Bélgica
La era de la incomunicación
Un programa Poulenc es siempre bienvenido. Sobre todo porque habrá que darle antes o después el lugar que le corresponde en la música del siglo XX. Desde este punto de vista, la combinación de las tres obras (en la primera parte las dos ‘instrumentales’, en la segunda la ópera) permite oir la evolución del joven de entreguerras y de la atmósfera de los ballets rusos en París, al operista avezado que ya había estrenado su ‘gran’ contribución al género y que con esta última cerraba el ciclo.
Curioso que siendo Les biches las que nacieron como ballet moderno "a la manera de las Sílfides, como le pedía Diaghilev", no se les concediera más ‘adorno’ que la iluminación (que fue lo menos logrado del trabajo excelente cumplido en la velada por Maertens). Aubade, en cambio, concierto coreográfico para piano y orquesta reducida, tuvo coreografía y bailarina, pero no la que pedía y sugiere aún el texto, sino una tipo gimnasia, bien ejecutada, pero que nada aportó, distrajo y no tuvo nada que ver con lo que se oía.
Desde el punto de vista de la ejecución, la orquesta tuvo una gran noche y Denève se reveló, una vez más, un gran defensor de los valores de la música de su país, mientras que Le Sage causaba una excelente impresión en el solo de piano. En cualquier forma, si las dos obras son musicalmente importantes, tanto la ejecución como la partitura hacen parecer a Les biches como más interesantes, más capaces de sobrevivir sin la parte bailada y de dar la medida de los ‘préstamos’ de época (hay mucho de jazz, mucho de Stravinsky joven, pero también de Mozart) pasados por un prisma personal que busca la sensualidad sin huir de la liviandad pero sin caer, casi nunca, en la frivolidad. Y si eso se ha refinado, pulido, quintaesenciado con el tempo, si ha entrado una hondura o una seriedad que podría faltar -lo que Poulenc nunca ha sido es ‘inocente’- al principio, La voix humaine no sólo nos devuelve a un Cocteau de los que no han sufrido con el paso del tiempo, sino que eleva aún más el tono de la obra teatral (¿y quién puede olvidar a Anna Magnani en su versión ‘peninsular’ en cine?).
Sin teléfono no habría obra ni ópera; hoy tal vez se podrían usar celulares (de esos que el público sigue dejando sonar pese a todos los pedidos y ruegos que se le dirigen) y el resultado sería el mismo y quizás más contundente: los aparatos que nos hacen la vida más cómoda y que nos permiten comunicarnos terminan por ser un elemento más en nuestra incapacidad para hacerlo, en nuestro aislamiento y soledad. No oímos nunca la voz (suponemos que ‘humana’ también, aunque más banal, y más ‘normal’) del hombre que está al otro lado, algo inquieto por la situación de su ya ‘ex’, que se resiste a serlo pese a que el otro se casa al día siguiente. Oímos el broche final de una historia de amor que es pasado, pero que de este lado del receptor no se resigna a morir: los estertores del amor no son menos graves que otros, aunque no sean terminales (pero lo parezcan, y a veces terminen siéndolo).
Malfitano se estrenaba aquí como directora de sí misma y asumía la parte única, absorbente, protagónica. A diferencia de otras damas que asumen el papel en un momento de declive (hay que recordar que no era el caso de la gran Denise Duval para quien fue escrita y que la estrenó) y a las que hay que soportar o perdonar notas rotas, crecidas, gritos, notas de pecho, la vieja conocida del público de Bruselas y de otros muchos presenta a una mujer madura, con la voz no exactamente lozana en el timbre y algunas fisuras en la zona alta, pero capaz de resistir una tesitura nada fácil ni complaciente sin dar signos de conciencia, mientras se acuesta, recuesta, sienta, camina frenéticamente, es presa de tics nerviosos y da una visión acabada de la que intenta aferrarse a una ficción en la que sabe claramente que no debe creer….pero busca lo mismo engañarse hasta que, en el crescendo final, abandona la lucha. Fue una interpretación relevante de una obra importante y la ovación del público al final dejó bien claro cuál era la parte del programa que más le había interesado y gustado.
Desde ese punto de vista, está claro que a una ópera como esta, que no se puede dejar ‘sola’ (aunque algunas veces la he escuchado así, y funciona magníficamente) por razones de duración, es mejor sumarle otro acto único (mis preferencias van hacia un Ravel ya que no se pueden sumar demasiadas intensidades, aunque sean diferentes). Pero la pregunta del millón es por qué, con este tipo de obra tan íntima (lo más que hubo fue un sillón y un teléfono, porque incluso una de las puertas de la salida de artistas se utilizó como parte del decorado) o los ballets a medio gas, se eligió una sala enorme, más que La Monnaie, con la consiguiente pérdida de inmediatez y ‘legibilidad’. Entre otras cosas porque la acústica de esta sala es más favorable a los instrumentos que a las voces (el día anterior, Martha Argerich se quejaba, en La Monnaie, de que la acústica del teatro era más para las voces….) y porque al colocar una orquesta sobre el escenario al lado de la única cantante el equilibrio sonoro y las dinámicas, por más que Denève hiciera malabarismos para controlarlos, se alteran irremediablemente. Malfitano decidió que al principio ‘la mujer’ diera la espalda al público, lo que estaba muy bien como teatro pero -en un día en que para colmo no funcionó el sobretitulado-hizo más difícil de oir el principio del monólogo (más que el diálogo formal, que es sólo un pretexto). Preguntas sin respuesta aparte, una velada sumamente interesante.
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