En mis primeras visitas a la Casa da Música de Porto (años 2006-2007), una de las cosas que llamaron mi atención negativamente fue la escasa afluencia de público en lo que a conciertos de música contemporánea se refería (y hablamos de conciertos con conjuntos como el Ensemble Modern, el Klangforum Wien, el Quatuor Diotima, o la propia formación especializada residente: el Remix Ensemble). Repasando ahora, casi una década más tarde, las reseñas de aquellos conciertos, me encuentro con aforos que apenas sobrepasaban las 100 ó 200 personas, algo que se antojaba muy por debajo de lo esperable, ya no sólo por la excelencia interpretativa de las propuestas allí ofrecidas, sino por la presencia en los conciertos (también en charlas y actividades paralelas) de compositores como Brian Ferneyhough, James Dillon, Emmanuel Nunes, etc.
Transcurrida casi una década, la situación parece haber cambiado diametralmente, y si ahora repaso las asistencias a los conciertos del Remix Ensemble en los que he estado presente en 2014 y 2015, me encuentro con aforos entre las 700 y las 900 personas: fruto inequívoco de un trabajo constante, de una fe insobornable en la capacidad del público para interesarse, comprender y vivenciar las estéticas de la contemporaneidad. Los tres días que comprenden el ciclo Uma história da Alemanha han sido un magnifico ejemplo. Después de haber dado cuenta a nuestros lectores del concierto del pasado 16 de enero, con los alemanes Carl Maria von Weber, Helmut Lachenmann y Ludwig van Beethoven en programa, reseñamos hoy los conciertos de los días 17 y 18 de enero, con nuevas partituras que nos acercaban al país que en 2015 será protagonista en Casa da Música: Alemania; una vez más con el compositor en residencia presente ya no sólo en los programas, sino físicamente entre nosotros: Helmut Lachenmann.
Remix Ensemble, 17.01.2015
En el concierto del sábado 17 de enero, el Remix Ensemble, con su titular al frente, el alemán Peter Rundel, abordó dos partituras de Helmut Lachenmann (Stuttgart, 1935) que ya habían interpretado el 13 de mayo de 2007. En aquel momento titulé a mi reseña Las edades del crecimiento, debido a lo que me parecían diferentes estadios de madurez del Remix para abordar a nivel técnico y estilístico las partituras de los compositores que capitalizaban aquel evento: Helmut Lachenmann y Wolfgang Rihm. Pues bien, casi ocho años han pasado desde entonces, y diría que la madurez del Remix es obvia, que el crecimiento se ha consolidado, que la constancia ha dado sus frutos, y su ...zwei Gefühle..., Musik mit Leonardo (1991-92) del 2015 es más sólido que el del 2007, más fluido técnicamente, más de una pieza, más redondo; y así también pareció verlo el propio Lachenmann, al menos por lo que conversamos tras el concierto. Cierto es que algunos aspectos en la partitura podrían ganar en acentos, como la exposición de la deconstrucción silábica del texto nietzscheano, aún timorata y poco audible; pero, en general, hay más homogeneidad y sentido. En todo caso, dentro del Remix sigo creyendo que Jonathan Ayerst lastra al grupo desde el piano, que sus acciones instrumentales en el arpa del instrumento no son del todo precisas, que sus furibundas acciones fonéticas (el grito desgarrado que debe propiciar al interior de la caja, por ejemplo) están fuera de estilo, que quizás el conjunto dirigido por Peter Rundel deba considerar el contar con otro pianista para este tipo de partituras, en las que más veces hemos criticado su estilo poco adecuado. En el lado contrario, sobresalientes trompeta, tuba y, muy especialmente, el violonchelista Filipe Quaresma y el (extraordinario) violinista José Pereira: valores realmente ascendentes y de primera clase entre los instrumentistas portugueses de música actual.
