Cuando esta tarde resonaron los primeros compases de la Obertura Coriolano, op 62 de Ludwig van Beethoven en la gran sala auditorio de la Filarmónica de Berlín, quedó claro de inmediato que aquí no solo se iba a tocar música de forma magnífica, sino que se haría una lectura de las vivencias, luchas, desdichas y celebraciones de sus compositores.
La Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida esta vez por Semyon Bychkov ofreció una velada musical que se sintió desde la primera hasta la última nota: llena de energía, colorido y emocionalmente auténtica. No fue un concierto rutinario, sino una velada con gran dedicación.
La Obertura Coriolano, que abrió el programa, compuesta por Beethoven aproximadamente en la misma época que su Concierto para piano y orquesta nº 5, impactó como un puñetazo. Áspera, dramática y llena de tensión interior. La Berliner Philharmoniker la interpretó tal y como debe ser: no como un preludio complaciente, sino como una auténtica lucha con claras aristas y asperezas de un héroe turbio, y al final quebrantado.
, desde hace más de cuatro décadas director invitado de la orquesta, impulsó a los músicos con gestos precisos y enérgicos, y la Filarmónica de Berlín respondió con un sonido nítido y transparente. Las cuerdas irrumpieron con vehemencia, los metales retumbaron de forma oscura y amenazante. Se percibía la urgencia y el espíritu combativo en cada compás. Un comienzo potente y lleno de carácter que cautivó al público de inmediato, demostró por qué Beethoven sigue teniendo un efecto tan inmediato incluso más de 200 años después.
El Concierto para piano n.º 5, “Emperador”en mi bemol mayor, op 73 , es como una sinfonía con piano o como una música de cámara a escala mucho mayor. Beethoven eligió la tonalidad de mi bemol mayor (la misma de la “Heroica”). Con una cadencia sublime, el piano inicia con seguridad el primer movimiento, caracterizado por un orgulloso carácter de marcha.
Naturalmente, implica una fusión completa entre director y solista, y este es sin duda el caso presente, con el pianista Vikingur Ólafsson, quien debutó en diciembre de 2022 con la Berliner Philharmoniker. El Allegro posee un aura grandiosa, tanto en la introducción orquestal como en los gestos pianísticos, seguidos de momentos de intimidad en el desarrollo. Una de las características de son las frecuentes variaciones de tempo y expresión.
Ya al comienzo del primer movimiento ofreció una muestra de ello: mientras la orquesta marcaba una cadencia en la tonalidad principal con acordes muy separados entre sí, el solista elegía inicialmente un tempo rápido y riguroso en las figuraciones intermedias, para luego, tras el tercer acorde de la orquesta, cambiar de repente a un tono lírico.
Con ello parecía querer decir a los músicos y al director: no pretendo ofreceros patetismo y, por lo demás, debéis contar siempre con sorpresas. A continuación se aclaró este enfoque. El solista alternó entre pasajes ejecutados con rigidez y otros más elásticos. Dicho esto en sentido figurado: en la autopista condujo a un ritmo constante y rápido, en las carreteras secundarias con muchas curvas frenaba para luego volver a acelerar.
Bychkov y la Berliner Philharmoniker le acompañaron con suficiencia, le siguieron el juego y sincronizaron de forma excelente, aunque a nivel de la composición la unidad del movimiento parecía que iba desmoronarse en cualquier momento. Pero nada de eso ocurrió finalmente.
El íntimo Adagio un poco mosso, resultó impresionante, es uno de los movimientos lentos más trascendentales y conmovedores de la literatura pianística; el tiempo se detiene en él, flota como un idilio celestial y reconfortante en el centro de la obra; comienza muy lentamente y con una suavidad infinita, verdaderamente propia de la música de cámara. Las cuerdas y la magia melódica del piano solista se complementaron de manera maravillosa. El sonido puro y cristalino del Steinway D, especialmente en los trinos, se desplegó como un sueño en vigilia.
La transición al final, llena de tensión, se extendió suavemente, como si el sueño mismo se resistiera a terminar. Pero el Rondo Allegro ma non troppo attaca disipó esta impresión, con un tempo y una dinámica que se expandían, fluidos y sin esfuerzo; irradiaba alegría desenfrenada, casi exagerada. En realidad, hay que tocarlo no con una sonrisa, sino más bien con una mueca. El Hombre nació para ser libre y él es capaz de conquistar la libertad. Este movimiento final presagiaba quizá futuras victorias de Beethoven sobre un destino que no siempre le fue benevolente…
Aquí Vikingu Ólafsson demostró exactamente lo contrario de lo que había mostrado en el primer movimiento. Tocó el rondó a un tempo casi metronómico y con ritmos angulosos, rechazaba cualquier tentación a detenerse en lo lírico y llevaba el movimiento a toda velocidad, con sonoridades etéreas, hasta el final. No es que el pasaje tutti en forma de danza no lograra su efecto. La Orquesta Berliner Philharmoniker, por supuesto, también fue capaz de hacerlo, y lo mostró con creces.
