Aunque la ópera nunca ha llegado a estar al margen de las diversas ediciones del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, la ausencia de una genuina tradición lírica en la ciudad en general y en el festival en particular, llevó a que la programación de la ópera Turandot en versión concierto hace dos años supusiera un hito en ese sentido. Además de tratarse de un título señero del repertorio mundial, la magnitud de la obra de Puccini combinada con la presencia de las huestes del Teatro Real así como de un reparto importante, hizo que esta lectura supusiera un antes y un después en la programación del festival granadino.
Este año se va a volver a repetir el formato de colaboración igualmente
con el Teatro Real y con un título de similar enjundia como es el caso de La
traviata de Verdi. Sin embargo, el caso que nos ocupa probablemente no
poseyera tanta pompa y lujo en cuanto a producción musical, pero indudablemente
sí la calidad artística, así como un importante paso adelante en lo que
respecta al afianzamiento de una apuesta por el género operístico en el
festival.
Y es que la programación de I pagliacci de Ruggero Leoncavallo en
formato concertante con el concurso del Coro y Orquesta Joven de Andalucía (con
el apoyo del Coro de la Orquesta Ciudad de Granada) ha traído consigo el
habitual plus de entrega y entusiasmo de los jóvenes que han participado en el
correspondiente programa musical andaluz y que no pocas veces echamos en falta
en orquestas profesionales consolidadas y de renombre.
Y, por cierto, excelentemente dirigidos por Guillermo García-Calvo cuya
batuta ágil y concisa remedió parcialmente la falta de teatralidad inherente a
una versión de este tipo, sabiendo motivar y dosificar la energía juvenil a lo
largo de una lectura que, después de un comienzo algo mecánico, fluyó en un
conveniente crescendo dramático.
Los cantantes mostraron una implicación gestual que fue creciendo durante
la función, aunque demasiado improvisada y dejada un tanto al parecer de cada
uno. Con la presencia de atriles y partituras (fuera de lugar en los tiempos
que corren) no se dejaba mucho espacio para una deseable interactuación que, no
en vano, fue implementada motu propio por parte de los protagonistas
conforme avanzaba la obra. Tampoco habría estado de más establecer un mínimo
juego luminotécnico, así como utilizar aquí y allá alguna entrada o salida, aprovechando
el marco único del Palacio de Carlos V para dotar a la versión de una mayor
credibilidad dramática.
En ese contexto recordamos aquél impresionante segundo acto del Tristan
und Isolde que dirigiera Daniel Barenboim, con la salida de Ben Heppner
corriendo desde fuera del escenario mientras exclamaba su exaltado “Isolde!!” o
con la imponente aparición de René Pape en el balcón desde donde cantó todo el
monólogo del Rey Marke, escenas que indiscutiblemente aumentan exponencialmente
el valor artístico y experiencial de una mera lectura en concierto de una ópera.
Y máxime tratándose de una ópera como I pagliacci, que ofrece la clásica
inmersión del “teatro dentro del teatro”.
Hemos tenido la
oportunidad de escuchar a Alejandro Roy como Canio en varias ocasiones y realmente
aquí volvió a dar una lección de máxima entrega, destacando por sus agudos
potentes y firmemente proyectados; aspectos que compensaron su habitual
debilidad a la hora de articular un fraseo de alto vuelo lírico,
particularmente por debajo del mezzoforte.
El tenor asturiano pareció encontrarse especialmente cómodo desde el inicio de
su actuación (magnífica su escena “Un grande spettacolo a veintitré ore”), yendo
a más con una espectacular “Vesti la giubba” y rematando con gran arrojo
dramático, sin abusar de efectos artificiales, el tremendo finale.
A su lado,
Carolina López Moreno impactó de entrada con una espectacular presencia
escénica, elegancia y atractivo que encontramos en un timbre hermoso y una línea
de canto de indudable buen gusto. Tal vez echamos en falta un punto de mayor anchura
vocal que le permitiera profundizar en los recovecos dramáticos de algún que
otro pasaje, pero a cambio la soprano alemana exhibió una expresividad
suficiente.
Sin duda, el
Tonio de Claudio Sgura constituyó el lunar del reparto habida cuenta de su voz
clara, de timbre desabrido y emisión tan engolada como forzada que
imposibilitaba cualquier intento de fraseo mínimamente plausible. El barítono
italiano cargó las tintas en una expresión efectista así como en una
caracterización histriónica del personaje. Muy entregado y aceptable el Silvio
de Paolo Gálvez, a pesar de exhibir cierta tensión en los extremos de su
tesitura, y musicalísimo el soberbio Beppe de Moisés Marín.
Recuperando
la banda sonora de The Circus de Charles Chaplin
En una inusitada
-por distinta y extensa- segunda parte, se presentó la banda sonora de la
celebérrima película The Circus, último largometraje mudo de Charles
Chaplin, en su versión original de 1928 ya que, como es sabido, el propio
cineasta británico elaboró la suya propia cuatro décadas después.
Desacertadamente
presentado en el programa como autor de la banda sonora de 1928, Arthur Kay era
un conocido arreglista, compositor tanto de música ligera como de operetas, que
se hizo cierto nombre dirigiendo gran parte de las centenares de orquestas de
cine que por aquella época proliferaban en Estados Unidos. Y, por supuesto,
componiendo música, primero para amenizar las películas mudas y después como
banda insertada en la imagen con la llegada del cine sonoro.
El trabajo del
músico alemán en esta película de Chaplin es más circunstancial como compositor
que como arreglista y adaptador de diversas músicas que, como experto en el
formato musical cinematográfico, integró en la música circunstancial -no banda
sonora, y aún menos original, stricto sensu- de The Circus. Aquí
integró temas musicales procedentes de canciones populares orquestadas, jazz, música
clásica, ópera (particularmente I pagliacci de Leoncavallo, con la que
se establecía una relación perceptiva en lo musical, y no sólo en lo temático,
con la primera parte de este concierto) y operetas con aportaciones propias
donde intuyó su conveniencia.
No queda clara
la naturaleza del descubrimiento ni del estreno español de esta “banda sonora
original de Arthur Kay de 1928, recuperada por Timothy Brock en 2022” tal y
como se anunciaba en el programa de esta cita granadina. Como ya hemos
señalado, tenemos ciertas objeciones al respecto; al ya comentado y erróneo uso
de la expresión “banda sonora original” pues no puede considerarse ni una cosa
ni la otra, y a la autoría completa y sin matices de Arthur Kay. Pero es que
también nos surgen muchas dudas de esa versión descubierta y dirigida aquí por
el mismo Timothy Brock, sobre todo después del conocido trabajo de recuperación
y restauración de la música que acompañó originalmente a la película en su
presentación en los cines en 1928 por parte de la también directora y
musicóloga Gillian B. Anderson a principios de los noventa.
En cualquier caso, la OJA volvió a dar un giro de tuerca en cuanto a entrega y calidad de su prestación al mando del experto Brock y el público, el que decidió no claudicar después de la ópera todo hay que decirlo, se divirtió como nunca con el gran espectáculo de esta inolvidable película de Chaplin servida con semejante calidad musical en directo. Espectáculo que terminó bien pasada la una y media de la madrugada…
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