Al clasicismo vienés ha sido consagrado este IX
Concierto sinfónico de la Orquesta
Filarmónica de Essen, bajo la égida del maestro Richard Egarr, con obras
de Joseph Haydn, Wolfgang Amadé Mozart y Ludwig van Beethoven, dos días antes
del comienzo de la Semana Santa
y en la víspera del Pésaj.
Si hay un tipo de música sacra que se asocia de
forma más natural a la ciudad de Viena, son las misas de Haydn que hasta
hoy proporcionan un marco musical apropiado a las ceremonias litúrgicas en las
iglesias de la capital imperial, ya sea en la catedral de San Esteban, en los
Agustinos, en la Hofburgkapelle
o en los Jesuitas, por citar algunos de los lugares de culto más destacados.
La primera parte de la velada en el monumental auditorio
Alfried Krupp, colmado de público hasta la bandera, fue dedicada
íntegramente a la llamada Misa de Nelson. El título Missa in Angustiis (Misa en tiempos angustiosos) y la inusual tonalidad de re menor apuntan a las
circunstancias históricas que Joseph Haydn tenía en mente. Cuando componía en Esterháza, la guerra
asolaba Europa a finales del siglo XVIII. La Francia de Napoleón amenazaba el
orden monárquico europeo.
El epíteto de esta polifacética obra sacra no
es necesariamente de Haydn, sino que los austro-húngaros se alegraban de que
Lord Horatio
Nelson hubiera derrotado a la flota francesa frente a Egipto (en la
batalla del Nilo o de la bahía de Abukir). Haydn no se
libraría de la maldición de la guerra y el imperialismo. Años más tarde tendría
que presenciar cómo los franceses bombardeaban y ocupaban la ciudad de Viena,
pero también incorporaría estas circunstancias a sus obras.
Haydn creó ricos contrastes en su misa, que
subrayó clara y minuciosamente, aunque se mantuvo, no obstante, coherente
en su estilo. Con el potente y excelso Philharmonischer Chor Essen, preparado
por Patrick , la empresa resultó todo un éxito. El coro mixto mostró su
gran agilidad vocal y versatilidad durante la magnificente interpretación,
acompañado en este amplio y celestial espectro por las cuerdas de la Orquesta
Filarmónica de Essen.
La elección de las y los jóvenes solistas para
la Misa de Haydn fue también otro gran acierto. Las sopranos Lisa (a
quien se le vio recientemente en el papel de la deliciosa María en la opereta
El carnaval en Roma, de Johann Strauss, hijo) y Janina Mae Dettenborn; la
mezzosoprano Nataliia Kukhar; el tenor Mykhailo
Kushlyk y el bajo Baurzhan
Anderzhanov no solo impresionaron al público por su redondeado
control del tono y su perfección vocal, sino también como conjunto por su
homogeneidad creativa y sus colores bellamente equilibrados.
Aquí se requería una gran sutileza de maniobra,
ya que la interpretación emocional del período clásico vienés había dejado
atrás hacía tiempo la teoría afectiva estandarizada de la época del Barroco.
Lisa Wittig asumió su parte solista, un tanto solitaria, pero tanto más
melancólica y lírica, de una manera vívidamente bien formada.
La centrada interpretación no escatimó en
efectos sorprendentes en cuanto al contenido emocional de la música: retiradas
repentinas, arrebatos impulsivos, estados de ánimo apagados o vuelos de
fantasía jubilosos, ritmos amenazadores o lirismo amplio y casi flotante, voces
solistas suaves y sensibles o tutti poderosos...Todo ello apuntaba mucho
más allá de la época de Haydn, especialmente porque a veces se sucedían
directamente en un contraste extremo.
Solistas, coro y músicos dirigidos con rigor
por Richard Egarr fueron aquí heraldos de la vida eterna que hicieron brillar
el mundo con su luz más hermosa y fulgurante. En conjunto, prevaleció un rico
colorido en la superficie, que evocó la correspondiente sobreabundancia de
emociones en un incesante sube y baja. La apasionante dicción del contenido
narrativo cautivó al público; hubo aplausos entre el Sanctus y el Benedictus, y
un alud de ovaciones al final.
