“Miguel Ángel y las consecuencias”, en el Albertina de Viena

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La belleza del cuerpo humano, retratada en los desnudos masculinos de Miguel Ángel, es objeto de una fascinante exposición que tiene lugar en el Albertina de Viena, desde el 15 de septiembre hasta el próximo 14 de enero de 2024.

Miguel Ángel Buonarroti, desnudo masculino de espalda (ca. 1504). © 2023 by Albertina-Viena.

La representación más famosa de estos desnudos nunca se hizo realidad. El mural florentino de Miguel Ángel con el tema de la Batalla de Cascina no pasó del cartón, es decir, del dibujo a escala sobre papel. Y, sin embargo, esta representación ha ejercido una influencia duradera en la historia del arte europeo desde que el cuerpo humano ocupa el centro de la creación artística.

Miguel Ángel Buonarroti, Joven sentado desnudo y dos estudios de brazos (ca. 1510-11). © 2023 by Albertina-Viena.

La muestra que la Colección Albertina de Grabados y Dibujos de Viena presenta durante el otoño y comienzos del invierno, titulada Miguel Ángel y las consecuencias, gira en torno a la representación del desnudo masculino. La exposición marca un retorno a la competencia central del Albertina, la colección de arte gráfico, que bajo su director saliente, el historiador del arte Dr Klaus Albrecht Schröder (hasta finales de 2024), ha alcanzado un gran nivel como museo de arte de pleno derecho.

Amplia gama de temas

El voluminoso catálogo, editado por la Dra Eva Michel, investigadora de la Universidad de Viena, y por el Dr Schröder, fue publicado por el prestigiosa editorial Prestel / Random House, de Múnich, y recorre las múltiples posibilidades de exploración del desnudo humano a partir de una amplia gama de temas.^*

Miguel Ángel es uno de los pocos artistas cuya fama ha permanecido inquebrantable durante siglos. Aunque su arte y sus ideales están profundamente arraigados en el pensamiento de su época (apogeo del Renacimiento y avanzado el siglo XVI), el impacto de su arte se extiende hasta nuestros días.

Egon Schiele, «Autorretrato desnudo haciendo muecas» (1910). © 2023 by Albertina-Viena.

Cada siglo experimenta su propio renacimiento de Miguel Ángel y, por tanto, el resurgimiento de ese antiguo ideal que el gran florentino convirtió en referencia inigualable del desnudo masculino ideal; tanto con su diseño para el fresco nunca ejecutado de la Batalla de Cascina, como con los I gnudi de la Capilla Sixtina y los Esclavos moribundos para la tumba del Papa Julio II.

Miguel Ángel y las consecuencias trata de la aparición y el poder, la pérdida de importancia y el declive de un canon -el canon en el que Miguel Ángel dejó una huella perdurable con sus desnudos hace 500 años- y de cómo las generaciones posteriores se han abierto camino a través de este modelo.

La representación del cuerpo humano

Rafael Sanzio, «Joven llevando a un anciano en la espalda / Eneas y Anquises» (1514). © 2023 by Albertina-Viena.

Los ricos fondos de la colección de arte gráfico del Museo Albertina permiten examinar el ideal de Miguel Ángel, que se presenta de forma impresionante en sus dibujos y esculturas como un desnudo masculino atlético y poderoso, caracterizado por tensiones interiores hasta el desgarro.

El nuevo estatus del dibujo como obra de arte independiente en el siglo XV, que condensa las ideas artísticas y el temperamento del artista, queda demostrado, entre otras cosas, por la gran demanda de estos tesoros entre los coleccionistas.

La procedencia de los dibujos del maestro renacentista en el Museo Albertina señala a Peter Paul Rubens como su propietario en el siglo XVII y subraya la importancia del genio italiano en la siguiente generación de artistas. 

Peter Paul Rubens, «Estudio de un hombre desnudo en posición inclinada» (1613). © 2023 by Albertina-Viena.

El desnudo clásico, tal y como se nos presenta con confianza en los dibujos de Miguel Ángel, Rafael, Domenico Beccafumi, Baccio Bandinelli, Daniele da Volterra y Francesco Salviati, siempre ha buscado un equilibrio armonioso entre fórmulas generales como las poses estandarizadas, el estudio de la anatomía basado en esculturas antiguas o la división a escala de las partes del cuerpo, según las proporciones formalizadas de Marco Vitruvio, por un lado, y el dibujo del natural, por otro.

