Deseo, amor y razón

0,0001908 Para quienes sostienen que la ópera podrá hacer más adeptos y mantenerse como género a través de títulos del siglo pasado y del barroco, la temporada de la Ópera de Flandes (en Gante y en Amberes) parece hecha para abonar sus teorías. Lo mejor hasta ahora había sido Candide (reseñado en su momento, hacia finales del pasado año). Ahora han llegado al nivel más alto, no sólo de esta temporada sino de al menos las dos o tres últimas, con este Cavalli representado escénicamente por primera vez en Bélgica. Prácticamente un estreno. Y una joya. La música desde luego, y el libreto (mérito del original, pero también del libretista), y la versión, escénica y musical. Uno querría siempre hacer este tipo de reseñas…y ver este tipo de espectáculos líricos. Sin estrellas (más o menos falsas, según los casos), con una labor de equipo envidiable (todos debutaban sus papeles, hicieron de coro sin problemas en las dos escenas que lo pedían, y no hubo ninguna vacilación en un texto largo y no fácil y una música que será probablemente de las más sensuales del barroco -si hacemos caso a La Calisto, Ercole amante o Eliogabalo, que se han visto puestas en circulación gracias al Benelux y particularmente a Bélgica y Bruselas- pero no por eso más sencilla de cantar o ejecutar). En esta versión, como se apunta más arriba, orquestada y preparada por director musical y de escena (iba a escribir ‘régisseur’ o ‘régisseuse’, pero temí las iras de los estrictos e hispánicos lectores), hubo tres horas que pasaron como un soplo y hasta dio lástima el intervalo necesario entre las dos partes. Yo firmaría porque hoy una Bohème o una Tosca me parecieran tan cortas de bien hechas.

La orquesta era la del Teatro, pero Sardelli consiguió (tocando junto con ellos de modo extraordinario la flauta dulce, entre otras cosas) que sonara como una orquesta barroca sin renunciar a sonidos más modernos (aleluya). No sé cómo hizo, pero se sabía el texto de memoria y seguía en todo momento a los cantantes, que así nunca quedaban librados a sus fuerzas solamente. No le puedo hacer mayor elogio.

Según el título de esta crónica, en la obra están esos sentimientos en lucha. Hay que decir que, como al parecer ocurría (y no sólo) con Cavalli, el aprecio por el amor físico y el placer en contraposición con los ‘deberes’ (políticos, religiosos, familiares) era muy fuerte. Y aunque, para edificación de todos, al final Medea vuelva con su despreciado Egeo (que la salva de morir ahogada por ser curiosa -las honduras en que nos meteríamos si fuéramos a analizar pormenorizadamente texto y partitura) y Jasón, mucho menos convencido, recupere el buen sentido que se espera de todo un héroe y cumple con su esposa abandonada, Ifisile (una ‘italianización’ bastante sui generis del griego Hypsipile), las conveniencias no parecen ser mucho más que eso.



Y el mérito de la puesta en escena fue la de ser intensamente sensual y hasta sexual (la aparición primera del ‘héroe’ es en el lecho con Medea y cuando sale de la cama está desnudo -menos mal que Dumaux dio la talla hasta en eso, aunque un pequeño sujetador de color carne evitaba la exposición de sus partes pudendas), la de manejar a los intérpretes poniendo de manifiesto lo que tienen de ‘genérico’ pero con sus rasgos individuales, la de ser sencilla siendo en el fondo muy complicada (no sólo por los efectos escénicos, sino por los movimientos), la de ser anacrónica e irónica sin pasarse de rosca (salvo, ay, en el coito frenético de Alinda y Oreste, que tal vez se podía haber evitado, o sugerido, simplemente porque resultó vulgar y fuera de tono, no por una cuestión de ‘moral y buenas costumbres’ -líbreme quien sea de eso). La ovación final para los tramoyistas fue de justicia. Buenas luces, vestidos interesantes y escena frugal y sugerente (el golpe final de poner la etiqueta a cada personaje y encerrarlos a todos en el armario de los trajes fue de lo más barroco que he visto, actualizado y sin que nos diéramos cuenta). Bien por Clement y su gente.

Y claro, como sin música no hay el resto, sin cantantes, tampoco. Me han asegurado que se hará un dvd, y eso espero porque lo compraré en cuanto lo vea para prolongar el placer que la representación me ha deparado y lo recomiendo calurosamente porque vale la pena. Aunque, probablemente, con todas las mejoras posibles, se perderá algo del calor del ‘vivo y en directo’, y se advertirán más las diferencias del reparto. Que si en conjunto merece un notable alto, cuando nos focalizamos en cada uno las cosas cambian. Pero quede claro que aquí el todo vale más que las partes.



