That´s my girl! ¡Con esta me quedo! ¡Finalmente Minnie y Dick Johnson le dicen “Good bye” y no “Addio” a California! No me canso de repetir que la ENO se hace un flaco servicio al presentar sus novedosas producciones en traducción inglesa, pero aquí hago una excepción. La nueva producción de Fanciulla di West me pareció ensalzada con el cambio del italiano por el inglés. Muchos pensamos que es ésta una de las mas bellas partituras puccinianas. ¿Por qué, entonces, ese inmerecido olvido que hace de esta ópera una cenicienta en comparación con las otras dos exóticas incursiones en una ambientación extra europea, Madama Butterfly y Turandot? ¿No será porque Minie y sus cowboys deberían siempre hablar inglés para que no nos hagan sonreír en medio del drama con una italianidad que les queda tosca frente a un público tan acostumbrado a las pelis del lejano oeste americano?
Porque basta cantarla en inglés para que la obra se transforme en algo diferente, en un musical capaz de sacarnos lágrimas como Oklahoma o West Side Story. Ocurre simplemente que la partitura parece encontrar una especie de ininterrumpido cauce natural en la lengua del lejano oeste americano. Viendo esta nueva producción no pude dejar de pensar en el alcance de los exotismos musicales de Puccini. Tampoco hablaba japonés o chino, pero su búsqueda de algo nuevo lo impulsaban a intuirlos bien en las primeras frases de Cio Cio San, en Suzuki o en la mascarada de Ping, Pang y Pong.
Por supuesto que lo que precede es una opinión personal, como suelen serlo las fantasías que siempre logran despertar los genios en sus admiradores. Finalmente, las obras de arte terminan descubriendo su esencia mágica en el subconsciente, más que en el intelecto de quién se enfrenta a ellas. Pero, lo dicho: vale la pena ver a esta chica del lejano oeste cantando en inglés, aunque mas no sea para adquirir una nueva impresión de esta partitura tan abundante en fragmentos y exabruptos veristas tan afines al folklore americano.
El cuadro escénico de Miriam Buether es tan contemporáneo y tan del pasado como lo son esos buscadores de oro, cowboys, etc. con revólver en mano que allí en los Estados Unidos siempre se visten igual y hacen lo mismo. Sin embargo algunos fusiles colgados en la pared no son semejantes a las armas que la gente compra allí hoy día en los supermercados, sin mas bien de principios de siglo XX. Y ya ha llegado la electricidad al salón de Minnie, presidido por una gigantesca cabeza de búfalo adornados con tímidas lucecillas que han quedado de la Navidad. Y también de esta época es el vestuario de la única mujer del reparto.
Tanto la taberna como la cabina de Minie son dos pequeñas construcciones cortadas al bies y de techo a dos aguas enmarcadas al centro de la escena. La pequeñez de ambas ayuda a crear un sentido de frustrante opresión. A veces parece como si el techo fuera a volar y las paredes derrumbarse por la presión de la violencia y las pasiones de este avispero de hombres frustrados en su dependencia de Minnie, esa genial heroína pucciniana que tanto los confunde como maestra, madre postiza o fantasía de amor y felicidad. Y a todos termina ella poniéndolos en su lugar para seguir al hombre que ama. El tercer acto muestra la fachada de las oficinas del sheriff Rance con una gigantesca ventana a través de la cual, y como en un cuadro de Hopper vemos lo que ocurre adentro: Rance se desespera dándole al whisky mientras comenta a Nick como encontró a Minie y a Dick Johnson juntos para después dejar de escapar a este último. Pero al final lo agarran y lo van a ahorcar cuando….¡justo aparece Minnie revólver en mano para salvarlo!