Por lo que a la narración de Helmut Lachenmann se refiere, de las cuatro veces que lo he escuchado en vivo en ...zwei Gefühle..., Musik mit Leonardo diría que ésta es la ocasión en que lo he encontrado más sombrío y distante. No sé si su voz ha perdido fuerza en estos compases vitales que lo acercan a su ochenta cumpleaños, o si, como me contaba en paseo matinal el domingo 18 de enero a orillas del Atlántico, se ha instalado finalmente en un modo máquina-silábica donde la emoción derivada del texto ha de ser elaborada por el oyente, rehuyendo el narrador inflexiones y acentos expresivos. Sea como fuere, en algún momento esta narración en primera persona por parte de su autor no será posible, y de ello hemos hablado también estos días en Porto, como de su temor al futuro de la interpretación de su propia música, a pesar de la maduración que comprueba se ha dado en muchos lugares del mundo para dar cuenta de sus partituras, y la del Remix sería un notorio ejemplo. No es sencillo corresponder de un modo optimista a un genio de este calibre cuando expone opiniones tan fundamentadas en el contacto diario con la materia interpretativa en tan diversos ámbitos y latitudes; pero, a modo de esperanza, Lachenmann reconoce que hay toda una serie de músicos y directores que han calado en lo más esencial de su música, de su propuesta artística, y entre ellos no duda en citar a Peter Rundel...
...y es que ver trabajar a Peter Rundel en los ensayos de Mouvement (-vor der Erstarrung) (1982-84) es todo un ejemplo, con su atento cuidado a los relieves, a la definición y presencia del sonido, al ataque, al sentido inherente a cada una de las técnicas que conforman esta plétora de música concreta instrumental, en una obra que Lachenmann reconocía, de nuevo, como la más compleja técnicamente de las suyas programadas este fin de semana en Porto. Si bien diría que en el ensayo general Mouvement sonó más vibrante y convincente, especialmente lo pasajes más rítmicos y grupales, en el concierto no dejó de destilar sensualidad, poética, un flujo temático entre los grupos instrumentales muy ágil y ajustado, así como lo que podríamos llamar una ‘coreografía del ataque’, tanto individual como grupal, que tan importante es en la música de Lachenmann a la hora de definir el sonido. Como buen alumno de Luigi Nono que fue (aunque Nono era por entonces otro con respecto al concepto de silencio; si bien Lachenmann no dejó de aprender nunca del último Nono, ya fuera de sus partituras, de sus conciertos, o del tardío reencuentro que entre maestro y alumno -durante años enfrentados- se produjo en los últimos años de vida del compositor veneciano), Lachenmann sabe que buena parte del peso del sonido se trama en el silencio previo, en la stimmung y disposición espiritual que lo antecede, siendo ésta una vibración en el silencio que se articula en ese ataque cargado de intenciones. Rundel también conoce este hecho, y trabaja así de forma concienzuda una gestualidad que define relieves, que marca un sonido que juega con la continua aparición/desaparición en/desde el silencio, y que -de nuevo- en Mouvement ha trascendido y mejorado lo que al Remix escuchamos en 2007.
Además de la música de Lachenmann, en el concierto del sábado 17 disfrutamos de tres fragmentos wagnerianos: el ‘Despertar de Brünnhilde’ y el ‘Dueto de amor’ de Siegfried (1851-71); y la ‘Escena de la inmolación’ de Götterdämmerung (1848-74). Los tres son desprendimientos de la colosal montaña wagneriana, del Ring que en septiembre de 2011 el Remix ejecutó al completo en la adaptación realizada por Jonathan Dove y Graham Vick en 1990. Muchas son las modificaciones que con respecto a la original tetralogía se efectúan: desde su propia duración, en este Ring Saga (como se conoce) reducida a 9 horas, hasta su plantilla instrumental, de apenas 18 músicos, con quinteto de cuerda, maderas y metales sin duplicar, órgano, arpa y percusión. Peter Rundel, que en varias ocasiones ha dirigido esta adaptación -incluida la realizada en Porto-, relaciona esta propuesta con las reducciones llevadas a cabo en la Verein für musikalische Privataufführungen de Arnold Schönberg, y manifiesta que, tras sus dudas iniciales sobre el proyecto, finalmente se ha visto conquistado por él...
