Para la célebrada y exquisita violinista Midori, quien además de
ofrecer conciertos imparte clases en varias universidades y participa
activamente en la educación musical en todo el mundo, esta tarde le pareció
haber estado en un campus, como le es habitual, rodeada por una múltitud de
jóvenes, entre público y músicos de la orquesta.
El recital, al que fue invitada como solista
por la Bundesjugendorchester
(Joven Orquesta Federal de Alemania), dirigida por Patrick Lange,
concluyó entre ovaciones y gritos de aprobación. Ante tanta efusividad y
calidez, Midori tocó como bis la Gigue de la Partita nº 2 (BWV 1004) de Johann
Sebastian Bach.
Apadrinada por la Orquesta Filarmónica de
Berlín, la es conocida internacionalmente por su
excelencia y magnificencia. Además de haber recorrido todos los países de
Europa, ya ha realizado giras por América del Norte y Sudamérica, Asia y
África. Acudieron también a este concierto en la Filarmónica de Colonia padres,
abuelos y familiares de los jóvenes que aplaudieron efusivamente las
interpretaciones (incluso entre los movimientos).
La inspiración del Concierto para violín nº 2
de Detlev
Glanert que toca con su Guarneri del Gesú, ex Huberman, de
1734, vino de la legendaria carta de amor de Ludwig van Beethoven a una
misteriosa desconocida. A Glanert no le interesa tanto la persona que se
esconde tras la “amada inmortal” de la misiva de Beethoven, sino la carta en sí
que el compositor nunca envió y está llena de dramáticas formulaciones: “Mi
ángel, mi todo, mi yo”, escribía.
Para , Beethoven utiliza palabras como
notas y motivos musicales, en el sentido de que forman desarrollos,
intensificaciones y recapitulaciones, para crear tensión exactamente como lo
hace en sus composiciones.
Al igual que el texto de dicha carta, el
concierto consta de tres partes: I. (“am 6ten Juli Morgends”) – Kadenz I; II. (“Abends
Montags am 6ten Juli”) – Kadenz II; y III. (“guten Morgen am 7en Juli”). El
violín solista simboliza al individuo que debe adaptarse constantemente a su
entorno, al destino, y así lo hace Midori con encanto y elegancia.
Al comienzo y en el segundo movimiento Midori
hace sonar su violín suavemente, con muy profunda sensibilidad en pianissimos
casi imperceptibles. Le siguen toques más secos y amenazadores en fuertes y
ásperos vuelos. El acompañamiento de la orquesta, dirigida con equilibrio,
precisión y diafanidad por alcanza después ribetes líricos.
Lamentos desgarradores caracterizan las
primeras cadencias hasta llegar con robustez y energía a un Allegro vivace que
la solista interpreta con enorme y obsesiva entrega, acompañada por la celesta.
En el desenlace final de este enigmático concierto la música parece irse de
este mundo para insertarse en un universo totalemente ignoto para el oyente.
En esta caso, la inspiración para la nueva obra
de Glanert vino de la propia dedicataria, Midori, con una carrera de más de 40
años a sus espaldas. El compositor recuerda que escuchó por primera vez a
Midori cuando debutó en Tanglewood, con 14 años. En aquel entonces se le
rompieron tres cuerdas y cambió su violín por el del concertino en un
santiamén.
En 2020, con motivo del 250º aniversario del
nacimiento de Beethoven, Midori pidió a Glanert que escribiera un concierto
para violín, que muy probablemente ella llevará también al disco como ha hecho
con todos los grandes conciertos para violín, así como con nuevas obras
encargadas personalmente, entre otras piezas de Peter , Einojuhani
, y .
El concierto fue estrenado mundialmente por
Midori, en presencia de Detlev Glanert, el 10 de diciembre de 2021 en la gran
sala auditorio de la Elbphilharmonie de Hamburgo, acompañada por la orquesta de
la NDR
Elbphilharmonie dirigida por Brad Lubman.