Imprescindible empezar por el héroe epónimo, que decían los griegos (esos que ahora parecen los malos de la película). Dumaux no fue sólo la figura más conocida -a nivel internacional, la única- sino que demostró, como hace un par de años en su Otón de la Poppea monteverdiana, una belleza tímbrica rara en un contratenor, una pureza e igualdad de emisión y registros apabullante, y una insolencia y descaro en su protagonista que fuerzan la admiración.

Pero no fue el único. Ifsifile será ligeramente pesada, pero es el rol ‘bueno’, ‘noble’ y ‘serio’ (un tanto quejumbroso) ideal para una soprano lírica como la estadounidense Johannsen, que si canta todo con la pureza de línea y exactitud de acento y buen italiano como aquí, puede darnos grandes momentos.

Más agradecido como papel, la Medea de la serbia Bradic fue una actriz ideal, bella, sensual, celosa (por momentos hacía pensar en Maria Felix en sus grandes papeles melodramáticos o en la autoironía que el gran Jean Renoir le hizo protagonizar en French Cancan), de un timbre mate intenso y sólo al principio y hasta la escena del encantamiento (extraordinario) mostró una ligera incomodidad en la emisión del agudo y en general en el estilo (es una cantante más adecuada, probablemente, para repertorios posteriores, como demostró en su Olga, una de las pocas escapadas de la quema del reciente Onegin, lo cual no significa que no pueda cantar barroco -al contrario, cómo se agradece una voz de sus matices e inflexiones en este papel). Si acaso, como ya ha aparecido la palabra más de una vez, lo que habría que vigilar más en casi todos los casos menos los dos primeros es, precisamente, la emisión. No por no ser ‘barroca’, sino por ser mejorable en cualquier repertorio.

Caso, pongamos, del excelente tenor mexicano Pons (como muestra del internacionalismo lírico esta distribución era ideal también), quien por suerte estuvo mejor en el más largo papel de Egeo que en el del Sol del prólogo, donde sonaba abierto y opaco en muchas frases (jovencísimo y artista natural, puede dar mucho de sí). Casi lo mismo se repitió con el más experimentado y excelente Ashwin, que tropezó un poco con el registro grave de Ercole pero resultó ideal como el sexualísimo (casi obseso) Oreste, donde su voz de barítono se explayó sin problema alguno. O el caso de Adami, un tenor que hasta ahora, en sus Rossinis de Pesaro o Bad Wilbad, había distado de convencerme. Sigue siendo muy nasal y su agudo sigue siendo discutible (por extensión y emisión), pero en papel bufo de Demo lo ayudaron a caracterizar aún mejor su personaje. El austríaco Wagner desplegó la artillería de su sonoro bajo cantante tanto en el fiel ‘escudero’ (no se me ocurre mejor nombre) Besso, como en la corto pero intensa y admirable escena del furor de Júpiter. La belga Noldus también hizo doble papel, como ‘Amor’ del prólogo y epílogo y en la obra como la más que atrevida (de acción y de palabra) Alinda. Es una mezzo, pero muy clara, casi una soprano corta, y el agudo tiende a ser metálico, pero cantó con mucho gusto y se movió con la soltura (frescura, y en todas sus acepciones) que se le pedía y que la parte tiene. El papel (no podía faltar) de la vieja ‘nodriza’ Delfa, confiado a un contratenor (otra cosa imposible de evitar hoy en día, pero cómo me gustaría que volvieran a las contraltos, si pudieran encontrar a otra Oralia Domínguez) fue el que ofreció más problemas. El israelí Yaniv d’Or se mueve de forma ejemplar, dice con intención, pero la voz es inapelablemente fea, ficticia, el agudo, que es lo que más se oye, ingrato y más de una vez desafinado, y el grave no parece impostado por lo que se escucha la voz de un hombre adulto cuando habla. En otro contexto tal vez habría molestado; aquí, formó parte del cuadro y hasta tuvo su encanto para algunos (yo permanecí inmune, pero probablemente sea mi problema).



En cualquier caso, gran función y un buen repaso a las dificultades occidentales, con su gota de Oriente (la ‘bárbara’ Medea vuelve a ser el quid de la cuestión, aunque en clave menor y no trágica), de las relaciones sentimentales y/o no entre las personas. Casi podrían haberlo subtitulado “¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?” Sólo que la mayor parte de los personajes no es hipócrita ni se engaña, y sexo quiere, busca y da. El gran problema, y con esto termino, es cuando alguno sale de la despreocupación o del nivel físico y, por lo que sea, se enamora de la persona menos adecuada para el caso: le ocurre a Ifsifile, pero antes y después ha seguido ocurriendo con empeño digno de mejor causa.