...quizás uno necesite más audiciones de este Ring Saga, pues de inicio el impacto musical es tan minúsculo, comparado con el escenario mental que uno habita tanto para Siegfried como para Götterdämmerung, que esta propuesta se antoja anémica y carente de grandeza wagneriana en todo punto. Y es que la esencialización de Wagner parece un imposible, cuando esa exuberancia sonora es seña de identidad ineludible, y más en una propuesta como su Tetralogía. De este modo, Rundel se adentra con el Remix en el esqueleto de la partitura wagneriana, pero falta el músculo, el cuerpo, la expansión, el que el sonido alcance la magia wagneriana en todo su esplendor. Tampoco considero al Remix la formación más adecuada para este tipo de sonoridad y espíritu, que aquí se expone un tanto rígida (un poco más convincente en Götterdämmerung). Por lo que a las voces se refiere, me ha gustado la soprano Brigitte Pinter, con un registro amplio, sombrío cuando fue necesario en la escena de la inmolación, así como encendida y netamente wagneriana por su heroísmo titánico en Siegfried. En el caso del tenor Jeff Martin no sería tan optimista, pues su instrumento es más limitado (y hablamos de la reducción). Bien, a nivel expresivo; sin embargo le faltó potencia y quizás estilo, dar con un punto más firmemente wagneriano, aunque tampoco lo ayudó la sonoridad del efectivo instrumental que da base a este arreglo.
Sea como fuere, se trata de una propuesta que suscita el debate, y éste no faltó en las conversaciones tras el concierto, moviéndose desde los que ven en Ring Saga un interesante ejercicio de análisis y despojamiento musical, hasta los que vemos (a día de hoy) esta reducción como un querer-y-no-poder frente a la grandeza del original. Hubo, también, voces desde las facciones más ardorosamente wagnerianas; en este caso, para ellos se trata directamente de una herejía; aunque bien sabemos que de herejías está hecha la materia de la historia, y de no pocas fue acusado el propio Wagner en vida...
Momento del concierto del pasado 18 de enero en la Casa da Música de Porto. Helmut Lachenmann, narrador. Peter Rundel, director.
© Casa da Música, 2015
Coro Casa da Música, 18.01.2015
El domingo 18 de enero asistimos en la Sala Suggia a la última entrega del ciclo Uma história da Alemanha; de nuevo con Helmut Lachenmann presente para participar en un diálogo histórico de los que tanto gusta la dirección artística de Casa da Música, especialmente en festivales como Música e Revolução, en el que la coexistencia de grupos especializados en música antigua y contemporánea en un mismo concierto es habitual. Hoy el programa estaría íntegramente cantado por el Coro Casa da Música y, siguiendo con ese estudio de la maduración al que nos hemos referido, habría que decir que las edades del crecimiento no han llegado aquí todavía a una suficiente evolución para un Lachenmann, mientras que otras partituras, como las de Manuel Hidalgo o Karlheinz Stockhausen, sí fueron expuestas con un nivel interpretativo notable.
Hans Leo Hassler (Núremberg, 1564 - Fankfurt, 1612) fue nuestro guía a través de la historia, precisamente desde una de las fechas más remotas que este año germánico en Casa da Música abordará, por medio de su Missa Secunda (1599), fragmentada en cuatro partes entre las que se ha intercalado el resto del programa. Cantada por un coro de 18 voces, el volumen sonoro hace perder un tanto la nitidez de cada cuerda, si bien he de reconocer la versatilidad del coro luso para estas páginas, en las que han brillado unas sopranos que han dado matices y colores bien definidos a cada una de sus intervenciones. Por el contrario, en las voces de bajo se echa en falta más profundidad, un grave de mayor poso.