Este final de película del Far West es hoy frecuentemente parodiado en algunas puestas. En la Opera de París, Lehnhoff parte en dos la escena para mostrar una gran escalera a lo Hollywood por donde baja Minnie como si fuera Esther Williams. No así Jones que, algo inacostumbrado en él, sigue prolijamente las instrucciones originales. El final es una verdadera apoteosis: Rance abandona la escena desapareciendo por la izquierda con paso de sonámbulo, como transfigurado al comprender finalmente el sentido de su derrota frente al perdón y la catarsis general. El decorado y el coro se van alejando al fondo del escenario. Sólo Minnie y Jack quedan en el proscenio abrazándose bajo una luz lunar.
La puesta remoza la obra con una colección de nuevas ideas logradamente representadas gracias al talento de Jones para hacer vivir a cada personaje en la carne de cada cantante. Comencemos por un pequeño detalle, el de presentar a Wowkle no como una india con su niño en brazos o en la cuna sino en alto grado de embarazo que con su amante toca tiernamente su vientre cuando habla de su “baby”, no “bimbo.” Aún cuando la traducción inglesa trampeó un poquitín al evitar referencias a la cuna, el cambio hizo la escena mas creíble que esas puestas donde la indígena va y viene murmurando en italiano con una muñeca inerte, como si fuéramos a creer que un bebé si puede aguantar a cantantes y orquesta sin quejarse con el menor lloriqueo. ¡Cuanto mas auténticamente “verista” es poner al niño en el vientre!
La aproximación al genero del “musical” americano serio, ayudada por la traducción inglesa, es realzada escénicamente por la coreografía de ballet con que el coro acentúa los acordes que acompañan su intervención. Y también se acentúa la violencia. Rance llega al punto de querer violar a Minnie en el segundo acto. Y cuando se cree engañada, Minnie no vacila en tirarle a Jack en la cara una de las tazas del café que les ha dejado Wowkle. Toda esta puesta es un ejemplo de cómo saber mover los personajes operísticos con el realismo del mejor cine. Y todos actuaron como artistas de cine.
Menos nivel alcanzó la voz de los solistas. Susan Bullock, por ejemplo, es una actriz de antología, hasta el punto que cada vez que empuñaba su colt para poner orden mi instinto casi me hizo levantar las dos manos y pedirle que por favor no tirara. Pero su voz, que siempre fue algo forzada y gritona es ahora más gritona que nunca y casi inexistente en el registro bajo. Peter Auty (Johnson) avasalla con un vozarrón bien impostado pero su timbre se destempla y se vela en el tránsito a las notas altas. Mejor estuvo Craig Colclough (Rance) con una voz baritonal atractivamente oscura e incisiva en articulación. Y aún mejor el Sonora de Leigh Melrose. Finalmente, en la cima de actuación combinada con buen canto se ubicó el ya veterano Graham Clark como Nick. La ENO tiene la fortuna de conservar algo llamado “elenco estable” donde frecuentemente aparecen grandes cantantes sobre el final de su carrera en cameos de una calidad capaz de sacarle chispas a cualquier producción.
Y me he reservado hasta el final la mayor sorpresa deparada por Jones. La noche del estreno, las celebridades de costumbre (todo el mundo se da cita en una premiere de la ENO) y el público se sentaron en sus butacas y comenzaron a charlar como de costumbre, mirando de un lado al otro, apagando los teléfonos en agitada anticipación de lo que esperaban ver. En esto estábamos, cuando el telón y el proscenio se iluminaron “a giorno” y la orquesta estalló en la introducción de la obra, empujándonos así, de golpe a la ficción escénica.
La efectividad de este impacto se debió en gran parte a una excelente directora de orquesta, Keri-Lynn-Wilson. Su lectura fue a la vez sensible y tersa, sin esa melancolía mal entendida que a veces afecta algunas interpretaciones puccinianas, con rallentandi y arrastrándolo todo. Wilson fue siempre expresiva y urgente aún cuando hubiera podido agregar mayor detenimiento en algunos contrastes y comentarios orquestales, por ejemplo, la tensión durante la partida de poker. Pero, ¿qué importa? Esta chica también galopó con convicción y vitalidad jineteando con una batuta rebenque a los fogosos y disciplinados coro y orquesta de la casa.
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