Un placentero viaje al siglo XVIII

0,0002864 Una experiencia bastante singular es la que nos brindó Juventus Lyrica con esta producción, porque Hernán Schvartzman -su director musical- después de haber trabajado varios años aquí bajo la guía de Antonio María Russo, está terminando su carrera de Dirección Orquestal en el Conservatorio Real de La Haya, Holanda.

Aprovechando esta circunstancia y el hecho de que allí hubiese un contingente de alumnos o graduados en la ejecución de instrumentos clásicos (provenientes de Alemania, Australia, Brasil, Chile, Israel, España, Hungría y Japón) dispuestos a viajar hasta aquí para participar en esta ópera, se formó con ellos e intérpretes locales especializados, un conjunto de 36 músicos que abordaron esta partitura en un todo de acuerdo con usos y técnicas de la época mozartiana.

Tuvimos así una orquesta con sendos pares de trompas y trompetas naturales, un octeto de maderas clásicas -casi totalmente desprovistas de llaves y aditamentos modernos- o viejos timbales que eran atacados con baquetas de madera, mientras los instrumentos de arco empleaban las hoy en desuso cuerdas de tripa. La afinación, acorde la usanza de entonces, fue considerablemente más baja: casi un semitono. El resultado general, bastante más acorde con lo que se debe haber escuchado en tiempos de Mozart fue un conjunto menos incisivo y brillante de lo habitual, en el que predominaban, a pesar de su corto número, las cuerdas, ya que estos vientos poseen una sonoridad muchísimo más reducida que sus congéneres modernos.

Para aumentar la sensación de que estábamos ante una interpretación historicista, orquesta y director utilizaban ropaje ‘siglo XVIII’, se habían quitado los elementos que impiden ver el interior del foso, con lo que los músicos actuaban a la vista del público, mientras el clave fue colocado a un lado de la boca de escena y quien lo tocaba, Manuel de Olaso, interactuó en varios pasajes con los cantantes.


La puesta en escena de la talentosa Ana D’Anna, aunque tenía toques modernos -los ingresos de algunos personajes por el patio de butacas- mantenía ese buscado tinte antiguo, con lacayos que abrían o cerraban un telón, el corazón calado que enmarcará al elenco o el cartel con el subtítulo de la ópera ‘la scuola degli amanti’. Hubo una excelente marcación actoral, haciendo perfectamente entendible la historia, a la vez que un buen juego escénico, ágil, variado y entretenido, con abundancia de pequeños 'gags' -como la disputa entre los dos criados sobre el lugar en que deben colocarse pluma y tintero para que el supuesto notario case a las parejas- e incluso un par de cómicas escenas breves añadidas para permitir que los músicos volviesen a afinar sus instrumentos, en la parte media de cada uno de los dos largos actos. Eso sí, hay también siempre algún detalle a mejorar: las hermanas tienen que ver a los dos ‘albaneses’ cuando simulan beber veneno, pero estaban de espaldas.

Soberbio el deslumbrante vestuario que, como es habitual en los títulos de esta institución, surge del ingenio y conocimientos de María Jaunarena. La escenografía de Daniel Feijoó es grata a la vista y de gran practicidad, coadyuvando al éxito general, al igual que la correcta iluminación.

Hernán Schvartzman manejó las fuerzas puestas bajo su batuta con buena disposición y amplio conocimiento de la partitura: desde mi butaca en la primera fila lo veía todo el tiempo pendiente de manera alternada de los intérpretes principales, del coro o de la orquesta, a los que acompañaba casi susurrando sus respectivas partes o marcando claras entradas. Logró un buen ajuste entre foso y escena, al tiempo que dotó a la obra de tiempos vivos, atinado fraseo e intencionalidad expresiva. El conjunto le respondió con señalado ahínco y disposición, mostrándose afinado así como confiable: me sorprendió gratamente que en esta función trompas y trompetas naturales (que por su condición de instrumentos anticuados son aún más propicios que los de hoy a pifias y accidentes) tuviesen una labor inobjetable.



El elenco resultó muy competente. Sobresalió, por su innata desenvoltura e histrionismo, Laura Penchi componiendo una desopilante Despina, en la que puso en evidencia sus buenas dotes vocales. A su lado destacó la veteranía tanto canora como escénica de Oreste Chlopecki dando vida con adecuadas dosis de simpático cinismo a Don Alfonso.

Las dos hermanas estuvieron bien resueltas. La soprano chilena Macarena del Pilar Valenzuela -a quien el año pasado había escuchado como Violeta- lució sus ponderables condiciones vocales mostrando grato timbre, afinación, extenso registro y seguridad. En lo escénico se movió con soltura y otorgó credibilidad al personaje de Fiordiligi. A su lado Lara Mauro -a quien solamente había podido apreciar en papeles breves, como la Marcellina de Bodas de Figaro un par de años atrás- puso en evidencia positivos medios canoros así como apreciable agilidad, junto con un buen color y correcta emisión. Asimismo hizo un lucido trabajo escénico como Fiordiligi.



Los dos personajes masculinos eran debutantes en sus respectivos roles y desde ya que lo hicieron en forma digna de alabanza. El tenor Patricio Oliveira mostró comicidad como Ferrando, papel que le permitió lucir una agradable línea de canto e interesantes medios, mientras el barítono Juan Feico, algo menos extrovertido en lo escénico exhibió una voz bien matizada y de buen color como Guglielmo.

Finalmente cabe consignar que la versión ofrecida fue bastante completa aunque, como es usual, se omitió la extensa y sumamente comprometida aria de Ferrando ‘Ah, lo veggio: quell’anima bella’ que en vivo solamente recuerdo haber escuchado en la versión ofrecida en el Teatro Real de Madrid en diciembre de 2001 bajo la dirección de Jesús López-Cobos.