Oráculo Donaueschingen 2011

0,0002506 Nueva cita con el oráculo de las Donaueschinger Musiktage, otra vez de la mano del sello NEOS, que nos acerca en esta ocasión a las jornadas del año 2011 por medio de un cuidado cofre de tres SACDs a los que, como era de esperar, se asoma buena parte de la pluralidad musical de nuestro tiempo, con un conjunto de obras entre las que encontramos potentes reflexiones sobre este presente que tanto gozamos y padecemos; reflexiones que van del humor a la violencia, de la desmitificación al existencialismo, de lo folclórico (en Donaueschingen, sí) a lo más trasgresor de los lenguajes actuales, completando un abanico estilístico que nos hará más conscientes de la música que somos.

El primer SACD comienza con una partitura mayor: obra orquestal que nos reconcilia con un Wolfgang Rihm (Karlsruhe, 1952) que en “Séraphin”-Symphonie (1993/2011) muestra el mejor de sus múltiples rostros, enraizando esta monumental sinfonía para ensemble y orquesta en todo un rizoma de piezas previas en su catálogo derivadas del Théâtre de Séraphin, de Antonin Artaud. El teatro de Artaud, su violencia y expresividad, está ya no sólo presente en la serie de piezas en cuyo título se hace explícito el motivo Séraphin, como Séraphin. Versuch eines Theaters für Stimmen/Instrumente/... (1993-94), Etude d’après Séraphin (1997), o Séraphin-Sphäre (1993-96/2006), sino en piezas también artaudianas como Tutuguri (1980-82), con cuyos arrebatos percusivos y estructura en capas tiene mucho que ver esta “Séraphin”-Symphonie que expande a modo de desarrollos vegetativos piezas como et nun I (1990), Über-Schrift (2003), o “Séraphin”-Concerto (2008). Es así que en sus tres movimientos y casi 50 minutos de duración esta sinfonía acumula motivos que nos resultarán familiares del Rihm que fue, con sus polirritmos insistentes, su colorista y huidizo trabajo en las maderas, su proliferante percusión espacializada, etc. Es ésta una obra impactante, arrebatadora, que nos pone en la pista del mejor Rihm de los últimos años.

Frente a la plétora rihmniana, Lars Petter Hagen (Ski, 1975) se propone en To Zeitblom (2011) épater la bourgeoisie musical alemana con una pieza para violín y orquesta de reminiscencias folclóricas, a la que se asoman estáticas sonoridades lindando el new age. Se acompaña lo musical de diversos cortes para proceder a una narración (y subsiguiente traducción al alemán) en la que el compositor noruego aborda el sentido de la vanguardia, el fascismo, el marxismo, las élites musicales, etc.; tirando de autores como Adorno y bombardeando muchos de los cánones ideológicos que han guiado las Donaueschinger Musiktage desde su nacimiento. Interesante discurso que mueve al pensamiento -y al que el público responde en no pocos momentos con carcajadas; no sabemos si riéndose con/de Lars Petter Hagen (y el cambio de preposición es toda una proposición)-. Pena que el monólogo no fuera acompañado de una música con cierto nivel y sustancia, más allá de una bella melodía perfectamente pastoril para una mañana soleada en la campiña noruega...
 
El jordano Saed Haddad (Az Zarqā, 1972) eleva la complejidad y excelencia del discurso puramente musical en Kontra-Gewalt (2010), partitura para clarinete y orquesta relacionada con dos textos de Pierre Bourdieu y Elizabeth Gras en los que se abordan los conceptos de violencia y contraviolencia, algo presente a nivel formal en una pieza de continuos choques, de furibundos impactos musicales, de confrontación y búsqueda de equilibrios; procesos de alternancias constantes, de progresivo serenamiento que, sin embargo, cuando alcanza un asomo de paz en el registro grave del clarinete de la siempre excelente Nina Janßen, recibe un golpeo final que nos pone en guardia ante lo que se antoja nueva vuelta de tuerca en un continuo de eventos violentos consustanciales (¿inevitables?) a la condición humana. Teniendo en cuenta el origen de Haddad, así como los tiempos que vivimos, Kontra-Gewalt es una pieza para la reflexión, además de todo un retrato de Oriente Medio; quedémonos con su carácter de alegato, que también lo tiene, a favor del entendimiento y la paz.

