado moderno y disonante, pero ahora no tanto porque el público ya ha escuchado cosas mucho más disruptivas. El resultado se escucha muy bien -la melodia tradicional es preciosa y el ritmo interesante- pero no perdura en la memoria. Quizá lo más original es el final, donde tras un episodio sumamente rítmico e incluso pegajoso melódicamente que hubiera sido una culminación natural de la pieza, Norman Gómez opta por terminar con un breve fragmento lento, suave y algo melancólico, como si ni Venezuela ni España fueran una solución para él en su camino 'de ida y vuelta'.
El éxito de estos Canti dell’andata e dell ritorno fue grande y la Orquesta de Cambra Catalana repitió los minutos finales de la obra subyugando aún más al público. Nuevamente me pareció agradable de escuchar, pero no tanto como el delicioso Concerto grosso alla rustica (1971) de Johann Sebastian Mastropiero, obra maestra del Pop Art musical, inspirado en el Concerto alla rustica para cuerdas en sol mayor, RV 151 de Antonio Vivaldi.
Como resumen debo decir que no me quedé muy impresionada con lo que escuché. La composición en España ha mejorado muchísimo, y ya no se escuchan las obras mal escritas que fueron habituales durante tantos años (y que siguen siendo una lacra en casi todos los compositores 'popes de la música española' como Tomás Marco en su Policías y ladrones, estrenado apenas dos días antes de este concierto), pero tampoco vi ideas interesantes. Es cierto que en arte lo que no es copia es plagio, pero en este concierto casi todo lo que escuché me resultó demasiado conocido y no hubo sorpresas ni nada nuevo que llamara la atención.
Para terminar vuelvo sobre el tema de los programas de mano, que me preocupó e inquietó, porque lo que ví a lo largo del concierto reforzó la impresión que había tenido al comenzar. Salí desanimada porque con algunas excepciones, el festival COMA 22 me pareció un 'chiringuito' de unos compositores más interesados en las subvenciones institucionales que en la música, que no respetan su dignidad, y que consideran este festival como un escaparate que les permita cobrar el dinero que la SGAE -y a veces otras instituciones públicas- entrega automáticamente a quien estrene una obra. Para el que no lo sepa, el modo habitual de demostrar el estreno de la obra es el programa del concierto y si -como en este caso- sólo se le entrega al compositor, esto parece casi autoedición, yo me lo guiso, yo me lo como, el publico ni sabe qué se tocó ni quien es el autor.
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