Algo similar podríamos decir en la interpretación de las piezas de Heinrich Schütz (Köstritz, 1585 - Dresde, 1672): Cantate Domino SWV 463, Unser Herr Jesus Christus in der Nacht, da er verraten ward SWV 423, y Deutsches Magnificat SWV 494, obras para las que Gregory Rose optó por una disposición antifonal de las voces. Rose es un maestro especialista en música contemporánea, pero es también conocedor del buen hacer de los coros británicos en el repertorio polifónico, al que tanto Hassler como Schütz se vinculan de algún modo. No lleva a cabo una revisión historicista de las partituras, ni por cuerdas vocales, ni por articulación, ni tan siquiera por espacialización, pero es capaz de dotar de verosimilitud a estas piezas, incluso de crear una emoción renovada en lo que a Schütz se refiere, marcando el cambio estilístico que señalaría para la música alemana este compositor.
Helmut Lachenmann, en fechas mucho más recientes, señaló igualmente transformaciones estilísticas radicalmente innovadoras de las que se nutre buena parte de la sintaxis musical actual. Consolation II (1968), para 16 voces, estaría entre ellas, y se une a partituras como Aventures & Nouvelles Aventures (1962-65), de Ligeti; o Stimmung (1968), de Stockhausen, que transformaron el paisaje de la música vocal en esa década prodigiosa que fueron los sesenta. La dificultad coordinativa y rítmica de Consolation II, su plétora de técnicas vocales, con chasquidos, alturas no definidas, golpeos faciales para producir reverberaciones en la cavidad bucal, etc, etc, etc., se antojan complejidad aún excesiva para el Coro Casa da Música, que se ha volcado en la partitura y en el trabajo con Rose, por lo que se ha percibido, pero que en estilo aún queda un tanto lejos de lo que esta partitura da de sí. En todo caso, y como en su día sucedía con el Remix, no tenemos dudas de que su trabajo acabará dando sus frutos.
Más sencilla técnicamente es la propuesta de Manuel Hidalgo (Antequera, 1956) -que fue alumno de Helmut Lachenmann- en su Scherzo de la 9ª Sinfonía de Beethoven (2008), obra de orfebre, de artesano, y parte del diálogo que con el genio de Bonn mantiene desde hace décadas el compositor andaluz en sus diversos arreglos de partituras beethovenianas. Aquí los propios nombres de las alturas del ‘Scherzo’ son la materia prima para un ejercicio de virtuosismo menos imaginativo y con menos aportación propia que otras de sus visitas al cofre de los tesoros que es el catálogo de Beethoven. Sea como fuere, vibrante, ágil e impetuosa versión del Coro Casa da Música, con unas sopranos, de nuevo, de una coloratura notable.
Por último, en este parlamento coral de la música germánica no podía faltar Karlheinz Stockhausen (Mödrath, 1928 - Kürten-Kettenberg, 2007), con Choral Nº1/9 (1950), obra con texto del propio Stockhausen en el que hacen aparición algunos de sus traumas biográficos provocados por la guerra: la atrocidad del dolor, el regreso al seno materno, la figura de Dios... Es imposible no percibir la influencia de las piezas corales de Arnold Schönberg en sus densas e intrincadas fugas, en el dominio de una musicalidad tan abigarrada y obscura, y así es como Gregory Rose (verdadero experto en Stockhausen) lo entiende, ofreciéndonos un tono sombrío, sin alardes, más expresión de una interioridad herida que un ejercicio de técnica dodecafónica; y no poca tenía ya el joven Stockhausen. Serán más las ocasiones en que disfrutaremos de la música de Stockhausen este año en Porto, como de la de Helmut Lachenmann, al que encontraremos, en persona y obra, el próximo 7 de marzo, con la poderosa Kontrakadenz (1970-71) -tan pertinente en estos tiempos de decadencia- dirigida por Lothar Zagrosek. Allí estaremos, con nuestra habitual constancia, para continuar nuestro dialogo con la historia...
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