Norma siempre tiene tirón entre el público. La sala está prácticamente llena y expectante. El problema de Norma es quién canta Norma. El papel es de tal intensidad, de tal dificultad vocal (la cantante ha de tener a la vez volumen, agilidad, carácter y carisma), que no es fácil salir indemne. Máxime cuando a menudo el espectador tiene en la cabeza las versiones señeras, escuchadas en grabación o (para los privilegiados) en directo, protagonizadas por Caballé, Sutherland, Callas, Cigna, etc.
Estamos ante una versión de concierto. Dirige Lorenzo Passerini, alternando pasajes de gran intensidad con otros un punto pasados de tachún tachán en la primera parte, porque no siempre es fácil dosificar. En la segunda parte el dramatismo es más auténtico, ciñéndose la espectacularidad a momentos muy concretos. En cualquier caso Passerini siempre respeta los volúmenes de los cantantes (a menudo se le ve pedirle a la orquesta que reduzca el volumen, y a menudo se torna hacia el o la solista para dirigir con él/ella, para respirar juntos). Consigue con su dirección dar sentido interno a las frases orquestales, y establecer un buen equilibrio entre conflicto íntimo y clima trágico.
La Orquesta de Cámara de París, muy reactiva, sigue con inmediatez y fidelidad las orientaciones del director. De suerte que la base instrumental sostiene con emoción todas las inflexiones dramáticas. Hay teatro musical. Y cuando hay emoción en Norma, el espectador siente escalofríos. Notable trabajo pues el de Passerini.
La voz del bajo George Andguladze tiene un volumen importante. De hecho en su primera aria Passerini no reduce el volumen orquestal y sin embargo a Andguladze se le escucha bien. Cuando en su intervención del segundo acto Passerini sí reduce el volumen orquestal, nuestro bajo no sabe aprovechar la oportunidad de matizar y sigue cantanto todo en forte. Es joven, aprenderá.
Ian Spinetti como Flavio y Déborah Salazar como Clotilde son notabilísimos. Uno y otra dan auténtico espesor a sus pequeños personajes, humanidad, con apenas las pequeñas pinceladas que la partitura les confiere. Volumen, corrección canora y sentido dramático. Crucemos los dedos por uno y otra para que hagan hermosas carreras.
Francesco Demuro, que encarna a Pollione es un sólido tenor lírico-ligero. Podría dar un buen Pollione de estilo belcantista, pero parece querer más inclinarse por la versión robusta del personaje, un poco en la tradición de Del Monaco pero sin el vozarrón de Del Monaco... Lanza agudos -y entre tanto agudo intempestivo es lógico que alguno no esté tan timbrado como los otros- en algunas notas queda patente un cierto desgaste, ya que también está abordando papeles más pesados (Strauss, Verdi). Pero lo que no se le puede negar es entrega absoluta. Quiere brillar y pone toda la carne en el asador. Tal vez no sea tan elegante como otros pero sabe dar intensidad
El Joven Coro de París está compuesto en su mayoría (lo habrán ustedes adivinado) por jóvenes, y bien preparado por el excelente Christophe Grapperon, con muchos armónicos. Tal vez se eche de menos más sutileza en algún pasaje. Verbigracia aquél en que el texto habla de «disimular» mientras que Passerini parece querer darle tintes guerreros al asunto. En este sentido, un momento de complot (figura por otra parte clásica en la ópera, recordemos por ejemplo las escenas de complot en Guillaume Tell, Les Huguenots o Ernani), con un coro más sutil y velado, hubiese dado un bienvenido contraste con el resto de las intervenciones corales.
Eve-Maud Hubeaux parece estar buscando su repertorio. Hace nada la escuchábamos como Fricka en La Valquiria, y nos parecía que le faltaba espesura para el repertorio wagneriano. Como Adalgisa, tiene mucho volumen, pero tal vez le falte sutileza en los momentos líricos Su bonito color de voz, por momentos acontraltado, hace un buen contraste con el color de voz de Deshayes, y en definitiva es en los pasajes de mayor tensión donde más se luce.
Irregular es también Karine Deshayes, que alterna una impostación en la maschera, de escuela italo-española que le permite más sutileza, con la impostación más hacia atrás de escuela germano-escandinava que le permite mayor volumen. Algunos agudos son magníficos. Otros, menos fáciles de preparar, resultan un poco secos. La mayoría de las coloraturas está resuelta con bastante nitidez. Así que el conjunto es irregular. Pero hay, de nuevo, intensidad y, desde las primeras notas, autoridad.
En cualquier caso, y a pesar de todas las pegas que aquí o allá, para éste o para aquélla, hemos ido señalando, en cualquier caso digo, hay momentos de tal intensidad que todo lo perdonamos. Es verdad, no se puede hablar de un concierto redondo, ni será tal vez una Norma que haya de quedar en los anales, pero es una Norma de muchos quilates, y en el comienzo del dúo Adalgisa-Pollione, en el terceto final del primer acto, en toda la introducción al segundo, en la stretta 1 del dúo Norma-Adalgisa, en el famoso coro guerrero y su coda 2, en el dúo Norma-Pollione o en los concertantes finales, la emoción se apoderó de la sala, vibrando todos con las desventuras de los personajes y con la música de Bellini.
De eso se trataba en definitiva, ¿no?
1. Se denomina 'stretta' la parte final de dúos, arias y conjuntos, en que el tempo es mucho más rápido
2. Se denomina 'coda' (cola en italiano) el pasaje que viene a terminar una obra o fragmento sin que necesariamente aborde o explore los temas de la misma obra o fragmento; un pasaje cuya función principal es pues concluir.
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