¿El
mundo occidental ha cambiado? Bien puede ser que sí. Hace unas cuantas décadas
(tampoco tantas) era fundamental la distinción entre el Bien y el Mal. Hoy en
día, a pesar de algunas superproducciones Hollywood y de algunos productos
igualmente pueriles, las fronteras entre Uno y Otro parecen más difusas,
matizadas de relativismo, de doctrinas sociales, de mundialización...
Por
eso, al abordar en el siglo XXI el mito de Faust -que tan genialmente retomara
Goethe a finales del XVIII y que tan maravillosamente ilustraran, entre otros,
Bertin, Berlioz, Schumann, Gounod, Busoni o quien nos ocupa, Boito- es difícil que la cosa se
circunscriba a los conceptos de Bien y Mal, o a su correspondiente dicotomía
religiosa entre Dios y el Demonio.
El
problema es especialmente delicado tratándose del Mefistofele de Boito
(una obra despreciada por muchos críticos y adorada por muchos otros) ya que
Boito parecía obsesionado por esa disyuntiva Bien-Mal, presente también en su
ópera póstuma, Nerone, y tratada con primor en su fiel adaptación
operística de la obra de Goethe.
Mosher y Caurier
En
la puesta en escena estrenada esta primavera en Venecia, Mosher y Caurier optan
por comenzar oponiendo dos tipos sociales perfectamente identificables. El
Mefistofeles encarnado por Alex Esposito es una suerte de pequeño vividor, que
intuímos de pequeña burguesía venida a menos, tal vez con ciertos
estudios, con un modo de vida desordenado, y posiblemente de tendencias
anarquistas o por lo menos opuestas a la tradición. Tal vez un camello, un
pequeño traficante de droga con más rencores y aspiraciones truncadas que
suerte o medios de conseguir lo que quiere. Cena comiendo un bocadillo,
los pies sobre el sofá, delante de una tele que no siempre funciona, vestido
con un chandal de tres al cuarto, sin siquiera cambiar de ropa después de la
ducha, es socarrón y particularmente crítico con el mundo que le rodea.
‘Mefistofele’ de Arrigo Boito. Dirección musical, Nicola Luisotti. Puesta en escena, Moshe Leiser y Patrice Caurier. Venecia, Teatro de la Fenice, abril de 2024. © 2024 by Michele Crosera.
Fausto,
por el contrario, se nos presenta como un célibe de mediana edad, católico
practicante, de buen nivel social, posiblemente de clase acomodada, cuyo
apartamento responde a los criterios decorativos de todo apartamento «bien», sin vicios conocidos, y
cuyas amistades se reducen a algunas personas de vida tan moderada como la
suya.
El
punto de partida, una confrontación más social que teológica, puede tener
interés para el público del siglo XXI. El Bien o el Mal en realidad
corresponderían a la Conformidad o Disconformidad con el Orden Social, un poco
siguiendo la estela de la sensacional novela de Anatole France La rebelión
de los ángeles, matizada con lecturas de Foucault y Bourdieu.
A
partir de ahí, todas las imágenes sugeridas por Mosher y Caurier para ilustrar
desde el siglo XXI el libreto de Boito
funcionan. Funcionan mejor (el primer cuadro del primer acto con los hinchas de
fútbol, por ejemplo) o menos bien (Elena de Troya identificada con una cantante
lírica en concierto), pero tienen sentido y están bien ejecutadas (buenos
movimientos corales, atención a la dirección de actores, iluminación discreta y
eficaz, trajes acordes con las situaciones planteadas, y una coreografía con
imaginación y expresiva...)
‘Mefistofele’ de Arrigo Boito. Dirección musical, Nicola Luisotti. Puesta en escena, Moshe Leiser y Patrice Caurier. Venecia, Teatro de la Fenice, abril de 2024. © 2024 by Michele Crosera.
Que
al final de la obra triunfe el Bien, en tal caso parece casi perogrullo.
El individuo de clase social superior acaba siempre por triunfar, como si fuera un anti The
Servant, la gran película de Losey con guión de Pinter. Pero cierto es
también que reduciendo la famosa disyuntiva Dios/Demonio a una pura
confrontación social, el fervor, el milagro contenido en la maravillosa música
de Boito, quedaría un tanto desvirtuado. Con lo cual, al final de la obra,
Mosher y Caurier parecen abandonar la lectura social para identificar el
Dios (Bien) boitiano con la Música (o el Arte en general) como medio de
salvación frente al tedio, a la confusión social y mediática, y a los
baudelarianos «Paraísos Artificiales» de la droga, el consumismo u otro tipo de
adicciones. La cosa puede parecer un punto ñoña o convencional, pero
musicalmente funciona.
Eso
sí, desde un punto de vista escenográfico, estamos casi siempre en una caja de
escenario completamente vacía, lo cual puede tener un sentido hablando de Dios,
Diablo, Bien, Mal y otros conceptos teológicos o metafísicos. Sin embargo,
desde un punto de vista puramente práctico y sonoro, en un escenario vacío las
voces se pierden con facilidad, los cantantes nunca están sostenidos por
paredes detrás y a los lados, que puedan asegurar la
emisión de la voz hacia el público. Tal es, para quien esto escribe, el gran
fallo (garrafal, por desgracia) de una puesta en escena por lo demás
interesante y bien realizada.
¿Y la música ?
Musicalmente, La Fenice veneciana había
reunido un reparto, si no de campanillas desde luego solvente.