Beethoven compuso esta obra, una de sus más radiantes, mientras se libraban las guerras napoleónicas. Corría el 1809 y el genio de Bonn estaba casi completamente sordo y conmocionado por los combates en Viena. Su antigua admiración por Napoleón se había convertido en un amargo rechazo. Qué sería ahora de los ideales de la Revolución Francesa, la igualdad, la libertad y la fraternidad, en las que el compositor creyera en su juventud.
Tras escribir este op 73 Beethoven abandonó definitivamente el género, dedicándose aparentemente a la sonata para piano, pues ese mismo año compuso las Sonatas para piano n.º 24, 25 y 26, «Les Adieux». Estrechamente alineada con el estilo de la “Heroica”, su Sinfonía n.º 3, el “Emperador” se adhiere a la estructura habitual de sus obras anteriores en este género, presentando los tres movimientos tradicionales empleados por Mozart en sus conciertos para piano.
Este Quinto Concierto, interpretado por Vikingur Ólafsson y ovacionado por el público, desafía con su heroico optimismo los retos de la época. A los bises, el solista se liberó de las ataduras con la orquesta, interpretando (inclinado reverentemente ante el teclado) el segundo movimiento (Aria) de la Suite orquestal nº 3 en re mayor, BWV 1068 de Johann Sebastian Bach, en un arreglo para solo de piano. Y fue aclamado por los asistentes al concierto.
A continuación, y tras un intervalo, Semyon Bychkov dirigió la Quinta Sinfonía de Dmitri Shostakovich, compuesta a la sombra del terror estalinista. A primera vista triunfal, la obra revela una ambigüedad irónica: finge júbilo y, al mismo tiempo, lo socava.
Shostakovich solía entrar en conflicto con las autoridades soviéticas, que se oponían al estilo cada vez más modernista del compositor. En 1936 se ganó su descontento cuando su aguda ópera Lady Macbeth de Mtsensk fue tachada en el Pravda de «confusión en lugar de música». En respuesta a estas críticas (Shostakovich retiró su Cuarta Sinfonía, que se estrenaría finalmente en 1961, ocho años después de la muerte de Iosif Stalin) y justo antes del estreno de la Quinta Sinfonía se publicó un artículo que describía la obra como «la respuesta creativa de un artista soviético a una crítica justificada». La obra recibió una ovación entusiasta en su estreno y desde entonces ha permanecido en el repertorio.
La orquesta Berliner Philharmoniker, en plena forma, y Bychkov hicieron un trabajo brillante, abriéndose camino a través de esta obra genial y compleja de Shostakovich. La sinfonía se sitúa en el filo de la navaja entre su aparente elogio al régimen soviético y su crítica mordaz al mismo. Bychkov -nacido y formado en Leningrado, pero en desacuerdo con el régimen comunista por lo que emigró a Estados Unidos en 1975- destacó esta ambigüedad a lo largo de toda la interpretación.
En el movimiento inicial, Moderato, las cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Berlín pasaron a primer plano, crearon con maestría la atmósfera y mantuvieron la tensión. Bychkov avivó el fuego en la sección de desarrollo, mientras que los metales y la percusión enfatizaban el carácter cada vez más marcial de la música, aunque con un elemento grotesco.
La interpretación desprendía una emoción visceral, teñida de amenaza. Era la resistencia reprimida de Shostakovich a todo lo que se le obligaba a hacer. Bychkov y los Filarmónicos de Berlín dejaron que la música se desvaneciera hasta convertirse en un susurro antes de que la fantasmal celesta cerrara el movimiento.
El segundo movimiento es un Ländler mahleriano impregnado de toxicidad y rabia reprimida. Las maderas de la Berliner Philharmoniker hicieron un trabajo magnífico captando la crudeza y el carácter grotesco de la obra. A medida que el movimiento cobraba impulso, Bychkov sacó a relucir la ferocidad y el mordiente rítmico de la música. El tercer movimiento, un Largo, es el corazón tranquilo, meditativo y palpitante de esta sinfonía.
El director soviético-estadounidense aportó una gran claridad a las texturas superpuestas de las cuerdas, permitiendo que brillara el carácter elegíaco de la obra. Las cuerdas de la Orquesta Filarmónica de Berlín sostuvieron maravillosamente las largas líneas del compositor y mostraron un inmenso control a medida que la música aumentaba y luego disminuía en intensidad.
La Berliner Philharmoniker tuvo un comienzo arrollador al inicio del finale, con el regreso de la música militarizada. Bychkov demostró una gran habilidad para deambular a través de la compleja estructura, al tiempo que resaltaba la ambigüedad siempre presente. El final en tono mayor (Allegro non troppo. Allegro) se percibió como una celebración de la victoria, aunque una lograda a un gran coste... Bychkov afirmó en una entrevista previa con el violista Allan Nilles:
Millones de personas, no cientos de miles, sino millones de personas desaparecieron bajo el régimen estalinista (...)
Fue una gran interpretación por parte de Semyon Bychkov y la Orquesta Filarmónica de Berlín que la platea recompensó merecidamente con una larga, muy muy larga ovación en la gran sala auditorio, colmada de espectadores. El director agradeció tanta efusividad, saliendo reiteradamente al escenario.
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