Famosa es, con razón, la Orquesta de Santa Cecilia de Roma (y no de ahora), pero sumado al hecho de participar en el ciclo de abono sinfónico de la Scala con un único concierto dirigido por Kirill Petrenko como director invitado, es fácil entender la expectativa creada y el cartel de ‘localidades agotadas’ bastante antes de la fecha en que se llevó a cabo. Y pese al calor abrumador que reinaba fuera del edificio el silencio absoluto (menos mal) indicaba bien a las claras que estábamos ante un evento notable. O, para no ser tan banal a la hora de buscar un adjetivo, digamos muy particular. Muchos los factores, comenzando por el programa elegido, pero también la relación de confianza y admiración mutua que conjunto y director parecen haber entablado, y que por lo visto no es sólo con la orquesta milanesa y en ópera.
Comenzaba el concierto con una ejecución imponente de la
más que imponente ‘Obertura’ de Manfred
de Robert Schumann, en la que de entrada destacó el empaste orquestal, el equilibrio
y al tiempo la claridad de las diferentes secciones de instrumentos: ya fuera
por la disposición o por otro motivo la fusión o ‘continuidad’, dentro de la
diferencia, de la cuerda grave y los vientos resultaba impresionante. La gestualidad
del maestro dibujó con la mano izquierda la expresividad del fraseo (nunca
‘exagerado’ en lo ‘romántico’) mientras una batuta que literalmente saltaba y
volaba en la derecha daba entradas alertas y sugería dinámicas y tiempos.
No es Petrenko un director que se muestre absorto o
majestuoso, o místico, sino que muchas veces salta y su mirada brilla entre
complacida y por momentos divertida cuando no se fija en un punto lejano con el
que se comunica con confianza, entusiasmo y alegría. Para dar medida de su
capacidad baste citar ese final en un diminuendo de veras emocionante,
tan perfecto como sobrecogedor.
La primera parte terminaba con una de esas maravillas
creadas por el amigo Wolfgang (Mozart), aunque algunos sigan discutiendo la
autenticidad total por la forma entre casual y endiablada con la que se la
recuperó luego de haberse creído perdida (este chico que no se preocupaba de
guardar copia de lo que componía … tan fácil le resultaba), pero que pese a esas
discusiones sobre la mano del autor, se ha ido imponiendo en el repertorio: la Sinfonia
concertante en mi bemol mayor para instrumentos de viento K.297b.
El director no fue el clásico divo más o menos
narcisista. Pareció más entretenido que nunca y ‘solo’ se preocupó por
acompañar con un conjunto muy reducido respecto al número anterior (y en
consecuencia mano y batuta se movieron mucho menos) a los cuatro primeros
atriles de la orquesta a los que escuchaba entre atento y embelesado por la
ejecución. No sólo al maestro deslumbraron sino que, al final, recibieron una
de aquellas ovaciones sinceras y de las que quedan en el recuerdo. Sin duda es
una ventaja que todos sean titulares en la misma formación porque quedó claro
que estaban familiarizados con sus modos de enfocar la tarea y no sé si elogiar
más los momentos solistas o la unidad y exactitud de enfoque cuando sonaban de
a pares o en conjunto, y en algunos momentos tres ‘acompañaban’ a uno.
Memorable.
Cuando se quiera explicar qué diferencia hay entre
enfermiza competencia y correcta emulación, si no se quiere acudir a Hesíodo,
se tiene a mano esta actuación que nunca pecó de virtuosismo hueco o
exhibicionismo. Si se trató de un torneo fue sólo para servir lo mejor posible
a Mozart, y vaya si lo lograron. Andrea Oliva (flauta), Francesco Di Rosa
(oboe), Andrea Zucco (fagot) y Alessio Allegrini (trompa) tuvieron una
actuación ejemplar en los tres movimientos, pero yo destacaría (con este
muchacho es siempre así, y uno se desespera preguntándose cómo habrá hecho tan
joven para entender tan bien el lirismo interior) el ‘adagio’, no tanto por la
excelencia musical que fue siempre pareja sino por la profundidad expresada que
no sé si cerraba más la garganta o el estómago. Y en ese mismo segundo
movimiento, además, la actitud de respeto y humildad de Petrenko fue un ejemplo
para tanto ego suelto.
Después de la pausa, y sin conceder un solo bis (como era
lógico después de tal versión), tuvimos el inmenso honor de asistir a una
ejecución que no sé cómo calificar de ese monumento incomparable del repertorio
sinfónico que es la Primera sinfonía de Brahms. No voy a descubrir ahora
la pólvora que ya está bien descubierta y hace mucho, pero sigo sin estar de
acuerdo con el calificativo de ‘décima de Beethoven’ por algunas similitudes o
evocaciones (en particular en el último movimiento): si hubo intención de
‘cita’ (y parece difícil negarlo) habrá sido de homenaje y por dejar claro cuál
era la línea que Brahms elegía (se sabe de sus ‘dudas’ sobre la que seguían
Liszt, Wagner y sus admiradores).
Del arco temporal que separa el primer movimiento de los
demás no fue perceptible nada. Fue una versión muy estructurada (la estructura
cuenta mucho en Brahms), expresiva pero no ‘romántica’, con una reserva que
podríamos llamar pudor incluso en los momentos más exaltados, como para
alejarla lo más posible del hipotético ‘modelo’ beethoveniano.
Hasta ahora en mi recuerdo de versiones en vivo predominaba la de los filarmónicos de Viena en 1965 en Buenos Aires bajo la batuta de Karl Böhm (excelente maestro por el que nunca sentí simpatía). No sé si a partir de ahora no la sustituiré con esta. Las difíciles transiciones internas de cada movimiento, las repeticiones, los famosos pizziccati fueron resueltos como si de un juego de niños se tratase por una orquesta galvanizada por ese hombre que se agitaba mirando con ojos brillantes hacia no sé dónde mientras marcaba acentos, intensidades, y cuya satisfacción evidente se transformó en una amplia sonrisa, cuando no en una velada risa complacida ante esos instantes de silencio del final que precedieron el alud de aplausos y ‘bravos’ que sin duda todos merecían. Vaya usted a pedir (y menos a conceder) un bis luego de tal modo de hacer música.
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