Antecesora de Madama Butterfly, Iris es la ópera que ambientó en Japón en pleno furor en el arte europeo por el exotismo oriental. Y no sólo en las artes escénicas, también en las pictóricas o decorativas. Todos tenemos en mente ese grabado en xilografía de Katsushika , La gran ola de Kanagawa, datado en la década de los treinta del siglo XIX que fue portada en 1905 de la primera edición de La mer de Debussy.
Esa fascinación llevó a los compositores a revestir sus obras de los códigos estilísticos de la cultura oriental reflejada, esto es, por medio de un lenguaje armónico basado en escalas pentatónicas. Aun así, Mascagni, que estrenó esta ópera el 22 de noviembre de 1898 en el Teatro Costanzi de Roma, no compone una partitura trufada de idiomatismo japonés, como sí hará Puccini seis años más tarde reconvirtiendo en ópera la pieza teatral de , sino que vierte su propio estilo, con melodías embriagadoras, a flor de piel, y trazos dramáticos cercanos al carácter descarnado, abiertamente verista, de Cavalleria rusticana, pero sin su halo trágico, entreverados con la agilidad narrativa y discursiva y el toque mucho más amable, más lírico y poético, de L’amico Fritz.
Bien es cierto que, a pesar de hallarnos ante momentos de gran espectacularidad orquestal y vocal desde el mismo comienzo, un crescendo imponente, grandioso, que describe la salida del sol -curiosamente con un diseño melódico ascendente muy cercano a la frase inicial del himno británico Amazing Grace-, con un planteamiento riquísimo en texturas desde el susurrante inicio de los contrabajos, esta no es la mejor de las óperas de su autor.
Si L’amico Fritz -una ópera desenfadada pero impecablemente escrita- es la segundona con respecto a Cavalleria, su obra maestra indiscutible por medios expresivos y contención del drama, Iris -que se ha visto en el Teatro Real en versión de concierto igual que el Farnace de Vivaldi en medio de las funciones del Otello verdiano-, se tiene que conformar con una discreta tercera posición en el ránking mascagniano.
De entrada, el libreto es muy flojo. Luigi , en solitario, a todas luces un hándicap, concibe una historia endeble, inverosímil y que no está ni de lejos emparentada con la irreprochable poética narrativa del que junto a Giuseppe prepararía después para el exigente Puccini. La protagonista es una versión naif de Cio Cio San. En Iris mucha música de gran factura y aliento lírico sirve a situaciones anodinas, que recuerdan en parte a Manon Lescaut por el tema de la trata de mujeres, aquí geishas. El momento en el que aparecen los comediantes en el acto primero rememora a su vez a el ambiente de I pagliacci y también nos evoca la escena de baile zíngara del Fritz.
El teatro lírico en España no se resistiría a ese influjo: el mundo de los titiriteros fascinó a para componer la zarzuela Las golondrinas, basada en la aludida ópera de . Mascagni parece que quiere repetir el modelo de L’amico Fritz pero no consigue más que ligeros destellos. El acto tercero es un juego de sombras que obedece a la estética del simbolismo pero que hace decaer la acción de manera estrepitosa, por más que de nuevo la magnificencia del sol impregne el final.
Para sacar adelante una versión de concierto de una ópera bastante coja en lo teatral se requerían cantantes de peso. Y menos mal que los hubo. Liderando el reparto estaba Ermonela , muy aclamada y querida en este coliseo, donde se recuerdan sus caracterizaciones de Cio Cio San y Adriana Lecouvreur. Sin resistirse a mostrar en el escenario sus hechuras de actriz, sigue la soprano albanesa añadiendo una nueva creación de un personaje verista exigentísimo en registro agudo al que reviste de una superlativa expresividad dramática por medio de una entrega vocal de emoción palpitante, sostenida por sus prodigiosas facultades de lírica que hacen inolvidables sus momentos en solitario, como su gran aria del primer acto donde describe una pesadilla -que recibió una amplísima ovación-, con una voz siempre colocada, un vibrato justo y una musicalidad irreprochable.
A su lado, el Osaka del veterano Gregory es, pese a la edad y a sutiles irregularidades de afinación, un regalo y una garantía de calidad, pues el oyente se ve beneficiado de su buen hacer belcantista, su impecable fraseo alla italiana sumamente cantabile que hizo deliciosa la célebre serenata “Apri la tua finestra”, su impronta teatral en el estilo conversacional, así como su control del fiato y de toda la técnica respiratoria. Por no hablar de sus agudos, que siguen despuntando con brillantez.
da vida con su poderosa voz de bajo al Ciego, un trasunto del Timur de Turandot pero mucho más desarrollado a nivel vocal, llegando a expresar con pujanza el cantante asiático el estado de indignación que experimenta el personaje. El barítono Germán fue un estupendo Kyoto, añadiendo a un canto de grandísima proyección y volumen una acentuada intención que redondeó el malévolo personaje con ciertos aires de Ping pucciniano.
La soprano brindó su aria de Dhia con una voz mórbida y de legato magníficamente conducido, que unió al canto melismático de su geisha del segundo acto y el tenor como trapero -después del breve papel de mercader- exhibió sus credenciales de excelente cantante por medio de una meritoria entonación y fraseo.
El incombustible maestro Daniele no escatimó medios a la hora de sacar a relucir el torrente orquestal, siempre flexible en los múltiples vaivenes del fluir orquestal, matizando los mil colores armónicos de una partitura repleta de hallazgos en lo instrumental ya desde el mismo comienzo con el despertar de la aurora, contando una soberbia sección de maderas y una privilegiada cuerda, y apoyándose a su vez en un coro del teatro de gran fuerza y empaque que con sus ganas ha hecho engrandecer y hacer brillar esta ópera olvidada.
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