Para la segunda parte del recital Egarr y la
orquesta programaron la Sinfonía nº 1 en mi bemol mayor,
KV 16 de Mozart y la Sinfonía nº 2 en re mayor, op 36 de Beethoven. Egarr
invitó primero a los espectadores a remontarse a la más tierna infancia de
Wolfgang Amadé Mozart, quien tenía ocho años cuando compuso esta Sinfonía entre
1764 y 1765.
Con el increíble logro del joven Mozart el
colectivo musical cautivó a la platea desde el minuto uno. La ejecución de los
tres movimientos de la Sinfonía, Molto allegro, Andante y Presto, fue seguida
por los espectadores con suma atención y en el más absoluto silencio. Egarr y
la orquesta permitieron que las sutilezas cromáticas y contrapuntísticas de
esta temprana obra maestra floreciera de verdad. Se pudieron escuchar finos
arabescos, cascadas y guirnaldas, que ya insinuaban composiciones posteriores,
hasta que el público prorrumpió en un alud de aplausos.
El estreno de la KV 16 tuvo lugar el 21 de
febrero de 1765, con otra representación en el concierto de despedida de Mozart
en Londres el 13 de mayo de 1765. Todas las sinfonías allí interpretadas
(además de la KV 16, probablemente también la KV 19, la KV 19a y posiblemente
la KV 19b) se anunciaban aún como “oberturas”.
Los Mozart llevaban en Londres desde abril de
1764. La salud de la familia se había resentido. Tras la muerte de Wolfgang
Amadé Mozart en 1791 en Viena, su hermana Maria Anna (Nannerl) relató las
condiciones en las que se compuso la primera sinfonía:
El 5 de agosto tuvieron que alquilar una casa de campo fuera de la ciudad de Londres, en Chelsea, para que el padre (Leopold) pudiera recuperarse de un peligroso dolor de garganta, que casi le llevó al borde de la muerte (...) cuando nuestro padre estuvo enfermo hasta la muerte, no se nos permitió tocar el piano. Así que, para mantenerse ocupado, Mozart compuso su primera sinfonía con todos los instrumentos, principalmente trompetas y timbales. Tuve que copiarla sentada a su lado. Mientras él componía y yo copiaba, me dijo: ¡Recuérdame que le dé algo bueno a la trompa!.
Según la Antigua Edición Mozart, la sinfonía es
la nº 1, aunque no está claro si es realmente la primera sinfonía de Mozart. Es
posible que la KV 16 sea simplemente la primera que se conserva. El autógrafo
es de puño y letra de Wolfgang, mientras que Nannerl cuenta que ayudó a su
hermano en la transcripción.
Sin embargo, debido a las numerosas
modificaciones de la obra, es posible que Wolfgang se viera impulsado a
realizar la copia con una proliferación de correcciones, siguiendo una práctica
contemporánea según la cual las partes de trompeta y timbales a veces se
anotaban por separado y luego circulaban sin ellas; esto explicaría la ausencia
de las trompetas y timbales mencionados por Nannerl.
Esto también podría apoyarse en el hecho de que
mi bemol mayor se convirtió en la tonalidad de trompeta preferida por Mozart.
Sin embargo, la cubierta que contiene las partes autógrafas de la Sinfonía KV
19 no contiene ninguna observación sobre una sinfonía en mi bemol mayor, aparte
de las indicaciones de puño y letra de Leopold (padre de Mozart) de que primero
se utilizó para las partes de una sinfonía en fa mayor (probablemente KV 19a) y
después para una sinfonía en do mayor (probablemente KV 19b).
Por tanto, es posible que la primera sinfonía
mencionada por Nannerl no sea idéntica a la KV 16, pero en el cuaderno de
bocetos de Londres podrían figurar esbozos para la primera sinfonía. También es
concebible que Nannerl embelleciera un poco en su memoria la partitura de la
sinfonía (es decir, las trompetas y los timbales).
Durante ese tiempo, su padre Leopold hizo que
su hijo estudiara sinfonías de contemporáneos conocidos (por ejemplo, , , J. G. , Hermann Friedrich
). Una de las formas en que Wolfgang lo hizo fue copiando íntegramente
la Sinfonía en mi bemol mayor op 7 nº 6 de Abel y preparando otra sinfonía (KV
19) basada en este modelo. Más de 100 años después, esta copia se incluyó en la
edición de Mozart publicada por Breitkopf & Härtel como la 3ª Sinfonía KV 18.
