Programa de cine para el concierto inaugural del ciclo de abono 2004/2005 de la Real Filharmonía de Galicia, a cargo de… la Orquesta Sinfónica de Galicia. Es como lo de guardar celosamente en secreto –excepto para los ya abonados- la programación de la temporada hasta la semana anterior al primer concierto. Una de dos: o realmente los responsables artísticos y administrativos de la Filharmonía no sabían qué tocar este año hasta que el tiempo se les echó encima, o les tiene al pairo que el desconocimiento general de esa información restrinja la captación de nuevos adictos. En cualquier caso, misterios insondables que sólo merecen sendos y enérgicos tirones de orejas. Eso sí, en taquilla se mantiene el mismo modesto precio por las entradas que el año pasado.
Pero vamos a lo que vamos: la música de Shostacovich está llena de elementos rítmicos, habitualmente trepidantes y aún más habitualmente bajo forma de un ostinato que se mantiene terco a lo largo de muchos y muchos compases. A simple vista parece fácil, pero quienes se creen que para que eso salga bien sólo hace falta marcar el compás en piloto automático yerran calamitosamente porque lo único que cosechan son batiburrillos sonoros. En efecto, el ‘chunda-chunda’ del buen Dimitri tiene su intríngulis, al que se llega dosificando hábilmente dos elementos aparentemente antagónicos: por un lado, hay que saber acentuar y afilar las figuras rítmicas con la presión, la urgencia e incluso la agresividad que requiere el acompañamiento orquestal en las óperas del joven Giuseppe Verdi, tal y como hace con denuedo Riccardo Muti; pero por otro lado, semejante frenesí debe procurarse mediante la transparencia y la frescura en la articulación que hacen gozoso un crescendo rossiniano, según demuestra el magisterio de Alberto Zedda. ¿Cómo diantre se logra tal cosa? No tengo la menor idea, pero vayan ustedes y pregúntenselo a Gennadi Rozhdestvenski, que les dará un par de pistas al respecto.
Los dos números de la banda sonora de Pigorov (Grigori Kozintsev: 1947) escuchados esta noche, que Shostacovich dejó a medio hacer y que arregló Lev Atovmian, tienen bastante de ese engañoso ‘chunda-chunda’, pero se conoce que Víctor Pablo aún no ha dado con la dichosa fórmula mágica, y le salieron más bien emborronados. Aunque las cosas mejoraron, y mucho, en los intermedios orquestales de Katarina Ismailova (nacida Lady Macbeth del distrito de Mtsensk): el del segundo acto se dio con toda la truculencia que exige el momento (el suegro de la atribulada protagonista acaba de morir sabiéndose objeto de parricidio) y con la orquesta desgañitándose en decibelios, que eso sí lo hace muy bien don Víctor; en los del tercer acto salió a relucir el tono agridulce y grotesco, tan caro a Shostacovich, que empapa las escenas festivas de la obra mientras se acaba de mascar la tragedia. Bravo para toda la orquesta, y tres hurras más para el timbalero Simon Levey.
Ya sé que en la cita de La tentación vive arriba (Billy Wilder: The Seven Year Itch, 1955) que he tomado prestada para el título, el inefable Tom Ewell habla de Stravinski y no de Shostacovich (lógico: en aquel tiempo, el uno sí podía ser conocido del público cinéfilo norteamericano porque ya andaba paladeando el dulce sabor del dólar, mientras que el otro seguía enclaustrado en la Unión Soviética y sólo empezando a sacar cabeza tras muchas y dolorosas cornadas oficiales). Pero la referencia a Rachmaninov es auténtica. Y ciertamente no falla nunca, ni para engatusar a Marilyn Monroe entonces –mejor dicho, para creerse uno que podía engatusarla-, ni para seguir pasando hoy un rato estupendo escuchando el maravilloso Concierto en do menor.
El joven pianista checo Lukas Vondrácek (Ostrava, 1986) dio muestra de saber lo que tiene entre manos. Es dueño de una técnica portentosa –que buena falta hace para esta partitura agotadora-, tuvo sus detalles de originalidad –los acordes iniciales levemente arpegiados-, y sobre todo no cayó en la trampa de hacer empalagosa una obra que tiene ya su justa cantidad de azúcar, dando así una lectura seria del concierto -aunque a veces su fogosidad le hiciera abusar del pedal. Lectura seria, que no madura, por razones obvias de edad, y porque Víctor Pablo cargó demasiado las tintas en el primer tiempo, subrayando machaconamente los tutti orquestales; no obstante, el movimiento lento y el final salieron más equilibrados, y si allí a ambos se les pasó por alto lo que para mí es el punto álgido del asunto (que está en la suave conclusión del segundo tiempo, tras la repetición en la cuerda alta de la gloriosa melodía inicial del clarinete -lo mismo que al hacer el amor hay que saber encontrar las caricias después del orgasmo-), aquí sí supieron explotar sin alharacas todo su virtuosismo y toda su brillantez.
A Vondrácek no sólo no le importó que se le descuajeringara una tecla del piano a medio concierto, sino que correspondió los muchos aplausos del público con un arreglo precioso (¿el de Percy Grainger?) de The Man I Love, que el genial George Gerswhin escribió con su hermano Ira en 1924 para la comedia musical Lady Be Good, tocado con una cintura y un buen gusto envidiables.
El compositor polaco Wojciech Killar (Lvov, 1932) ha utilizado en su obra lenguajes contrastados, de la vanguardia más rabiosa a la tonalidad de toda la vida; y lo ha hecho cultivando distintos géneros, de la música de cámara a la sinfónica; pero sobre todo se le conoce por sus bandas sonoras cinematográficas. Exodus no es, sin embargo, la música de la película homónima (Otto Preminger, 1960) –que lleva la firma de Ernest Gold-, sino una cantata basada en ese texto bíblico y estrenada en 1981 como homenaje al director Krzysztof Zanussi. Como dice Víctor Estapé en las notas al programa de mano, su estructura recuerda mucho al Boléro de Maurice Ravel, en lo que tiene de melodía repetitiva a lo largo y ancho de un descomunal dispositivo orquestal; pero también trae a la memoria los célebres Carmina Burana de Carl Orff en el tratamiento del coro; y todo ello presentado al ritmo ominoso de I Pini della Via Appia de Ottorino Respighi. Pero es una mala revisitación de todo eso: la cosa se eterniza en sus veinticinco minutos de duración, y por más que la interpretación fuera intachable –que lo fue- acaba uno hasta los mismísimos de tanto apabullamiento.
Desde 1996, informamos con independencia sobre música clásica en español.
La lectura es libre. Si quieres participar en los comentarios, crea una cuenta.
🙌 Registrarse ahora
Comentarios