Colección

La mayoría de las láminas expuestas procede de la propia colección del Albertina, lo que solo es posible cada pocos años con obras de Miguel Ángel y sus contemporáneos, en primer lugar Rafael Sanzio, debido a la sensibilidad del papel. Michelangelo Buonarotti, cuya vida transcurre entre 1475 y 1564 y abarca la mayor parte del Renacimiento, recibió el encargo de la Signoria de la Florencia republicana a finales de 1503 y comienzos de 1504, siendo un artista de 28 años movido por la ambición, de representar una batalla victoriosa de los florentinos para una pared de la Gran Sala del Consejo, mientras que Leonardo ya había recibido el encargo de la pared opuesta.

Miguel Ángel eligió la histórica batalla cerca del pueblo de Cascina, en la que los florentinos se defendieron de un ataque por sorpresa. Todo ocurrió en pleno verano de 1364, hace mucho tiempo, por lo que Miguel Ángel no se preocupó de los detalles históricos. Se limitó a representar la abundancia de cuerpos masculinos, saliendo apresuradamente de un baño estival en el río Arno para prepararse para la inminente batalla de hombres contra hombres. Solo esta escena ha sobrevivido, ya que no solo el fresco nunca se ejecutó, sino que el cartón también se perdió y solo ha sobrevivido en parte como copia.

Tema perenne

Hans Baldung, «Saludo de Año Nuevo de Grien con tres brujas» (1514). © 2023 by Albertina-Viena.

Sin embargo, Miguel Ángel creó numerosas láminas de estudio, y el tema del desnudo masculino le ocupó durante toda su vida. Los cuerpos musculosos en sus movimientos de rotación difíciles de reproducir, en complicada interacción y perspectiva en escorzo: ésta es una de las aportaciones de Miguel Ángel a la historia del arte sobre la que han trabajado generaciones sin alcanzar nunca -como sospechaba su biógrafo Giorgio Vasari- la misma maestría.

El crucifijo

Los conocimientos de anatomía de Miguel Ángel -adquiridos en el hospital del convento agustino del barrio florentino de Oltrarno- se complementan con un momento de excitación emocional que se manifiesta en tensión física. Solo así se comprende plenamente el extraordinario efecto de los dibujos, ejemplificado por Rafael, que era ocho años más joven.

Miguel Ángel fue huésped del convento (hoy Basilica del Santo Spirito) cuando tenía 17 años de edad, después de la muerte de Lorenzo de Médici, su protector. En el hospital de este convento pudo hacer estudios anatómicos de los cadáveres; a cambio de ello, esculpió un impresionante crucifijo de madera, que fue colocado primeramente sobre el altar mayor; hoy se encuentra ubicado en la sacristía de la Basilica.

Alberto Durero, «Adán y Eva» (1504). © 2023 by Albertina-Viena.

El ascenso de Miguel Ángel al estrellato artístico fue igualmente meteórico, pero ahora en la Roma de los papas. Las obras expuestas en Viena contienen esencialmente todo el Renacimiento al sur de los Alpes, que, gracias a la amplia colección de dibujos de Alberto Durero, puede yuxtaponerse a los del norte en una vitrina aparte.

Durero buscó la precisión científica en su teoría de las proporciones, pero con el maravilloso grabado en cobre Adán y Eva presentó un cuadro de belleza ideal de igual rango, exactamente en el mismo año, 1504.

Consolidación de un canon

Hendrick Goltzius, «El gran Hércules» (1589). © 2023 by Albertina-Viena.

El título de la exposición de Viena va más allá aún, como expresa su título, para explorar “las consecuencias” de la obra de Miguel Ángel. El Dr Klaus Albrecht Schröder y su equipo demuestran la consolidación de un "canon" miguelangelesco, hasta su pérdida de significación, que comenzó con el realismo sin adornos de Rembrandt. Solo las academias se adhirieron al ideal; en el Clasicismo, hacia 1800, el canon alcanzó de nuevo una autoridad absoluta, reconocible en los estudios obligatorios de desnudos de modelos exclusivamente masculinos.

Alberto Durero, «Cuatro mujeres desnudas» (1497). © 2023 by Albertina-Viena.