En las primeras sinfonías (KV 16, KV 19, KV
19a, KV 22) Mozart utilizó inicialmente la forma italiana en tres movimientos.
Poco después le siguieron en Viena varias obras de cuatro movimientos (por
ejemplo, KV 43, KV 45, KV 48).
Quien quiera comparar la primera sinfonía de
Mozart que se conserva con la última, la KV 551, debe tener en cuenta el
contexto respectivo. La KV 16 solo difiere ligeramente en extensión,
complejidad y originalidad de los modelos de la época, sobre todo de las
sinfonías op 3 de Johann Christian Bach y op 7 de Carl Friedrich Abel.
La ejecución de la Sinfonía nº 2 en re mayor de
Beethoven por la Essener Philharmoniker dirigida por Richard Egarr fue
incandescente. La esencia misma de una interpretación, especialmente de una
obra cardinal como una sinfonía de Beethoven, por no decir una favorita de
todos los tiempos, es renovar el interés, dar la sensación de tal espontaneidad
que se escuche como si fuera la primera vez.
Varios factores contribuyeron a ello. En primer
lugar, la interpretación instrumental. La finura transparente de las cuerdas de
un brillo exquisito, las maderas traslúcidas (encabezadas por el oboe de sonido
suave y ligeramente nasal) y los instrumentos de viento con su redondez.
El estilo que asume el colectivo dirigido por
el maestro Egarr en este IX Concierto sinfónico en homenaje al Clasicismo
vienés es de una frescura tonal sin igual, una precisión extrema en el ataque
y, sobre todo, una homogeneidad que deja atónito a más de un oído bien
acostumbrado a Beethoven.
La distribución instrumental de las cuerdas
adoptada por el director esta tarde es un ejemplo del buen hacer, los violines
primero y segundo a ambos lados, los violonchelos en el centro a la izquierda y
las violas en el centro a la derecha, con los contrabajos en el extremo
izquierdo. Esta espacialización, lejos de ser gratuita, permite un equilibrio
perfecto de las masas y hace que el contrapunto concebido por Beethoven tenga
toda su amplitud. Por último, la orquesta pule con su famosa pátina todo lo que
podría sonar brillante.
Por supuesto, el toque del director es la
piedra angular. Puede decirse que la dirección de Richard Egarr atempera la
colosalidad de muchas páginas beethovenianas con auténtica claridad. Revela, a
través de tempos más rápidos, hasta qué punto el ímpetu está en el corazón de
las mismas, especialmente en las primeras sinfonías, impregnadas de un
pensamiento revolucionario.
Los ritmos son marcados, casi atornillados en
algunos puntos, pero la textura es siempre transparente. La energía, a menudo
desbordante, sostiene una visión nada académica, alejada del patetismo. Así que
la generosidad del sonido es a menudo difícil de resistir. No es que la
suavidad, que obtiene sobre todo de las secciones de viento madera, quede
relegada a un segundo plano. Esta permanece asombrosamente constante.
Con instrumentistas de este calibre, no hace
falta subrayar la absoluta esbeltez del acabado sonoro. Si una palabra tuviera
que resumir el estilo de Egarr, sería dramaturgia en la sucesión de secuencias,
donde la amplitud exige necesariamente la relajación y el buen humor, que el
maestro proporciona como un verdadero director de teatro.
La formidable interpretación de esta Segunda
Sinfonía, estuvo llena de euforia; extremadamente fluida en el Adagio molto y
con una energía casi cortante en el Allegro con brio inicial. En el Larghetto,
Egarr le dio a la pieza un lirismo sereno.
El Scherzo, el primero de Beethoven, que
sustituye al Menuetto tradicional de las sinfonías clásicas, pleno de brío.
Desde el Allegro el director fue al pasaje en trío. En cuanto al final, Allegro
molto, Egarr subrayó sus efectos sorpresa con agudos contrastes dinámicos y un
tempo general llevado a una velocidad vertiginosa.
Merecidas ovaciones y aclamaciones altisonantes
cerraron esta velada. Fue pura alegría ver a esta orquesta ofrecer una
interpretación de una finura instrumental tan bien lograda.
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