La censura puede adoptar diversas formas, como lo percibe ya la ciudadanía de EE.UU. Todo se aprende en esta vida. Para su CD Censored Anthems (Himnos censurados), debut con el sello Delos (Outhere Music France), la orquesta de cámara neoyorquina Parlando explora el impacto de la censura ideológica impuesta por el régimen comunista soviético, centrándose en tres compositores: Dmitri Shostakovich, Mieczysław Weinberg y Edvard Mirzoyan.
Interpretaciones reflexivas de obras clave, complementadas con comentarios de audio del director Ian Niederhoffer, fundador de Parlando en 2019, muestran cómo estas tres personalidades tan diferentes lograron sobrevivir y componer "con un agente de la KGB presente".
Los líderes soviéticos, comenzando por Lenin, deseosos de crear una sociedad basada en principios marxistas racionales y científicos, temían el poder de la música para exacerbar las emociones humanas y buscaron controlarla.
El sucesor de Lenin, Iosif Stalin, y sus comisarios culturales crearon un rígido sistema de sindicatos artísticos que impuso la doctrina oficial del realismo socialista soviético mediante la promesa de recompensas y la amenaza de castigo y silenciamiento.
La brillante y atrevida ópera de Shostakovich de 1934, Lady Macbeth del distrito de Mtsensk, provocó la primera y más famosa muestra de censura musical estalinista. Cuando Stalin pudo ver la ópera en el Teatro Bolshói, su contenido sexual explícito y su estilo musical "inaccesible" lo enfurecieron tanto que la prohibió en los escenarios soviéticos.
Atacado en un artículo de portada del periódico Pravda como un decadente peligroso, Shostakovich temió por su vida, pero finalmente se adaptó a las normas siempre cambiantes de la censura y continuó componiendo música (incluyendo algunas obras de propaganda de gran presupuesto) durante las cuatro décadas siguientes.
Uno de los momentos más emotivamente impactantes de Lady Macbeth se produce al principio. En una melancólica aria, Katerina (la soprano Arya Balian) lamenta su triste destino como esposa abandonada y sexualmente insatisfecha en un matrimonio concertado. En 1931, Shostakovich arregló esta aria para sus Dos piezas para cuarteto de cuerda. Niederhoffer dirige aquí su propio arreglo para cuerdas de la pieza, un vals lánguido (Adagio), pero la sólida interpretación carece de definición rítmica y de un toque folclórico.
Mieczyslaw le debe su carrera a Shostakovich, quien descubrió su música y lo trajo a Moscú en 1943. Weinberg vivía en Tashkent tras escapar primero de su Polonia natal en 1939 y luego de la ciudad soviética de Minsk, justo antes de la llegada de los nazis. Como judío, Weinberg fue objeto de fuertes sospechas en el ambiente antisemita de finales de la década de 1940, cuando el régimen soviético lanzó una nueva ofensiva contra todos los artistas creativos. (Su suegro, un famoso actor judío, fue asesinado por la KGB).
Pese a estas circunstancias tan difíciles, Weinberg compuso en 1948, a la sombra del debate sobre el formalismo soviético, su magistral Concertino para violín y orquesta de cuerdas, op 42, un testimonio de su resiliencia, valentía y capacidad de concentración. La situación suponía una amenaza para él.
La obra de aproximadamente 20 minutos muestra una actitud neoclásica fundamental y emplea un lenguaje musical tonalmente limitado que, aunque deambula libremente por los centros de la menor y (en el movimiento central) sol menor, las marcas de tempo ya revelan el carácter fundamental predominantemente lírico de la composición.
La parte solista, sin embargo, es bastante exigente: con dobles notas ocasionales, un trabajo ágil de pasajes y una interpretación en el registro agudo. La orquesta desempeña un papel secundario en las exposiciones temáticas del solista, limitándose inicialmente a la base rítmica y armónica, y solo gradualmente asumiendo las ideas presentadas por el violín solista. Rara vez emerge con tanta claridad por sí sola como en la fantasmal y escurridiza sección central del último movimiento.
Niederhoffer cree que el Concertino, menos desafiante que algunas de las partituras anteriores y más complejas de Weinberg, refleja la energía nerviosa del compositor, con la ira latente en su interior.
