El segundo de los tres programas de residencia del Ensemble Modern y la Joven Orquesta Nacional de España - JONDE, en el marco del Ciclo Contemporáneas 2026 - 2027 del Concello de Santiago, se celebró nuevamente en el espacio industrial de la Casa de las Máquinas ofreciendo seis obras de cinco compositoras diferentes: la irlandesa Jennifer (Dublín, 1974), las norteamericanas Ruth (East Liverpool, Ohio, 1901 - Chevy Chase, Maryland, 1953) y (Buffalo, Nueva York, 1969), y las japonesas Malika (Kioto, 1971) y Seyko (Saitama, 1983). Un programa centrado en la elocuencia y cinco maneras muy diversas de concebirla y desarrollarla en discursos musicales que discurren autónomamente y se entrecruzan esporádicamente como consecuencia de unas retóricas orientadas a alcanzar la utopía de la sociedad abierta y el decoro.
Una perspectiva que no comparte el anónimo autor del programa de mano, quien no explica qué tienen en común estas obras compuestas entre 1930 y 2022, casi cien años, y entremezcla cuestiones de gramática generativa con cuestiones hermenéuticas y de psicología de la percepción:
La música contemporánea a menudo se adentra en territorios donde los límites entre sonido, palabra, imagen y materia se desdibujan, expandiendo la comprensión musical más allá de lo estrictamente audible. Cada obra propone una forma particular de reinventar las posibilidades musicales, modificando los materiales sonoros, alterando la percepción del sonido, explorando nuevas relaciones entre instrumentos o incorporando procedimientos ajenos a la música como motores del proceso creativo. [...] El programa tiene como objetivo presentar universos sonoros en los que las técnicas extendidas, los procesos combinatorios o la incorporación de ruido y movimiento funcionan como herramientas para innovar en las relaciones entre sonido, espacio y tiempo, y en la forma de percibir la música.
La música, desde la prehistoria a nuestros días, aspira a romper las fronteras que se citan en el primer párrafo del texto arriba reproducido. Las obras interpretadas son una continuación de esa aspiración milenaria y eso sólo se puede hacer en el ámbito del espectro sonoro audible. Porque la música es exclusivamente aquello que suena en el tiempo. Las especulaciones sobre la música de las esferas son metafísica platónica, totalmente ajenas a la realidad y por lo tanto a la experiencia musical.
Y ciertamente no es en la música contemporánea donde "Cada obra propone una forma particular de reinventar las posibilidades musicales..." Es en toda la música, pasada y presente.
No comprendo bien el sentido de ilustrar este concierto con un texto críptico muy diferente de los informativos programas de mano que acompañaron a los dos conciertos de la JONDE con el . Dado que los encuentros de la JONDE tienen una función didascálica, formativa y divulgativa, recomiendo a los gestores del Ciclo Contemporáneas esmerar el cuidado en que los programas de mano cumplan su función informativa, sin recurrir a tópicos, contenidos vacíos y discursos pedantes.
La Diaphonic suite nº 2 (1930) y el String quartet 1931 (1931) son dos de las primeras obras de Ruth Crawford, una de las figuras más relevantes de la modernidad musical norteamericana de entreguerras, cuya memoria quedó eclipsada por figuras tan brillantes como , y . Al igual que anteriormente había hecho Gershwin, también Crawford viajó a Europa con la intención de visitar a , y , pero ella sólo lo pudo hacer tras conseguir una beca. Y tuvo que desarrollar su carrera en circunstancias tan duras como la Gran Depresión y la II Guerra Mundial. La Diaphonic suite y el Cuarteto 1931 participan obviamente de las corrientes neoclásicas internacionales del momento, al igual que sus admirados Schoenberg y Berg. Pero Crawford, al igual que Copland, entiende el neoclasicismo como un vehículo de expresión del pensamiento utópico norteamericano, en el cual la oratoria es esencial, de ahí la importancia que Crawford -al igual que Haydn- concede a la melodía, armonía y ritmo en la construcción de ese discurso utópico.