A pesar de la enorme calidad de la sinfonía rihmniana, es en el segundo SACD donde encontramos la gran obra de este cofre: una pieza de verdadera enjundia, una de las partituras más sólidas de una de las más brillantes alumnas del propio Rihm: Rebecca Saunders (Londres, 1967). En reciente paseo a orillas del Atlántico en Porto, el compositor alemán Helmut Lachenmann me hablaba de Rebecca Saunders como una de sus apuestas de cara al futuro (también presente) de la música. Durante años he(mos) hablado de Saunders como de una ‘Lachenmann británica’; esto se relativiza en Stasis (2011), donde las técnicas extendidas de la música concreta instrumental adquieren perfiles más personales, más libres, más poéticos; también más teatrales, siendo esta partitura para 16 solistas una meditación o un estado acústico-espacial derivado de una lectura del Still (1974) beckettiano. Según Saunders, luz y sombras, silencio y sonido, movimiento e inmovilidad desdibujan sus estructuras, se entreveran con la gramática, y dan lugar a una melancolía intemporal como lo es la contemplación silente del anochecer. Las cuatro partes en que se divide Stasis saturan el espacio de sonidos, ruidos, voces guturales y desmaterializaciones del ser que no por ello suenan deshumanizadas, en las que Saunders pretende hasta cierta ternura, llevando a cabo una ocultación del silencio que prácticamente, como en Cage, desvela la física imposibilidad del mismo, rescatando su ontología como puro concepto. Siempre que nos abismamos a sus dominios, algo irrumpe y nos desestabiliza; derivando un estado, como los personajes de Beckett, de tensión continua, de una quietud asediada, de una imposibilidad de reposo. Soberbia propuesta, la de Rebecca Saunders, que en no pocos momentos (especialmente en los compases conclusivos) nos recordará a Luigi Nono: esas maderas suspendidas que se mueven y expanden cual auras por el espacio.

Completa el segundo SACD una propuesta radicalmente distinta: la de Wolfgang Mitterer (Lienz, 1958) en Little Smile (2011), obra para conjunto instrumental y electrónica en vivo en la que la improvisación juega un importante papel, dentro de unos límites determinados por el propio Mitterer, que tiende a sus intérpretes partituras sonoras a las que los músicos deben reaccionar libremente, lo que diversifica la interpretación, al tiempo que compacta la pieza y le confiere unidad. Como es habitual en Mitterer, estamos ante una obra colorista en extremo, hiperactiva, móvil, humorística, desmitificadora (recordemos la larga y jugosa entrevista que con él mantuvimos en septiembre de 2008); una obra que nos desestabiliza constantemente, con giros inesperados, hibridando lo pop y los lenguajes de la vanguardia, todo ello desde una calidad compositiva incuestionable. Muy alejada del dramatismo y seriedad de Saunders, esta pieza es también un proceso de renovación constante, de fluidez sonora impactante, inagotable: una pequeña sonrisa cargada de grandes cualidades.

Ya en el tercer SACD, Hans Thomalla (Bonn, 1975) nos propone en The Brightest Form of Absence (2011) una composición multimedia para voz, ensemble y electrónica en vivo que transita el desierto como encuentro físico de extremos entre luminosidad, horizonte y silencio, donde la percepción de los objetos se agudiza -afirma-. Thomalla trabaja la experiencia del desierto desde muy distintos puntos de vista, ya sea con intención realista, al insertar en electrónica fragmentos de grabaciones en vivo en el Valle de la Muerte y el desierto de Mojave; fragmentos que se entreveran con la voz y el ensemble, en música de rabiosa actualidad; ya sea con intención de distanciarse del mismo, interiorizando la experiencia del desierto desde una mirada psicológica, algo que realiza en tres lieder para voz y piano que me parecen lo más convencional de la obra: irrupciones diría que horteras y prescindibles. Frente a ellas, pasajes como ‘Mojave Desert Dry Lakebed’, más puramente ruidistas, son de un impacto sólido y convincente, en una propuesta en conjunto irregular, mestiza, que en formato SACD se ve privada de las imágenes que al modo de videoinstalación acompañan a la música; y eso aquí es amputar la propuesta, cuando incluir un DVD con imagen probablemente no hubiese resultado tan costoso.