De todas formas, este op 42 para violín de Mieczysław Weinberg es una joya. Dicho esto, las notas del álbum señalan que la pieza refleja las circunstancias de Weinberg (vigilado por un agente personal de la KGB y persona non grata debido a sus vínculos profesionales con Shostakovich), y que el conservadurismo aparentemente inusual de la escritura era plausiblemente un intento de Weinberg de seguir las reglas.
La violinista Aubree Oliverson está soberbia y ofrece una interpretación impresionante, capturando el lirismo inquieto del primer movimiento (Allegretto cantabile), la tristeza desesperada del segundo (Lento-Adagio) con su cadencia inicial punzante, y el clímax rítmico y enérgico del final (Allegro moderato poco rubato), vertiginoso y obsesivo, es espectacular.
Cuenta con el excelente apoyo del conjunto de cuerdas de Parlando, bajo la firme dirección de Niederhoffer. Esta pieza merece ser más conocida y seguramente será integrada en programas de concierto en el futuro. Mieczyslaw Weinberg está experimentando un notable redescubrimiento (o quizá un descubrimiento) en los últimos años.
Poco conocido en Occidente, Edvard Mirzoyán, compositor armenio, disfrutó de una exitosa carrera en la música soviética. Nacido en la ciudad georgiana de Gori (ciudad natal de Stalin), se mudó a Armenia de niño. Con el tiempo, ascendió a importantes puestos dentro de la jerarquía musical soviética, siendo miembro del Comité Central del Partido Comunista de Armenia y funcionario de la Unión de Compositores Armenios (así como de su contraparte soviética). En estos puestos, era más probable que impusiera la censura que que la padeciera, un punto importante que Niederhoffer omite en su comentario (incluido en la pista 11). En la década de 1940 y principios de la de 1950, Mirzoyán (al igual que Shostakovich) escribió numerosas obras patrióticas oficiales obligatorias, como su Cantata sobre Lenin (nada menos).
Tras residir en Moscú después de la Segunda Guerra Mundial, Mirzoyán comenzó a componer música completamente rusificada que consternó a sus colegas armenios, incluido Aram Jachaturián. Posteriormente, Mirzoyán regresó a sus raíces armenias, como en la popular Sinfonía para Orquesta de Cuerdas y Timbales, increíblemente dramática, compuesta en 1962 durante un período más liberal de la historia soviética, cuando a las minorías étnicas de la URSS se les permitía un mayor grado de expresión cultural. No está del todo claro si la censura (o su eliminación) influyó en la composición de la Sinfonía o si fue simplemente resultado del propio desarrollo creativo y profesional de Mirzoyán.
En cualquier caso, la vigorosa y emocionante interpretación de Parlando de este colorido homenaje a diversas tradiciones de la música armenia es el punto culminante del disco. Los timbales cobran protagonismo, ya sea marcando un ritmo insistente en una fuga furiosa en el primer movimiento (Andante patetico – Allegro moderato) o acompañando en un tranquilo ostinato una canción folclórica armenia, rodeada de lo que Niederhoffer describe como una "niebla inquietante" en las cuerdas en el segundo (Allegro ma non troppo). Solemnes ecos del compositor armenio Komitas Vardapet impregnan el tercer movimiento (Adagio – Andante doloroso), con aires de réquiem. El alegre final (Allegro vivo) presenta otra melodía folclórica al estilo de Béla Bartók.
El comentario final de Niederhoffer se mueve mayormente en terreno histórico y biográfico familiar, pero es particularmente esclarecedor en el caso de la Sinfonía de Mirzoyán, a la que denomina una expresión de la “alegría y la resiliencia del pueblo armenio”.
El lema del conjunto de cámara Parlando es el de que "cada concierto cuenta una historia". Puede ser que Censored Anthems (Himnos censurados) no cuente toda la historia que promete el título del álbum, pero sus vigorosas interpretaciones, realzadas por una excelente producción, hacen que la escucha sea inspiradora.
Las grabaciones, realizadas por el ingeniero de sonido Andreas K. Meyer en el Merkin Hall del Kaufman Music Center de Nueva York, los días 16 y 17 de agosto de 2023, y en los también neoyorquinos Swan Studios el 18 de marzo y el 25 de junio 2024, ofrecen una visión amplia de las cuerdas, ocupando todo el espectro, con la percusión en el centro, bien integrados en el conjunto, sin una distancia excesiva. Todo ello en una atmósfera de cierta inmediatez. En resumen, la naturalidad de un concierto.
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