La interpretación de la música de Crawford implica dificultades de expresión y de intención que exceden con mucho las de la simple ejecución de sus partituras. Y es en este punto donde la mano del Ensemble Modern acertó a guiar a sus alumnos de la JONDE, quienes consiguieron crear los 'horizontes de grandeza' sonoros a los que aspiraba Ruth Crawford.
Estos dos paisajes sonoros neoclásicos abrieron y cerraron un programa de música actual, cuya elocuencia comparte algunos elementos de las utopías de Crawford. En Bells and whistles para violín, violonchelo y piano (2022), Amy Williams parece evocar los Estudios para pianola (1948-1992) de Conlon y hacer un guiño a Short Ride in a Fast Machine (1986) de . En un gesto humorístico haydiniano, Williams compone un Klaviertrio en el que conviven -como en el cine de - la utopía maquinista y la ironía. Todo un regalo para los participantes en este residencia de la JONDE, quienes disfrutaron y nos hicieron disfrutar de esta fiesta sonora provocativamente ingenua.
Si Williams parodia las cacofonías. sonoras de las ferias, Unbreakable line. Hinged waist, para flauta, oboe, clarinete, violín, viola, violonchelo, percusión y piano (2002) de Jennifer Walshe parodia la ruidosa calefacción de su apartamento de Chicago, en su época de doctoranda. Por ello los intérpretes se distribuyen en diversos espacios de la Casa das máquinas: el Klavier Quartet sobre el escenario, el trío de maderas en la parte alta de la sala y el percusionista-actor se mueve incansablemente entre diversas ubicaciones, a menudo fuera del recinto. Walshe, en un guiño a Haydn, nos explica que le interesaba explorar cómo modificar las técnicas convencionales de ataque para que surjan nuevos tipos de sonido. El intérprete ejecuta un material escrito en notación tradicional, pero que suena en un modo no convencional. Al igual que sucede con las obras de Crawford y Williams, la elocuencia de Unbreakable line. Hinged waist es clientelar de la complicidad de los intérpretes con su discurso. Así sucedió en esta ocasión gracias al desempeño de Ueli Wiget es su doble función de pianista y director, que se metió al público en el bolsillo y acertó a recompensar a Manuel Monterrubio Martín, el agotado percusionista.
El sexteto My favorite things II (2013) para flauta, clarinete y Klavier Quartet de Seyko Itoh es un refinado y convencional ejercicio retórico que aspira a emular con sonidos la elocuencia gráfica de
un poema en forma de anagrama de la poeta alemana Unica Zürn [1916-1970], quien consideraba la creación de anagramas una de sus actividades favoritas. El proceso de escritura y reflexión en un anagrama, como intercambio de letras, palabras y el significado asociado a ellas, se asemeja al proceso de composición. Al limitar acordes y motivos, intente encontrar constantemente nuevas relaciones musicales y conectarlas entre si.
Lo que convierte en atractiva My favorite things II es el uso por Itoh de las convenciones para abordar unos poemas tan violentos y desquiciados como los de los últimos años de Zürn, hospitalizada por el agravamiento de sus crisis psicóticas. Gracias al filtro de las convenciones, Itoh consigue un exquisito equilibrio retórico que hipnotiza y seduce a los intérpretes y al público.
Igualmente violenta es la inspiración del Lamento (2013-21) para violín y viola de Malika Kishino, una conmovedora y convencional elegía simbolista en la que se acude a la ingenuidad retórica, una canción popular de Fukushima, para narrar hechos tan espantosos como los accidentes nucleares y los tsunamis.
Kishino explica que Lamento es un discurso sonoro sobre la conflictiva relación entre la naturaleza y el homo sapiens y la aspiración utópica a una convivencia simbiótica entre ambos. Y lo articula con la sabiamente controlada alternancia/convivencia de la dureza de los ataques col legno y la fragilidad de los armónicos de las cuerdas. Los músicos nos ofrecieron una refinada interpretación de la decorosa elocuencia de Lamento, con la que cerraron este programa modélicamente diseñado y minuciosamente ensayado.
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