La también alemana Iris Ter Schiphorst (Hamburgo, 1956) se adentra en el estudio de las emociones en Studie zu Figuren / Serie A (2009/2011), pieza para siete voces amplificadas y sampler que bebe directamente, lindando la cita, de las Aventures & Nouvelles Aventures (1962-65) de György Ligeti, de las que constituye todo un epígono, ya no sólo por el tratamiento (tan gutural) de la voz, sino por el manejo del sampler como paisaje para lo vocal. Studie zu Figuren / Serie A toma como referencias el cuento Las investigaciones de un perro (1922), de Franz Kafka, el proceso pictórico de Francis Bacon, y una aproximación psicológica realizada por la compositora a una mujer desconocida. Todo ello conforma una abigarrada masa de efectos vocales, de impronta netamente avantgarde, con algunos asomos de entonación y lenguaje de alturas, para ampliar sus emociones y buscar puntos de encuentro espiritual con las pulsaciones, ritmos, tempi, armonías, etc., que vertebran la percepción y empatía con el otro. Aunque estéticamente lograda y potente, además de con una interpretación de fábula a cargo de los excelsos Neue Vocalsolisten Stuttgart, no se escapa de esa sensación de secuela en casi ningún momento de sus 22 minutos de duración, más allá de los asomos jazzísticos en los últimos minutos de la pieza, donde se invierte el orden de preponderancia y las voces puntean la jam session del sampler.

Cierra el cofre de las Donaueschinger Musiktage 2011 Andreas Dohmen (Viersen, 1962), con zirckel / richtscheyt / felscher (2011), partitura orquestal igualmente remitida a la pintura como referente conceptual, en este caso al estudio Underweysung der messung (1525), de Albrecht Dürer. En él, Dürer aborda el uso del compás y la regla para la traslación gradual y continua de las formas, introduciendo procedimientos de variación que producen una renovación constante del dibujo. Dohmen parte de estas ideas para producir una partitura en continua mutación, en la que los materiales, los ritmos, los timbres, están en progresiva metamorfosis, transitando paisajes que van de la escritura de alturas al ruidismo, si bien de un modo muy tímido. Pieza híbrida, por tanto, que alcanza cierto vuelo en algunos compases, pero que en conjunto podría resultar más sólida y expresiva, pues esos vericuetos de la variación acaban siendo un tanto divagación.

Aun con la dificultad que supone valorar las interpretaciones de estas ocho partituras, todas ellas primera grabación mundial de sus respectivos estrenos (por tanto, sin alternativas y grabaciones desde ya históricas), se antojan versiones excelentes, a cargo de especialistas en la materia, destacando la monumentalidad, la imaginación sonora y el rigor de la sinfonía rihmniana; la contundencia y definición tímbrica de la soberbia partitura de Rebecca Saunders; y la abrumadora lección de recursos vocales de los Neue Vocalsolisten en la dificilísima pieza de Iris Ter Schiphorst. En el resto, los resultados son también sobresalientes, si bien las partituras antes señaladas parecen haber alcanzado un nivel especialmente sublime.

Las tomas de sonido, a cargo de la SWR alemana, son de una transparencia y un realismo encomiables. Al tratarse de SACDs, se pueden escuchar las grabaciones de forma espacializada, lo cual es especialmente pertinente para partituras como la de Rebecca Saunders. La edición de los compactos sigue las líneas maestras de NEOS: libretos con ensayos muy informativos a cargo de los propios compositores, además de un atractivo diseño con fotografías y datos pormenorizados de las grabaciones. Nuevos mensajes, así pues, de ese oráculo de la música que es Donaueschingen; en breve, la edición (también en NEOS) de las Donaueschinger Musiktage 2012, con otras perspectivas sonoras no menos apasionantes.

Estos discos han sido enviados para su recensión por La Quinta de Mahler