La célebre violinista Midori y la galardonada directora Marie Jacquot al frente de la Deutsche Symphonie-Orchester Berlín ofrecieron esta tarde en la gran sala auditorio de la Filarmónica de la capital alemana, colmada de público, un concierto pleno de pasión, temperamento y energía con obras de Vivian Fung (Earworms), Antonín Dvořák (Concierto para violín y orquesta en la mayor op 53) y Amy Beach (Sinfonía en mi menor op 32 “Gaelic Symphony”).
Inauguró la velada Earworms (2017/2018), una pieza orquestal que explora las alegrías y las dificultades de la maternidad, así como, y en particular, la no siempre dichosa exuberancia de la música. Vivian , nacida en Edmonton (Alberta, Canadá), hija de inmigrantes chinos, se revela aquí como una auténtica descendiente de la cultura musical norteamericana. Cuando estudiaba en la Juilliard School de Nueva York, recibió un extraño consejo de su mentor, David Diamond:
Tienes que decidir. ¿Quieres una vida maravillosa como compositora o quieres tener hijos?.
Veinte años después, Fung tuvo la oportunidad perfecta para reconsiderar la afirmación de Diamond: se convirtió en madre. Earworms refleja su doble rol al reelaborar con virtuosismo melodías que su hijo insistía en escuchar sin cesar o que la atormentaban por otras razones durante sus noches de insomnio.
El tema más famoso de La Valse de Maurice Ravel domina (“Powerful”) durante largos tramos. A este le sigue un pasaje marcado como “Expressivo”, que cita el motivo principal de The Unanswered Question (La pregunta sin respuesta) de Charles Ives. Inmediatamente después (“Final Mashup”), otra cita, escondida en el glockenspiel, es la canción infantil Las ruedas del autobús, publicada por primera vez en 1939.
Marie Jacquot y Midori. © 2025 by Films Figures Libres.
En un desarrollo (“Generating Chaos – A Tempo”) cada vez más caótico, el tema de Ravel vuelve a cobrar protagonismo (“Precise”), hasta que los acontecimientos se precipitan (“Generating More Chaos – A Tempo”) en una "mezcla" final y la compositora, aparentemente exasperada, cede (“Precise”) ante la exageración de las masas sonoras que presionan indiscriminadamente.
La escritura de Fung es muy organizada y técnicamente lograda, pero su atractivo inmediato reside en su moderno humor y en su virtuosismo directo y sin complejos. dirigió ágilmente y sin batuta esta pieza rápida y divertida que le dio a la Deutsche Symphonie-Orchester Berlin mucho material para masticar (sobre todo la sección de metales se dedicó alegremente a ello).
La segunda obra de este brillante recital fue el Concierto para violín de Dvořák, relativamente poco tocado hasta hace no mucho tiempo atrás. Sin embargo, es una composición que contiene todos los elementos necesarios para garantizar el éxito de quienes la ejecuten: un Allegro ma non troppo inspirado en Beethoven, un magnífico Adagio ma non troppo que crea una atmósfera llena de misterio y, por último, un Finale. Allegro giocoso ma non troppo saltarín que vuelve una y otra vez a las danzas profundamente arraigadas en el folclore checo.
Aunque Antonín terminó en 1879 esta composición encargada por el gran virtuoso Joseph Joachim, su estreno no se produjo hasta 1883, a cargo del violinista František Ondříček, con la Orquesta del Teatro Nacional de Praga dirigida por Mořic Anger.
La obra tuvo un nacimiento difícil, ya que Joachim consideraba que la parte solista, en una primera versión de 1879, era poco satisfactoria, lo que obligó al compositor a reelaborar su partitura del principio al fin. Tampoco quedó satisfecho con su revisión, ya que consideraba que “el concierto no estaba lo suficientemente pulido como para presentarlo al público”. Por lo tanto, Joseph Joachim no lo estrenó, dejando esta tarea a uno de sus colegas, František Ondříček, en 1883.
Sin embargo, se trata de una obra interesante que marca un avance del músico checo en el dominio de la forma concertante, que alcanzaría su apogeo con el Concierto para violonchelo de 1895.
La magnífica interpretación de Midori, plena de delicadeza y musicalidad, sedujo fácilmente al público de la Filarmónica de Berlín. La expresividad de su parte solista y su amplitud melódica se unen a una habilidad rítmica que revela toda el alma checa. Así lo demostró claramente en esta velada.
Tras los enérgicos acordes que abren el Allegro inicial, estableció el bello tema eslavo, amplio y generoso, así como un discurso firme sin pretensión. El segundo tema, más apasionado, aumentó la expresividad. Se admiró el arco seguro y sutil, especialmente en los intercambios con el oboe.
Marie Jacquot, ahora batuta en mano, le proporcionó el acompañamiento más refinado, haciendo que la pequeña armonía sonara con gran discreción, un rasgo distintivo de toda esta interpretación, por cierto. El Adagio fue de una profunda interioridad, atravesado por sobresaltos más voluntariosos, con delicados matices eslavos: una tierna plegaria en el diálogo de la solista con los instrumentos de viento, entre los que se destacó la trompa que acompaña los últimos compases del violín, tocados pianissimo como si estuvieran haciendo equilibrio en la cuerda floja.
