Estados Unidos
Dos viejos amigos y España
La Orquesta Sinfónica de Chicago se encuentra de celebraciones. En la temporada que ahora comienza coinciden el año Mozart -el próximo 27 de enero se cumplirán 250 años del nacimiento del genio de Salzburgo- con la despedida de Daniel Barenboim como director musical. Barenboim, noveno director de una orquesta con 115 años de historia, abandonará oficialmente la titularidad con tres conciertos consecutivos el próximo mes de junio -en programa, la Novena sinfonía de Mahler, de Bruckner y de Beethoven, una cada día-, tras una etapa de catorce años caracterizada por la apertura de una nueva sala sinfónica, más de veinte giras internacionales con la orquesta y frecuentes apariciones del propio Barenboim en el doble papel de director y solista.
Pero volvamos de nuevo al comienzo de temporada. Aunque ésta se inaugura oficialmente con un concierto el 1 de octubre, diversas apariciones previas de la orquesta anticipan los dos grandes nombres que se repetirán en numerosos conciertos los próximos meses: Mozart y Barenboim.
Así ocurrió el pasado 24 de septiembre. La primera parte estuvo dedicada al Concierto para violín nº 5 en la mayor K.219 de Mozart. La interpretación de Pinchas Zukerman, quien, por supuesto, tocó de memoria, resultó magistral. Zukerman domina no sólo el violín, sino también la escena, llegando casi a pasearse sobre el escenario en las codas orquestales a final de movimiento. Leyendo las interesantes notas al programa elaboradas por Phillip Huscher he comprobado que la primera aparición de Zukerman en este Orchestra Hall de Chicago en una serie de conciertos de abono se produjo en noviembre de 1970, precisamente con este mismo concierto e igualmente con Barenboim dirigiendo. Realmente ambos, solista y director, se conocen y compenetran sin necesidad de mirarse entre sí y sin necesidad de partitura: Barenboim dirigió todo el concierto de memoria.
En el podio el maestro se muestra como un director de gestos justos, más bien parco, nunca excesivo. Sus manos y las facciones de su cara sintetizan el espíritu y la sonoridad que quiere imprimir a cada nota, a cada frase. Tiene muy claro el ideal de sonido que aspira conseguir y ejerce un poderoso control de matices al que la orquesta responde con diligencia. Cuando no es así, basta una mirada para que la correspondiente sección corrija la sonoridad y recupere el equilibrio.
Precisamente debido a razones de sonoridad la disposición orquestal no fue la habitual. La plantilla para el Concierto de Mozart se limita a 2 oboes, 2 trompas y la cuerda. El viento, como de costumbre, se situó detrás, pero en la cuerda Barenboim colocó las violas a la derecha, en el lugar correspondiente a los cellos, que ocupaban la parte central. Detrás de ellos y de los violines se colocaron los contrabajos.
El segundo movimiento, 'Adagio', resultó especialmente delicioso y me hizo recordar las palabras de un antiguo profesor, quien hace ya unos años me insistía en la necesidad de concebir todos los movimientos lentos en obras de Mozart -ya se trate de sonatas, sinfonías o conciertos para solista- como obras de arte en miniatura donde el sonido de cada nota cobra especial relevancia y nos debe exigir la mayor dedicación en el estudio. El sonido, en este caso, rayó la perfección. Los finales de frase en pianissimo, donde la orquesta en su conjunto se comporta como un único instrumento y articula la entrada natural, dolce, del solista son, desde mi punto de vista, sintomáticos de una orquesta de calidad. La Sinfónica de Chicago lo es.
El último movimiento es un 'Menuetto' seguido de un 'Allegro' a modo de Trío. A él se debe el sobrenombre de 'turco' con que se conoce el Concierto nº 5. Por supuesto Mozart desconocía la música turca y, a semejanza del famoso y ya popular rondó alla turca de la Sonata para piano en la mayor K.331, básicamente trató de seguir las indicaciones de su amigo Michael Haydn, quien sí había trabajado en Turquía. Este orientalismo se consigue a través de una sonoridad más sombría, sonido rasgado, cuerda col legno y concepción casi puntillista de la articulación. Zukerman estuvo soberbio y recibió los aplausos no sólo de un auditorio en pie, sino también de la orquesta y del propio director.
Entre las buenas prácticas de los responsables de la Orquesta Sinfónica de Chicago se encuentra la programación de charlas formales divulgativas previas a los conciertos de abono y de aproximadamente treinta minutos de duración. Su objetivo es acercar las obras al público y facilitar su comprensión. Si bien su grado de necesidad práctica es variable, según el repertorio, me parece una excelente propuesta. La persona que estuvo a cargo en esta ocasión fue Augusta Read Thomas, compositora residente de la orquesta. Su charla se centró en la segunda parte del programa, dedicada a cuatro obras de Ravel, y por eso es ahora cuando la traigo a colación. En su intervención, ilustrada con la audición de diversos ejemplos musicales, la mayoría extraídos de piezas de Ravel para piano, Augusta R. Thomas destacó la importancia de este instrumento en la obra del músico francés y el dominio de la tímbrica y color orquestal del que hace gala Ravel en su obra.
Pero volvamos al concierto. La orquesta se amplió enormemente para esta segunda parte del programa. De nuevo por razones de sonoridad la disposición física de la sección de cuerda no fue la acostumbrada, ya que Barenboim situó los violines II en la zona de la derecha, normalmente ocupada por los cellos, quienes se habían trasladado a la izquierda, entre violines I y violas. Detrás de los cellos e igualmente a la izquierda se situaron los contrabajos.
La interpretación de la Rapsodia española resultó muy correcta, con pasión comedida y dosificada hasta el brillante final en la 'Feria'. Destacaría la excelente actuación del viento metal, con un sonido de sordina perfecto en la 'Malagueña', así como el pizzicato de la cuerda, perfectamente sincronizado. La pandereta tuvo una destacada actuación en la 'Habanera'.
En la Pavana para una infanta difunta Barenboim supo conseguir, con su gesto escueto y control ejercido con la mirada, lo mejor del sonido orquestal, sumiendo a todo el auditorio en el espíritu elegíaco y nostálgico sugerido por la música. La actuación del fagot fue excelente y también lo fue en la pieza siguiente, Alborada del gracioso, obra con abundantes cambios rítmicos y matices a los que la orquesta supo responder como un único ente perfectamente empastado.
El concierto se cerró con el célebre Bolero. Barenboim cedió todo el protagonismo a sus músicos y durante más de los cinco primeros minutos de la obra apenas realizó ningún tipo de gesto. A medida que se incorporaban instrumentos fue tomando progresivamente las riendas y el control, movido más -y lo digo en sentido también físico- por su energía y la necesidad de tomar el pulso a la música que por requerimiento de la orquesta, que habría podido continuar sin director. En cualquier caso, poco antes de la modulación a mi mayor, Barenboim estaba poseído por la música, y estoy seguro de que el auditorio en pleno también. El sonido 'sucio' y las notas arrastradas en los metales fueron excelentes; los pizzicati en la cuerda aguda con el intrumento sujetado a modo de bandurria resultaron curiosos. Al final, público en pie y gran ovación. Como es usual, no hubo bis.
Mi último párrafo se lo dedicaré a la orquesta. La extraordinaria capacidad de cada intérprete, un virtuoso en su instrumento, para aunar su sonido al del músico de al lado en beneficio del conjunto constituye, desde mi punto de vista, el gran activo de la Sinfónica de Chicago, lo que la distingue de un grupo de virtuosos solistas tocando juntos y la alza como una de las mejores orquestas actuales. Enhorabuena.
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