Por distintos motivos, además del virus, hacía mucho que no entraba al Regio. Fue emocionante, y ya con todo el aforo liberado más. Pero nunca había visto aquí esta ópera de Verdi, una de mis favoritas entre las del autor, si no en absoluto la que más amo. Y esa era una emoción más fuerte porque está unida a recuerdos familiares y de juventud (de paso, para que nada tuviera que distraerme o disgustarme, tuvimos una versión de concierto, que siempre me han gustado, pero últimamente me permiten ir más tranquilo a una función lírica).
Tengo que admitir que después de haber escuchado en vivo
las versiones de esta obra tan unida al nombre de Claudio Abbado por el propio
maestro aunque con repartos mucho más modestos que en la Scala, tanto en
Ferrara como en Florencia, se me volvió difícil la audición de la ópera porque
estaba acostumbrado a que me emocionaran ciertos pasajes y con Abbado hasta me
ocurrió con el coro que cierra el prólogo y que algunos consideran uno de esos
pasajes ‘bandísticos’ del gran Giuseppe (que no sólo para mí no son casi nunca
tales). Pensaba ya que a estas alturas eso era cosa del pasado y del mucho
(nunca demasiado) escuchar ópera.
Y mi primer motivo de agradecimiento a Michele Mariotti
fue que me causara la música esa honda impresión que siempre debería causar. No
voy a hablar de los momentos claves como la gran escena del Consejo (si Verdi
quiso poner a prueba a Boito, éste le respondió con un momento nada menos que
genial que el Gran Vegliardo supo aprovechar). Sin olvidar otros momentos,
quiero señalar tres: en el prólogo, el momento en que terminado su encuentro
con Fiesco el corsario entra en el palacio de éste en busca de su amada sin
saber que ha muerto; en el segundo el gran trío sobre el final del acto; y,
sobre todo, el final de la ópera y en particular el último encuentro entre los
dos grandes enemigos, Fiesco y Simón.
En este caso, con la ayuda de los dos cantantes, Mariotti
consiguió hacer llegar la propuesta humana de Verdi que el protagonista
proclama en el gran concertante y que da el título a esta reseña, pero por
sobre todo el llanto de la humanidad que como Fiesco siente el reproche en
medio de la piedad y que el coro remacha “s’avvolge la natura in manto di
dolor’. D’Annunzio no exageraba cuando dijo que Verdi ‘lloró y amó por todos’
(en ese preciso orden).
La concertación de Mariotti acompañó a los cantantes y
dio vuelo y expresividad sinfónicas cuando estas se requerían, pero supo ser
también impalpable (la última vez que el Doge mira el mar, por ejemplo). La
orquesta y el coro de Boloña son buenos, pero con un maestro al que conocen y
respetan son óptimos (ciertamente algunas de las voces femeninas del coro
podrían ser mejores, pero todos respondieron gracias también al competente
trabajo de Garatti Ansini).
Entre los cantantes, bastante equilibrados, sobresalieron
Pertusi y Golovatenko. El primero lleva tiempo interpretando estos papeles y la
voz sigue sana y hasta parece haber crecido en volumen, pero lo que impacta es
el fraseo (y un detalle pequeño, pero revelador: cada vez que pudo aplaudió a
sus colegas). Golovatenko, si como se me ha dicho, debutaba en la parte, pues
menudo debut. La voz no es ni bellísima, ni muy particular, pero es timbrada
(más bien clara y padece un poco en el grave) y extensa, pero en él también
destaca el fraseo y su óptima dicción, y sobre todo no acude al volumen o al forte
continuo que aquí, menos aún que en cualquier otro Verdi, no es de recibo.
Meade no estuvo en su papel o en su noche más afortunada.
Entró con un notable vibrato en su aria, pareció muy pendiente de la batuta,
olvidó una frase y sólo a partir de la escena del Consejo pareció más cómoda.
Su intervención culminó en el gran trío que cierra el segundo acto.
El joven Della Sciucca (25 años, si mis datos son
correctos) permitió salvar las dos funciones, pero sería recomendable que con
dotes tan interesantes (un bello color de tenor lírico pleno) no afrontara
partes tan comprometidas como las de Adorno (recuerdo que en la segunda y
definitiva versión el honor le correspondió a Francesco Tamagno, futuro creador
del Otello verdiano). Parecía
comprensiblemente preocupado porque su agudo sonase bien, pero para eso, típico
ejemplo, forzó innecesariamente. De verdadero fraseo sería prematuro hablar,
pero en lo genérico estuvo bien y con buenas intenciones.
Vitale cantó un buen Paolo, esa especie de miniYago,
aunque la voz sonaba opaca. Muy interesantes, en orden de calidad, el joven
Pellegrini, que aprovechó todo lo que pudo las frases del otro villano, Pietro,
y Veltri en su corta pero nada fácil intervención en el último acto. Poco puede
decirse de Panza en la única frase que tiene a su cargo.
El público no colmaba la sala, pero no parecía por la intensidad creciente de los aplausos que en los saludos finales eran verdaderas ovaciones.
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