La compenetración con la directora es pura felicidad en términos de integración del instrumento solista en el tejido orquestal. El final comenzó saltando y mostró una vez más cómo la violinista ha hecho suyo el espíritu de esta música, la vena popular bohemia. Aquí no hay nada de virtuosismo de escenario en los diversos fragmentos de danzas con los que Dvořák salpica este Allegro giocoso: desde un furiant endiablado hasta una dumka de dulce languidez.
La versatilidad y el brillo del toque de Midori adornaron con gracia la profusión de temas reunidos por el compositor, que Marie Jacquot inscribió en un fastuoso escaparate. No es poco decir que los músicos de la Deutsche Symphonie Orchester Berlin resplandecieron en esta interpretación: violines lustrosos cuyo registro agudo no presentaba ni una pizca de acidez, violonchelos y contrabajos untuosos, maderas de una belleza plástica sublime, metales de una seguridad a toda prueba, y percusiones nada agresivas.
Las efusivas ovaciones se prolongaron por largos minutos y Midori solo pudo contenerlas, en parte, con un bis, el Preludio de la Partita en mi mayor de Johann Sebastian Bach, interpretada con soberanía, claridad, fluidez y precisión.
Tras el intervalo, la segunda parte de esta velada estuvo dedicada por completo a la ejecución de la Sinfonía en mi menor op 32 Gaelic Symphony de Amy Beach, que desveló una vez más la energía indomable de Marie Jacquot. , nacida en New Hampshire en 1867 y fallecida en Nueva York en 1944, demuestra en su sinfonía como su original brío, su cautivadora orquestación, el uso imaginativo de melodías inglesas, irlandesas y escocesas, alejadas del folclore convencional, y un temperamento poderosamente cautivador dan como resultado una obra llena de pasión y energía que no conoce límites.
Un tenso movimiento inicial (Allegro con fuoco) da paso a un refinado y rápido Alla siciliana – Allegro vivace. A continuación, el Lento con molto espressione se despliega con líneas contundentes y maravillosos solos del concertino y el violonchelista principal, culminando en un final (Allegro di molto) lleno de energía de viento y brillantez de cuerda.
Que no digan que la Deutsche Symphonie Orchester Berlin no cumple con su ya tradicional consigna de ofrecer siempre conciertos con al menos una obra de una compositora en sus programas. La Sinfonía gaélica, estrenada el 30 de octubre de 1896 en Boston, fue la primera sinfonía de una compositora estadounidense en captar la atención del público, escrita en una época en la que los compositores estadounidenses, de ambos sexos, eran relativamente escasos en el panorama internacional.
Esta Sinfonía Gaélica fue la respuesta de Amy Beach al llamado del compositor bohemio Antonín Dvořák a los compositores estadounidenses para que exploraran sus raíces musicales. Conocido por su propio estilo nacionalista, Dvořák había viajado a Estados Unidos en 1892 para dirigir el Conservatorio Nacional de Música de Nueva York.
Sugirió que un sonido claramente estadounidense podría incluir elementos nativos americanos y afroamericanos. Beach, quien vivía en Boston, donde había una gran población de inmigrantes irlandeses, se inclinó por las melodías irlandesas, atraída por lo que ella describió como "su belleza simple, áspera y sin pretensiones".
El primer movimiento de la sinfonía comienza con gran energía, tomando prestada una melodía de Dark Is the Night, una de las canciones de Beach. El animado segundo movimiento presenta un tema elegante que reaparece con diversas formas en la sección central. Para el tercer movimiento, Beach contrapone dos melancólicos temas irlandeses, de modo que se escuchan simultáneamente. En el movimiento final, retoma la melodía del primer movimiento, aunque aquí con una expresión aún más dramática.
Amy Cheney (su apellido de soltera) ya había demostrado un talento musical precoz cuando la familia se mudó a Boston en 1870. Comenzó a tomar clases de piano a los seis años, aunque ya componía melodías sencillas en el teclado desde los cuatro. En octubre de 1883, a los 16 años, ofreció su primer recital público en el Boston Music Hall. Siguieron varios recitales exitosos, y en marzo de 1885 interpretó el Concierto para piano en fa menor de Chopin con la Orquesta Sinfónica de Boston .
En diciembre de 1885 se casó con Henry HA Beach, un eminente cirujano, profesor de la Universidad de Harvard y devoto músico aficionado. Él animó a su esposa a concentrarse en la composición y, reduciendo sus actuaciones en público, emprendió un riguroso curso de autoaprendizaje en teoría musical y composición.
Sus primeros esfuerzos fueron en formas más pequeñas (arreglos musicales de poemas favoritos y otras piezas), pero en febrero de 1892 escuchó a la Sinfónica de Boston y a la Sociedad Händel y Haydn interpretar su Misa en mi bemol (escrita en 1890), su primera obra importante (op 5) y la primera de una mujer en ser interpretada por dichas organizaciones.
Entre sus posteriores composiciones importantes se incluyen Eilende Wolken (1892), un aria basada en texto de Friedrich von Schiller; Festival Jubilate (1891) para la dedicación del Edificio de la Mujer en la Exposición Mundial Colombina de Chicago en 1893; la Sinfonía gaélica; Sonata en la menor (1896); y Concierto para piano en do sostenido menor (1899).
Ovaciones y prolongadas aclamaciones cerraron con gran éxito este concierto de la Deutsche Symphonie-Orchester Berlín con la directora invitada Marie Jacquot, quien a partir de la temporada 2026/2027 será la primera directora titular en la historia de la WDR Sinfonieorchester (la Orquesta Sinfónica de la Radiodifusión de Colonia).
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