Hildegard, Fanny, Clara y Alma según Marta Lambertini

4,36E-05 Dentro de un marco perfectamente ambientado, que de por si genera el espacio austero de un convento, preanunciando la hora con el sonar permanente de campanas ad libitum y un tránsito de figuras entre penumbras y sobre texturadas sombras, el público ingresa al espacio del Centro Experimental del Teatro Colón, lugar que, luego de una espera de varios meses, recibe el estreno de esta ópera argentina de cámara creada por Marta Lambertini con un excelente libreto de Elena Vinelli.Creo que es motivo para un festejo, porque quienes conocemos perfectamente el tremendo esfuerzo que representa la preparación y la puesta de una ópera, podemos no menos que regocijarnos por el logro. Logro que se ve realzado porque la obra motivo de este comentario, es una obra de características muy particulares, y que esta llevada adelante con un altísimo nivel, tanto en la factura como en la presentación. Prima facie, esto es lo que se nota. Un profundo conocimiento por parte de Marta Lambertini de como utilizar texturas vocales, como llevar adelante una orquestación simple pero coherente y efectiva con una agrupación reducida, como sostener la tensión a lo largo de estos 39 minutos y como presentar las escenas sucesivas y simultáneas. Los climas generados por el tipo de escritura, donde no solo está compensada la modernidad del sonido con técnicas de época como el organum y los fondos de determinados por el lied. Hildegard von Bingen, fue una abadesa visionaria del siglo XII y en función a su historia se arman ocho escenas que evocan las horas canónicas que regían su vida monástica y los ocho siglos de música silenciada tanto por los historiadores como por sus coetáneos. La inclusión de Alma Mahler, Clara Schumann y Fanny Mendelssohn rinde un homenaje a otras tres mujeres que siendo compositoras sufrieron de determinadas y diferentes formas la censura de su época, de sus esposos o familiares.La obra es un permanente conjunto de voces entrelazadas que no solo recitan justamente los textos sino que aciertan permanentemente con los climas necesarios para cada expresión, lo que es realzado permanentemente por la, como dijimos simple pero efectiva orquestación. Los permanentes golpes de timbal acentúan el dramatismo. El discurso de los Monjes 1 y 2 se entrelazan con la vivacidad de la percusión. Los fantasmas renacen. Los Monjes reconocen el estado de la muerte en el transcurso del tiempo y transitan ese espacio de ocho siglos. El trío de Clara, Fanny y Alma definen un fondo casi constante que emerge desde una posición secundaria, casi de observación, hasta integrarse centralmente transformándose por momentos en el eje sonoro de la obra. Los cambios de ritmo contribuyen a mantener la tensión y la atención siendo en todos los casos, de muy buen gusto.Si pensamos en lo contemporáneo del lenguaje y quisiéramos hacer una referencia a partes similares dentro de escrituras más antiguas, podríamos remitirnos como ejemplo de la superposición de los planos sonoros que se crean, entre otros, al famoso "miserere" del trovador verdiano donde existen tres líneas conjuntas pero diferenciadas. En Hildegard, prestar atención a cada parte requiere un esfuerzo que vale la pena hacer porque desde el mismo se descubren líneas diferentes no solo entre las voces, sino con respecto a la orquesta, y todas confluyen en un producto sonoro de gran calidad. Hay que verla mas de una vez, como toda obra nueva, para entenderla, no porque no sea fácil de apreciar en una primera audición sino porque lo que nos esta proponiendo es una estructura sólida, con una línea definida que nos inserta en un rico y polifacético enjambre sonoro.Fue significativamente superlativo el desempeño de Susana Moncayo que enfrentó el rol de Hildegard transmitiendo una emoción permanente, autoridad vocal, una excelente sonoridad y su tan particular timbre. Kathryn Power encarno una Richardis de excelente nivel. Del resto del elenco sobresale Clodomiro Forn y Puig, barítono que viene dedicandose a la música barroca y que ha pulido su estética encontrándose en un momento estupendo, su voz corre con un registro parejo y con un timbre mas que agradable. Bien Juan Barrile, aparece muy cuidado en la dicción y con un mejorado control de la emisión. Carlos Sampedro presenta un Monje eligió más la interpretación que el canto, apostando a la dicción acertadamente.Excelentes la puesta en escena de Pina Benedetto y la dirección musical de Marcelo Delgado quien desde una gestualidad simple, concierta con autoridad y justeza..En definitiva, una obra que vale la pena, que esperamos cuente con reposición (La sala estaba completamente llena, con gente sentada en el piso) no sólo en Buenos Aires sino en el exterior. Sus características hacen que esto sea deseable y posible.