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Creadores y artistas de diversos puntos de España y Europa, en su mayoría relacionado con la danza como las coreógrafas María Ribot, Mónica Valenciano o Vera Mantero, los actores Óscar Gómez, Toni Cots o Simona Levi o los creadores escénicos Roger Bernat y Carlos Marqueríe, entre otros muchos, firmaron el pasado 2 de mayo la denominada Declaración de Cuenca, un documento en el que reclaman la atención de los responsables culturales, y en particular los políticos, sobre la situación de las artes escénicas en España.En el documento, los artistas aseguran que lo que les motiva es el lograr un "diálogo activo con la creación internacional", y para ello, los creadores deben encontrar en España "el apoyo y el contexto adecuado para la producción".En este sentido, dicen, España ha abandonado el cultivo de las artes escénicas destinando la mayor parte de los recursos a "la conservación del patrimonio y el mantenimiento y creación de grandes infraestructuras culturales". Algo que, en su opinión, debería compaginarse con "un apoyo decidido a la creación artística contemporánea".Según el colectivo de artistas, que se reunió en Cuenca para la firma del manifiesto, en la actualidad se está desdibujando lo que se entiende por "cultura", es más, aseguran, "lo artístico" no puede ser reducido "al territorio de la decoración, la publicidad, la propaganda o el mero entretenimiento", y apuestan por que haya propuestas novedosas aunque no sean del gusto de todos.Los credores españoles recuerdan que "si bien hace tiempo fue asumido que las artes plásticas exceden los límites de la pintura y la escultura", en las artes escénicas "sigue primando una fijación en formas de hacer muy convencionales". Y denuncian el que el resultado de esta mentalidad "es que las propuestas que se aventuran más allá de los límites del teatro dramático, el ballet, o lo que se ha catalogado como danza contemporánea, reciben muy escasa atención, cuando no rechazo".Con esta actitud, dicen los creadores, sólo se fomenta el hecho de que los artistas españoles de vanguardia encuentren mayor apoyo fuera de su país que en España, lo que califican de "sintomático de una situación anómala", mientras que ningún artista extranjero quiere asentarse en España porque su obra no tendría salida.
Declaración de CuencaEn los últimos años, la creación escénica ha sufrido importantes transformaciones que afectan incluso a la definición de los medios específicos y a las que las estructuras de exhibición y producción no han respondido de manera eficaz. En España, la inadecuación de las estructuras se ha visto agravada por un déficit histórico ante el cual sólo en determinados momentos y en sectores muy limitados se ha reaccionado con políticas activas y decididas. No se trata ahora de hacer historia de los errores o repetir reivindicaciones casi nunca escuchadas Lo que nos interesa es que los creadores en diálogo activo con la creación internacional encuentren en España el apoyo y el contexto adecuado para la producción, sin necesidad de esperar a que las estructuras recorran lentamente el camino de la historia no vivida persiguiendo en vano a la tortuga de Zenón. La paciencia no resuelve ningún problema, y los atrasos endémicos no se evitan con reflexiones sobre la historia, sino enfrentándose con valentía al presente.La conservación del patrimonio y el mantenimiento y creación de grandes infraestructuras culturales deben ser compatibles con un apoyo decidido a la creación artística contemporánea. El mejor modo de mantener viva la herencia cultural es contar con una producción artística rica que, por tanto, siga alimentando la historia. De nada sirve que conservemos el patrimonio si provocamos una detención de la creación, la repetición de modelos ya ensayados y consecuentemente la fosilización del pasado. La vitalidad de nuestro teatro clásico, de la danza española y de la herencia creativa de nuestro siglo, encontrarán su mejor estímulo en la fortaleza de la investigación creativa del presente. No podemos aceptar determinadas proclamas de "vueltas al orden", que no esconden sino la incapacidad para encontrar discursos creativos adecuados a la realidad, o el intento de acomodación a los gustos que desde ciertas políticas culturales e instancias mediáticas se imponen como mayoritarios.Antes de formular algunas propuestas concretas en apoyo de la creación escénica contemporánea, nos parece oportuno señalar algunos de los extremos que delimitan el campo de tensión en el que, creemos, en este momento se mueven:1. Arte y ecología. La alteración del mapa geopolítico y la entrada en juego de nuevos posicionamientos ideológicos distintos a los que han marcado la época moderna condicionan las funciones asignadas a las prácticas artísticas tanto por la sociedad como por los propios creadores. Estas nuevas funciones no pueden ser reducidas a un retorno de lo artístico al territorio de la decoración, la publicidad, la propaganda o el mero entretenimiento. Si bien parece inevitable un deslizamiento de lo artístico hacia la heteronomía, no se puede destruir en dos décadas la herencia crítica del arte acumulada durante los dos últimos siglos. Al igual que las políticas medioambientales y las tasas ecológicas pueden resultar gravosos a corto plazo pero muy rentables (además de necesarios) a largo plazo, el mantenimiento de una red de producción artística no sumisa a los cánones tradicionales de belleza y entretenimiento, ni a intereses políticos o comerciales, puede resultar molesta y costosa a corto plazo, pero rentable y necesaria para garantizar la riqueza de la vida social.2. El entramado creativo. La práctica artística, como tantas otras prácticas sociales, ya no está centrada tanto en individuos o colectivos individualizados como en agrupaciones inestables y redes complejas. Esto es reflejo de los nuevos modos de articulación de la relación individuo-sociedad surgido de una concepción en la que los límites y consciencia