El conjunto I Gemelli, liderado por Emiliano González Toro y Mathilde Étienne, se ha hecho un nombre en la música antigua por ser uno de los más fieles al espíritu de la época, con una mezcla de sobriedad en los medios y de variedad en las intenciones, de seriedad y de imaginación.
Se presentaba para este Farnace de Vivaldi como orquesta relativamente pequeña (seis violines, tres violas, dos violonchelos un contrabajo, flauta, obóe y fagot, laúd, clavecín y arpa, ocasionalmente dos trompas) pero con sonido cuidado. Y, para mí, cercano a lo que debió de ser una orquesta de teatro privado italiano del 1700. Rica de sonoridades y capaz también de mucha fuga gracias a una buena disciplina en las cuerdas, especialmente en los agitati y en los ostinati. Y sobre todo con muchos matices, con variaciones de volumen en el seno de ciertos números, con crescendi y diminuendi ... con alma.
En ese sentido cabe hablar de un gran trabajo de concertino y de dirección aunque el director, Emiliano González Toro, sólo hace ademán de dirigirla durante la obertura (y sin marcar los tiempos, haciendo gestos para más bien marcar grandes líneas e intenciones). Con un espléndido resultado.
El libreto de Farnace fue puesto en música por múltiples compositores (Vivaldi no fue ni el primero ni el último en hacerlo). Y es comprensible, porque reúne a la vez lo que hoy llamamos suspense (¿qué sucederá con el hijo?, ¿qué sucederá con la madre?, ¿qué sucederá con el padre?, ¿qué sucederá con la abuela?, ¿qué sucederá con el trono?, etc.*) y a la vez mucha emoción con situaciones fuertes (la muerte de un hijo, la amenaza de muerte por parte del marido, el clásico conflicto entre deber y amor, etc). Tanto es así que Vivaldi presentó su Farnace no menos de nueve veces, en distintas versiones, adaptándola a sus intérpretes a cada vez.
Como quien «parte y reparte se lleva la mejor parte», Emiliano González Toro elige la versión de Pavía de 1731 en que el papel titular fue adaptado por el propio Vivaldi a la voz de tenor, de suerte que González Toro se encarga del aria más conocida de la partitura, «Gelido in ogni vena». Y hace bien, porque González Toro la canta con gran expresividad, con intensidad, acompañado por una orquesta en estado de gracia. Un hermoso momento. Eso sin contar la solidez de González Toro a lo largo de toda la obra, de su brío, de su bonito color de voz, de su buen dominio de las ornamentaciones, de su buen estilo...
En realidad nadie puede quejarse, todos los intérpretes tienen ocasión de (mucho) lucimiento. Empezando por Key'mon W. Murrah, contratenor de voz bastante grande con un espectacular dominio de la coloratura, que epata al auditorio en cada una de sus intervenciones: tal vez en algunos casos justamente su voluntad de epatar le haga salirse un punto de estilo, terminando por ejemplo una de sus arias con un agudo poco usual, pero bueno, todo se le consiente con esa voz.
Adèle Charvet, joven mezzo ya ampliamente consolidada en el panorama lírico francés, también se luce en sus ornamentaciones, y construye además un personaje que no por ser un tanto estereotipado carece de fuerza, el de la reina vengativa, aunque nunca lleguemos a saber qué es concretamente lo que encendió tales ansias de venganza.
Otro tenor, Juan Sancho, se encarga de Pompeo. Voz con squillo, facilidad para la coloratura, buena prestación. Como buena fue la prestación de Séraphine Cotrez en el papel semi-serio de Selinda, la mujer que se sirve de sus encantos para llegar a sus fines. Joven mezzo muy apreciable aunque todavía no tenga el material de sus colegas. Como Aquilio, Alvaro Zambrano posee el estilo y cierta facilidad para la coloratura, pero su voz no tiene ni el volumen ni los armónicos de las del resto del reparto. Cumple, que ya es mucho.
Quien impresiona es Deniz Uzun, mezzo turco-alemana a la que ya tuvimos la suerte de escuchar como Rubria en el Nerone de Boito hace dos temporadas en Cagliari. Si en la ópera de Boito Uzun mostró solidez vocal, línea sostenida, gran sensibilidad y volumen, en Vivaldi Uzun muestra además ductilidad y dominio de las coloraturas, y sigue teniendo el mismo instrumento carnoso, repleto de armónicos, con agudos cómodos (aunque accidentalmente se le escapara uno un tanto desbocado) y graves suntuosísimos con una lágrima en la voz que la hace emocionante para el rol de madre y esposa sufridora que es Tamiri. Un manjar.
Mathilde Étienne se encargó de dirigir la puesta en espacio de los cantantes que interactuaban e incluso se quedaban en escena en silencio si con ello justificaban las palabras de quien cantaba. Los roles habían sido aprendidos por los integrantes del concierto que de esta forma podían proyectar la voz cómodamente sin tener que bajar la cabeza hacia el atril, punto este nada baladí.
El público que había ido aplaudiendo prácticamente cada una de las arias y conjuntos (con ese hermoso cuarteto previsto por Vivaldi) se mostró absolutamente entusiasta al final del concierto.
PD: Sigue sin haber en el Teatro de los Campos Eliseos el tradicional papelito con la distribución. No creo que el papelito sea la partida más cara de un concierto, y por el contrario es muy útil como recuerdo. Una lástima.
1. Entendámonos, el «suspense» del siglo XVIII es parecido al suspense de Hollywood: se sabe que al final ganan los buenos, pero no se sabe 'cómo' ni 'cuántas' víctimas colaterales quedarán en la cuneta.
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