Como Fausto, Piero Pretti, un tenor más que
sólido. Puede verse ocasionalmente un punto apurado en ciertas frases graves, y
su fuerte tal vez no sea ni la delicadeza ni las mezza-voce. Pero
también tiene musicalidad, mucha seguridad en la emisón y agudos comodísimos,
cualidades más que apreciables en un papel de los más complicados (y menos
agradecidos, por desgracia) del repertorio de tenor, frecuentemente en la zona
de pasaje y desde el primer acto en escena casi constantemente. Una actuación
más que sobresaliente.
Alex Esposito como Mefistofeles se muestra
muy convincente desde un punto de vista actoral: da gusto escuchar con qué
primor sardónico acomete su primera intervención. Pero poco a poco echamos a
faltar comodidad en los graves, que no suenan redondos, que suenan a graves de
barítono que se las apaña, más que a graves de bajo auténtico. Y resulta por
momentos falto un punto de la autoridad que da el volumen: el papel debe
sobreponerse confrecuencia a la orquesta. Todo lo suple, como decimos, con
carga teatral, pero a veces hasta resulta demasiada «carga teatral»...
‘Mefistofele’ de Arrigo Boito. Dirección musical, Nicola Luisotti. Puesta en escena, Moshe Leiser y Patrice Caurier. Venecia, Teatro de la Fenice, abril de 2024. © 2024 by Michele Crosera.
Maria Agresta es una cantante que admiramos
muchisimo, a la que agradecemos habernos dado una buena Norma en París (TCE) o
una excelente Amelia de Simon Boccanegra (sala Bastille). Sin embargo
cuando asistimos a este Mefistofele de Boito Agresta no tuvo un día
bueno. Si en el cuarteto consigue crear un personaje -que Leiser y Caurier
parecen identificar a una inmigrante con velo- en el aria de la prisión («L'altra
note in fondo al mare») no consiguió emocionar y tuvo que negociar con su voz
para obtener una suerte de agudo... En el resto de la escena se mostrará algo
más convincente, pero sin magia. Lástima, no tenía un buen día.
En cuanto a Maria Teresa Leva como Elena, su
voz no es tan rica en armónicos como las de los otros protagonistas, y sus
graves no son lo suficientemente nutridos para afrontar ciertas frases sin que
la orquesta se la coma. Así, su escena rememorando el saqueo de Troya
queda coja, siendo cubierta por la orquesta cada vez que recurre a la voz de
pecho. Eso sí, sus agudos son brillantes.
Kamelia
Kader hace una buena Pantalis, con una bonita voz
de contralto, bien audible en su dúo con Elena. Como Martha parece menos
favorecida y su inteligibilidad no es de las mejores.
Para terminar con los solistas, Enrico Casari interpreta un muy
buen Wagner. Su voz tal vez no sea hermosa, pero todas sus frases son dichas
con claridad, con musicalidad y con sentido.
Cuerpos estables
En esta ópera el coro tiene un especial
protagonismo. El de la Fenice se muestra bien preparado. Empaste,
inteligibilidad bastante buena, bonito sonido, volumen (sobre todo las
sopranos). Acomete con brillantez los numerosos momentos de bravura.
‘Mefistofele’ de Arrigo Boito. Dirección musical, Nicola Luisotti. Puesta en escena, Moshe Leiser y Patrice Caurier. Venecia, Teatro de la Fenice, abril de 2024. © 2024 by Michele Crosera.
El coro de voces blancas Piccoli Cantori
Veneziani es otra buena sorpresa. Tiene volumen (es un coro muy nutrido, cosa
no siempre frecuente en los coros de niños), sabe matizar y ocasionalmente
cambiar de color según los momentos, y además se nota que los chavalines se
divierten. Serios pero contentos de estar donde están.
En cuanto a la orquesta, es relativamente
reducida (tres contrabajos y seis violoncelos, en otras salas hubiéramos podido
contar casi el doble), y lo cierto es que no hace falta más, incluso en una
ópera en que la orquesta debe afrontar pasajes grandiosos como los
finales del prólogo y el epílogo. De hecho se luce en pasajes en que muestra contundencia
y hasta una cierta brutalidad (fiesta en el primer acto o escena del Broken).
Es cierto que en otros pasajes más líricos,
sin sonar mal, no suena tampoco sedosa. Ni falta que hace. Lo importante
es que responde muy bien a la voluntad de Luisotti. Es muy expresiva. Y sus
profesores, más que competentes (notabilísimo por ejemplo el solo de arpa en el
acto griego).
Luisotti busca a la vez teatralidad, dándole
sus tiempos a los diálogos, estableciendo acentos por ejemplo en el cuarteto
del jardín que en otras ocasiones es ventilado como si tratase de una
página menor. Por otra parte busca también profundidad. Esta sensación de «profundidad»
tal vez sea fruto de la «restauración» de la orquestación llevada a cabo por
Antonio Moccia, limpiando la obra de las modificaciones que el
directordeorquestaDios Toscanini había establecido en 1919, un año después de
la muerte del autor, porque así le había parecido a don Arturo (luego nos
quejamos de los directores de escena actuales, pero en su día cantantes y
directores de orquesta no tuvieron escrúpulos en enmendarle la plana a los
compositores...). Profundidad vía la sencillez. Por poner un ejemplo, algunas
frases vocales apenas son acompañadas por un conjunto de instrumentos (los
contrabajos, por ejemplo). Hablando de espiritulidad, del Cielo y del Infierno,
esa sencillez, esta profundidad, no son elementos desdeñables, Gracias pues a
Moccia y a Luisotti por sus respectivos trabajos. Este último, de hecho,
recibió una fuerte ovación al salir a saludar una vez finalizada la obra.
El público estaba compuesto a medias partes
de aficionados italianos y de turistas internacionales (no olvidemos que en
Venecia hay más gente de paso que habitantes, la población autóctona al parecer
ronda las 50.000 personas...). Todos aplaudieron (aplaudimos) con entusiasmo.
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