de lo individual se desdibujan y la sociedad aparece cada vez más como una sucesión permeable de miradas y expresiones más que como una entidad abstracta y compacta. Cuando hablamos de artistas o creadores no debemos entender meramente personas con nombres y apellidos, sino un entramado de relaciones sometido a constantes transformaciones. Ello acentúa la necesidad de no confiar a la excepcionalidad el sostenimiento de la práctica artística y de trabajar activamente (desde los propios artistas hasta los responsables políticos) en el enriquecimiento y crecimiento del entramado creativo.3. La centralidad del cuerpo. Si en las primeras décadas del siglo veinte, las artes escénicas estuvieron condicionadas por el descubrimiento de la potencialidad de la imagen en sus diferentes manifestaciones (escenográfica, gestual, maquinal y fílmica), en las últimas décadas del siglo veinte se abrió paso una atención cada vez mayor a lo corporal y un entendimiento de lo escénico como espacio para la investigación sobre el cuerpo. Frente al cuerpo espectacular desmaterializado o al cuerpo deportivo mecanizado, la escena actual trata de ahondar en una consciencia perdida de lo corporal para encontrar así un pensamiento específico del cuerpo. El diálogo de lo corporal-físico con lo visual-virtual parece uno de los territorios de búsqueda más atractivos para la creación escénica contemporánea, que se encuentra así con la herencia del arte de acción surgido de la plástica.4. Lo transdisciplinar. Si bien hace tiempo fue asumido que las artes plásticas exceden los límites de la pintura y la escultura, y muchos museos y galerías cuentan en sus colecciones con instalaciones, intervenciones, vídeos y acciones, en el ámbito de las artes escénicas sigue primando una fijación en formas de hacer muy convencionales. El resultado es que las propuestas que se aventuran más allá de los límites del teatro dramático, el ballet, o lo que se ha catalogado como danza contemporánea, reciben muy escasa atención, cuando no rechazo, por parte de las diversas instituciones que ofertan ayudas a la producción, y por parte de los responsables de los circuitos de programación. Pero lo cierto es que los creadores contemporáneos formados en las disciplinas de danza o teatro, no renuncian a un diálogo fructífero con la literatura, la arquitectura, el arte de acción o las nuevas prácticas visuales. Que este diálogo conduzca a zonas fronterizas de la creación no puede implicar la descatalagación de sus obras y su condena a la marginalidad o el exilio.El pensamiento corporal de estas transformaciones ha dado lugar a propuestas creativas y de producción difícilmente asumibles por las estructuras establecidas. De ahí que en diferentes lugares de Europa hayan sido los propios artistas, en colaboración con escritores, músicos o incluso científicos, quienes han asumido la tarea de crear nuevas estructuras paralelas que no se impongan a los creadores, sino que se adapten continuamente a sus necesidades. El tímido apoyo que han recibido en España estas iniciativas ha dado lugar a que creadores radicalmente comprometidos con el presente se hayan visto obligados a grandes limitaciones en el planteamiento de sus producciones, o bien a producir o incluso instalarse en otros países de la Unión. El hecho de que muchos de los artistas reunidos en este foro encuentren más apoyo y oportunidades de distribución fuera de España que en su país es sintomático de una situación anómala. Creemos en la construcción de un ámbito europeo de creación y distribución. Pero España no puede quedar fuera de ese ámbito, y para ello debe aportar algo, para que sea posible que sus creadores decidan si prefieren instalarse en otro país de la Unión o residir en alguna comunidad española y para que otros artistas europeos consideren atractiva la posibilidad de trabajar aquí. Que algunos de nuestros más interesantes creadores escénicos trabajen permanentemente fuera de España, siendo excepción el que creadores de otra nacionalidad se instalen en nuestro país, es algo que influye negativamente en la generación de un contexto crítico-productivo. En pocos años, la Ribot, premio nacional de danza 2000, será probablemente considerada una coreógrafa británica, y Óscar Gómez un director suizo.Blanca Calvo (Desviaciones, Madrid)José A. Sánchez (Situaciones, Cuenca)Han manifestado su adhesión al documento en Cuenca: María Ribot, coreógrafa (Londres). Olga Mesa, coreógrafa (Madrid). Óscar Gómez, actor y creador escénico (Ginebra). Rodrigo García, escritor y creador escénico (Madrid). Mónica Valenciano, coreógrafa (Madrid). Vera Mantero, coreógrafa (Lisboa). Joao Fiadeiro, coreógrafo (Lisboa). Toni Cots, actor y director escénico (Copenhague). Simona Levi, actriz y directora escénica (Barcelona). Roger Bernat, creador escénico (Barcelona). Carlos Marqueríe, creador escénico (Madrid). Barbara Manzetti, coreógrafa (Bruselas). Félix Santana, coreógrafo (Barcelona). Ion Munduate, coreógrafo (San Sebastián). Cuqui Jerez, coreógrafa (Madrid / Berlín). Begoña Vega, coreógrafa (Las Palmas). Bojana Bojanovic, artista de acción (Roma). Ana Buitrago, coreógrafa (Madrid). María Antonia Oliver, coreógrafa (Mallorca). Ana Pérez (Legaleón, Irún). Espe López (Legaleón, Irún). Lali Canosa, artista visual (Barcelona). Macu Díaz, artista visual (Madrid). Oscar Dasí (La Porta, Barcelona). Ana Rovira (La Porta, Barcelona). Laura Etxebarría (La Fundición, Bilbao). Mercedes Julia (La Caldera, Barcelona). Pilar López (Lapsus, Barcelona). Estrella Casero (Aula de Danza, Universidad de Alcalá de Henares). Jaime Conde-Salazar, crítico de danza (Madrid). David Alexandre-Guéniot, dramaturgo y productor (Lisboa). Albert de Groot, actor y director del festival Infinito LTD (Turín). Alexandra Baudelot, redactora de Mouvement (París). Sigrid Gareis, directora del festival (Viena). Christophe Wavelet, crítico de danza (París). Lois Keidan (Live Art Development Agency, Londres).
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