El desnudo femenino apenas tuvo protagonismo para Miguel Ángel, por lo que la exhibición del Albertina está dedicada a este tema, obviando en cierta medida a este artista renacentista. Además de la obra gráfica, se exponen también esculturas, en su mayoría copias o vaciados en yeso. Al fin y al cabo, Michelangelo Buonarroti surgió pronto como escultor, y su David, terminado en 1504, fue tan influyente como los dibujos.

Los dos artistas Rembrandt y Rubens caracterizaron el Barroco con sus posturas contrapuestas. Rubens se centró en el modelo real, vivo, y dio nueva vida al desnudo antiguo. Rembrandt, por su parte, no rehuyó representar la fealdad del cuerpo real, el ser humano en su fugacidad y debilidad. De este modo crea un marcado contraste con los cuerpos atléticos de Buonarroti.

Las consecuencias

En el clasicismo se mantiene el tipo del cuerpo masculino desnudo, bello y musculoso. Casi 200 años después de la muerte del maestro florentino, el canon miguelangelesco continuó en la idea dominante del desnudo ideal. Los pintores de su época, como Anton Raphael Mengs o Pompeo Girolamo Batoni, crearon obras que pueden remontarse a Miguel Ángel en la precisión del modelado de la musculatura, la representación de poses complicadas y el escorzo de la perspectiva provocado por las posturas complejas.

Gustav Klimt, «Estudio para la izquierda de las tres gorgonas del friso de Beethoven» (1901). © 2023 by Albertina-Viena.

Recuerdan en particular a los dibujos magistrales asociados a obras como la Batalla de Cascina o el fresco del techo de la Capilla Sixtina. Incluso en la época de Gustav Klimt y Egon Schiele, los artistas seguían imitando servil y anacrónicamente las figuras heroicas y atléticas: solo externamente, en la superficie, sin la profundidad espiritual de Buonarroti. El canon modelado por Miguel Ángel ha pasado finalmente su cenit, ya que la representación del desnudo masculino como símbolo de un individuo heroico encuentra cada vez menos resonancia en la sociedad moderna.

La última pequeña parte de la exposición está dedicada a la acuciante cuestión de dónde queda realmente el desnudo femenino. Esto puede parecer un poco artificioso, pero arroja luz sobre un punto oscuro: Miguel Ángel solo pintaba mujeres cuando realmente tenía que hacerlo, y entonces se limitaba a poner pechos en sus cuerpos de inspiración masculina. En los siglos XVII y XVIII, las mujeres desnudas en los cuadros solían asumir los papeles de seductora pasiva; a menudo se tumban, se peinan o dan la espalda al espectador.

Lujuria

El espectáculo se basa en la premisa histórica de que durante siglos los hombres solo dibujaban a hombres, y las mujeres también solo eran representadas por hombres. El hombre define el canon del desnudo masculino tanto como el del desnudo femenino. Miguel Ángel dotaba a los cuerpos masculinos de una gracia femenina. Para el arte, la mujer es como la cara oculta de la luna: Se sabe que existe, pero es terra incognita.

En algunos ejemplos de los siglos XVII y XVIII, la exposición muestra el ideal irreal de la mujer. Durante mucho tiempo, la representación de la mujer desnuda fue discriminada y difamada (fundamentalmente por el “club masculino” de la Iglesia) debido a su identificación con el vicio, la inmoralidad y el deseo sexual. La inmoralidad de la mujer trae la muerte y el pecado en la forma de Eva; el vicio de la Lujuria aparece vanidoso y desnudo.

Egon Schiele, «Muchacha desnuda con los brazos cruzados» (1910). © 2023 by Albertina-Viena.

Las virtudes están ampliamente vestidas con ropajes vaporosos. La contraimagen de la mujer virtuosamente velada describe a la mujer desnuda como un poder femenino, una bruja, una hechicera, una Venus seductora, Satanás disfrazado de fémina. La vista del final de la exposición es ejemplar; es representativo de un siglo en el que el canon de Miguel Ángel ha perdido su autoridad y está dedicado al contraste entre el culto secesionista de la belleza a partir de la idealidad curvilínea de la mujer de Gustav Klimt y la fealdad y patologización del desnudo en la obra de Egon Schiele, que por primera vez no se ve privado de su sexualidad.