Llama la atención (para bien) que
la única ópera del teatro Calderón de la Barca de Valladolid esta temporada
haya sido , una obra de la que tópicamente se dice que es más
admirada que querida. El público de Valladolid aplaudió muy afectuosamente al
final de la tercera y última representación de esta producción del Teatro Regio
de Parma, y por lo tanto se notó una admiración desbordante, a falta de teórico
aprecio.
No puedo arriesgarme a entrar en un análisis pormenorizado del aspecto visual, ya que se me asignó una localidad con visibilidad reducida, y por lo tanto no pude captar los conjuntos de las escenas en que se utilizaba todo el espacio.*
En cualquier caso, la escena de Jacopo , que consistía esencialmente en
la alternancia de la habitación-taberna de Sir John con una calle con
perspectivas deformadas (no sé muy bien cómo era el salón de la derecha, que
solo pude entrever una vez estirando el cuello), tenía cierto interés, al estar
trufada con algunas metáforas más bien sencillas (socavón en el suelo, casas
que se levantan al final para dar paso al bosque de la mascarada) y por su
concepto de los personajes, todos chonis horterísimos cuyo nefasto estilo de
vestir y actuar igualaba a ricos y pícaros.
Lo anterior no está mal traído si tenemos en cuenta que, dentro de los presupuestos cómicos de la ópera bufa, todos los personajes son despreciables excepto los dos que tienen aria (como dice un amigo y profesor de Historia del repertorio: en Falstaff Verdi solo da aria a quien se la merece). En este sentido, llama la atención que en las mininotas al programa el periodista escriba que esta ópera “es feminista”.
No sé qué concepto feminista se puede extraer del sadismo reincidente de tipejas como Quickly, Alice y Meg, tan gordofóbicas, edadistas y violentas como los demás, a las que Verdi muy intencionadamente no otorga momentos importantes de lucimiento y tampoco dota de alma o desarrollo psicológico.
Desde luego no desmerecen del resto de impresentables que pululan
por esta ópera, aunque dos personajes se salven gracias al amor que se
profesan, de forma pura e inocente, y no desde su putrefacción, como ocurre con
el deseo lúbrico de Sir John o la rutinaria pareja de Alice y Ford, que suple su
decadencia divirtiéndose con víctimas propiciatorias; y, sin embargo, trata con
especial atención al viejo verde y al marido burlador/burlado. El primero es el
protagonista y el segundo tiene una estupenda escena monologada.
Como digo, esto de convertir en
horteras a los personajes funciona aquí aunque se trate de una comedia tan musicalmente
refinada (no ocurría así, por ejemplo, con la espantosa Arabella que
reseñé en Mundoclásico.com a finales de 2024). De todas maneras, quizá lo de la
horterada se haya convertido en un tópico conceptual que merecería la pena
revisar, porque esto de reciclar ideas de otros no funciona por igual en todos
los teatros (mi primera experiencia con el asunto fue un Tristán chandalero de
2005 en Fráncfort, y ya ha llovido). Afortunadamente, en este caso el bastante
trabajado movimiento escénico, vivaz con los conjuntos, y un vestuario sorprendente,
contribuyeron a hacer visualmente atractiva la representación.
Entre los
cantantes, pese a carencias en la proyección y algunos trucos que tienen que
ver con el cambio de registro, destacó, como es normal, el Falstaff de , no de personalidad u originalidad desbordantes pero sí lo
suficientemente variado como para imponerse a unos compañeros instalados en la
más absoluta de las medianías, excepto quizá la pareja Pistola/Bardolfo de y , que funcionó fantásticamente en todo momento. Meritorio
dentro de sus posibilidades el Ford de , que regaló un lucido
monólogo al que le faltó algo de entrega. El Fenton de fue
funcional, a veces al límite por culpa de un sonido que no facilita el paso ni
que los agudos suenen libres. Debería cuidar un poco más los finales de frase,
porque si no a veces los visos de elegancia pueden disolverse. Gracioso el
Cajus de .
La Nanetta de Maylin Cruz, calante, adoleció de una tesitura desequilibrada por la poca variedad en la emisión, donde, como es sabido, todo debe cambiar para lograr homogeneidad. En sus notas buenas, eso sí, suena mucho, aunque musicalmente puede hacer muy poco, y lo paga en agudos y graves, como es habitual en estos modos. La química con Fenton fue escasa, sin complicidad ni rumbo. Limitadas las tres “urdidoras”: suficiente María Luisa para Quickly, con evidentes dificultades en las notas que se salen del centro-grave; poco audible Cristina como Meg, personaje con poca presencia vocal que no parece irle demasiado, aunque escénicamente estuvo muy bien; e irregularmente matizada la Alice de , un sonido grande cuyas hormas no son demasiado aptas para que el color vocal añada información al texto o se identifique con él. Los coros sonaron funcionales, con buena presencia, y en ellos destacó el movimiento escénico.
Una pequeña ventaja de encontrarme en un lateral fue el poder captar en todo su esplendor la increíble orquestación de Verdi, cuyo análisis daría para tres vidas. Sí puedo afirmar que, pese algunos problemas con los muy difíciles concertantes, hizo una labor muy meritoria, bien definida en cuanto a la direccionalidad de las frases, y consiguió que la orquesta sonara clara, bien diferenciada. El compositor da oportunidad al lucimiento de todos, y por ejemplo los solos (estupendo el flauta Ignacio de Nicolás) evidenciaron el buen hacer de la OSCyL y todo lo que esta puede elevar en cuanto a calidad cualquier representación, sobre todo en comparación a lo que se ha tenido que escuchar en el pasado en este foso.
Mundoclasico.com no ha pedido fotos de la representación ante la evidencia de que a la dirección no le interesa que determinados medios divulguemos la escena, dado que impide a nuestros críticos realizar su trabajo.
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