La última obra de este concierto fue singular.
Se trata del Cuarteto para piano nº 1 en sol menor op 25 de Johannes Brahms,
que a veces se la denomina su Quinta Sinfonía, debido a la fabulosa
orquestación de Arnold Schönberg, escrita en 1937. Para fue sobre
todo una oportunidad para celebrar su ilimitada admiración por Brahms, a quien
describió como un compositor “progresista” en una época en la que reinaba el
hegemónico Richard Wagner, considerado el compositor de la música del futuro.
Cuando Arnold Schönberg rindió este homenaje a
su difunto antepasado romántico, hacía tiempo que había abandonado su Austria
natal. Expulsado por los nazis, ahora componía en Los Ángeles, pero su corazón
artístico seguía latiendo por Europa. La emoción, la fuerza musical y el
esplendor de los arreglos que fluyeron en su versión siguen teniendo hoy la
fuerza de un tsunami musical. Porque Schönberg puso en la orquestación todo lo
que sonaba eficaz y colorista, desde la celesta hasta el xilófono pasando por
el gong. Una auténtica prueba de esfuerzo para Brahms, que la música del
quebradizo alemán del norte superó con facilidad.
Con una duración de unos tres cuartos de hora y
una opulenta riqueza de melodías, la larga pieza de música de cámara ya
superaba el ámbito del género supuestamente sobrio y académico. La obra, viva y
chispeante, pedía a gritos ser orquestada, y el arreglo enérgico y nada humilde
de Arnold Schönberg llevó las ideas de Brahms al extremo (Allegro; Intermezzo.
Allegro ma non troppo; Andante con moto): hasta el furioso final (Rondo alla
Zingarese), no hay un segundo sin tensión en este desfile de desenfreno
tardorromántico, armonías fluidas y ritmos apasionantes que reúnen todas las
características de la música brahmsiana.
El propio Schönberg consideraba su obra como
una continuación lógica de las cuatro únicas sinfonías de Brahms: una auténtica
Quinta, nacida respetuosamente de las ideas del compositor del Romanticismo
tardío. Este es el mejor material para las capacidades de un colectivo musical
de primera como la Bundesjugendorchester. Las sinfonías de Brahms son ya una de
sus piedras angulares de su repertorio.
Con una formación considerable, la orquestación
de Schönberg termina con ese ampuloso Rondo alla Zingarese, en el que alcanzan
su clímax las influencias gitanas, mezcladas con recuerdos de las famosas
danzas húngaras compuestas por Brahms entre 1849 y 1880. Aquí Patrick Lange
exige al joven colectivo musical recurrir con virtuosismo a toques
shostakovichescos, con gran equilibrio tonal y concisión articulatoria.
Las diferentes secciones conservan el carácter
de la obra pese a toda la inmediatez y desmesura expresiva. Potente y grave,
rico en sonido y luego replegado de nuevo en la penumbra, así es como el cosmos
de Brahms se mide de nuevo y se refina en esta versión orquestal. Se conserva
cada sutiliza de las estructuras brahmsianas, pero a la vez brilla intensamente
cada color del fresco arreglo de de Schönberg.
Esto puede resultar quizá abrumador para el
público, mas es una manera perfecta de aproximarse al inventor de la música
dodecafónica, quien aquí todavía se acerca a la atonalidad y suena ya de forma
bastante fascinante en su búsqueda de un gran avance.
Bajo la égida de Patrick Lange, la
Bundesjugendorchester se atrevió a tomar el tempo e interpretó un Brahms
imperioso y resplandeciente, casi exorcizando el romanticismo con su toque
superior. Probablemente no hay otra forma de ganar este partido: un decidido
viaje hacia adelante, que también llevó a la victoria a la aventura de Arnold
Schönberg con su admirado Brahms. Merecidas ovaciones y más aclamaciones al
final.
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