Italia
Vamos a la playa
Idomeneo es una ópera complicada, empecemos por ahí. De entrada, tenemos dos versiones, la original de Munich y la posterior de Viena, aunque el asunto no es tan simple: antes del estreno, el propio compositor cortó escenas ya musicadas, con lo que los teatros se encuentran con no pocas decisiones que tomar sólo en el plano musical.
Como obra cabe subrayar además la mezcla de modelos presentes en esta ópera seria de implante neoclásico: de una parte, el francés dominado por la figura y la obra de Gluck, con grandes coros, recitativos acompañados y marchas; de otra parte, el italiano es evidente en los recitativos secchi y en la estructura de las arias. Todo ello está imbuido de una indudable modernidad derivada no sólo de la madurez de dar coherencia a semejante mezcla, sino también por las soluciones musicales ofrecidas para estructuras ya consolidadas. En definitiva, el resultado final hace de este Idomeneo uno de los trabajos más sugerentes de todo el catálogo mozartiano, a medio camino entre el pasado y el futuro, lo que la convierte en una obra maestra más allá de todo convencionalismo.
El Teatro alla Scala ha optado por la primera versión, la de Munich, que prevé una soprano como ‘Idamante’, aunque con cortes, algunos llamativos: originalmente la ópera terminaba con un ballet que ha sido suprimido -¿elección de coherencia dramática?-; el intermezzo al final del primer acto; el aria de ‘Arbace’ ‘Se il tuo duol’ en el segundo acto; y en el tercer acto, del aria de ‘Idomeneo’, ‘Torna la pace’. Por el contrario, se han abierto cortes tradicionales efectuados antes del estreno, como el recitativo completo de ‘Electra’, ‘Oh smania! Oh furie!’ que precede al aria ‘D’Oreste, d’Aiace’.
El primer protagonista de la velada fue el joven director Daniel Harding, cuya lectura propone un Idomeneo sin grandilocuencia o heroísmo redundante, para centrarse en la humanidad de los personajes, especialmente evidente en los momentos de ternura de los dos enamorados, ‘Ilia’ e ‘Idamante’, o en la paternidad sufriente del protagonista, para terminar con una mujer devorada por los celos. La tensión expresiva viene transmitida fundamentalmente a través de unos tiempos rápidos, del que en ocasiones se resienten las partes más líricas como el aria ‘Zeffiretti lusinghieri’ o el trío ‘Pria di partir’, pero por fortuna no la gama de colores ofrecida por la orquesta, más que notable, presentes desde la vibrante obertura.
Especialmente expresivos fueron los arcos, tanto en los momentos más violentos (las arias de ‘Electra’ ‘Tutte nel cor vi sento’ o ‘D’Oreste, D’Aiace’) como en los más líricos (el recitativo ‘Eccoci salvi alfin’), encontrando también una vía intermedia en la trepidante ‘Accogli, oh re del mar’. La tormenta tuvo un estupendo crescendo dramático, aunque si tengo que individualizar una situación por su tensión me quedo con ‘Oh voto tremendo’, cuyas sonoridades parecían anunciar el futuro Requiem, magnífico trabajo de coro y orquesta. En definitiva, se podría concluir que el director británico ha salido victorioso de la difícil tarea de sustituir en el podio a quien ha sido el titular durante casi dos décadas, para lo cual también fue un acierto cambiar el título previsto.
Pasando a los cantantes, la mejor de la velada fue Emma Bell, voz con cuerpo, bien proyectada, agudos penetrantes y gran seguridad en los pasajes más difíciles como los saltos de ‘Tutte nel cor vi sento’, o las coloraturas cercanas a la risa histérica de ‘D’Oreste, d’Aiace’. La interpretación maníaca de esta mujer celosa no estuvo falta sin embargo de la delicadeza que se supone a la mujer enamorada en ‘Idol mio’. Me atrevería a decir que la suya es una gran creación, justamente apreciada por el público.
La soprano sueca Camilla Tilling había cancelado dos días antes por indisposición, aunque ningún anuncio se hizo en este sentido antes de la representación a la que asistí. La cantante posee un timbre claro y juvenil, un volumen modesto y una coloratura discreta; debería evitar ciertos sonidos fijos que afean la prestación final que, siendo correcta, como interpretación me resultó genérica.
A diferencia de los tres anteriores, Monica Bacelli no debutaba en el teatro. La cantante italiana fue un buen ‘Idamante’ desde el punto de vista canoro, más allá de las limitaciones de una voz hueca. La tesitura sopranil del papel le convenía sin duda más que otros personajes de carácter contraltil y cantó con gusto, componiendo un personaje de rasgos juveniles, si bien como intérprete me resulta carente de fantasía. Personalmente obtuvo un gran éxito de público.
Steven Davislim fue un buen protagonista. Quizá el timbre ligero no tenga todo el peso vocal que requiere el papel, pero el cantante salvó la prueba con holgura en virtud de los colores mostrados y de una interpretación variada, matizada; la agilidad en la dificilísima versión integral de ‘Fuor del mar’ fue suficiente. Como personaje se centró en el papel de padre inseguro y doliente, más que en la majestad del rey.
A su lado, Francesco Meli como ‘Arbace’ suponía un contraste oportuno desde el punto de vista tímbrico, y no cabe duda de que el papel queda mejor servido por un tenor que por un barítono. El joven cantante italiano tiene una voz bella, que matiza suficientemente, y una agilidad correcta, si bien en la subida al agudo pierde color. A su lado, el ‘gran sacerdote’ de Robin Leggate fue discreto, correctos los dos troyanos y las dos cretenses. ‘La voz’ de Ernesto Panariello, amplificada, era imponente.
La puesta en escena se alejaba de la tradición: no había grandes palacios cretenses, estatuas gigantes de Neptuno ni referencias a la Antigua Grecia, clásica o mitológica. Por el contrario, toda la acción estaba ambientada en una playa, limpia en los dos primeros actos, sucia en el último -la idea de unir los dos primeros, dejando un solo descanso antes del tercero, no fue feliz-. En el fondo se sucedían escenas corridas con el mar agitado o en calma. La idea en sí era buena -salvo el cubo que se alza durante la voz del oráculo, cuyo significado se me escapa- pero la dirección de los actores no rendía al máximo. Los trajes eran de cortes sencillos, modelos de marinero o pescador para los hombres, simples túnicas estilo imperio con colores básicos para las mujeres. La recepción del público fue más bien indiferente, pues si de una parte no molestaba, de otra tampoco impresionaba.
Como conclusión sólo cabe loar la evidente intención del gran teatro italiano de pasar página y seguir adelante con respeto hacia lo que representa, tras un año tenso, en un contexto difícil para el mundo de la cultura italiana en general, y de la lírica en particular.
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