El público de la Kölner Philharmonie (Filarmónica de Colonia) vivió un momento musical memorable cuando la prestigiosa WDR Sinfonieorchester, ingresó al escenario bajo la égida de Marie Jacquot. El concierto, titulado Märchenklänge (Sonidos de cuentos maravillosos) no solo fue una experiencia extraordinaria, sino que también marcó una etapa importante en la carrera de Jacquot, quien a partir de la temporada 2026/2027 será la primera directora principal en la historia de la Orquesta Sinfónica de la WDR (Radiodifusora del Oeste de Alemania).
Una idea muy original fue la de reunir en este recital El lago encantado op 62 de Anatoli Liadov, compositor ruso del romanticismo tardío, el Concierto para viola y orquesta de William Walton, así como Petrushka el ballet de Igor Stravinski, una forma de reflexividad que pone de relieve las diferencias estilísticas entre obras separadas por un cuarto de siglo, pero también lo que quizá las une, un mismo espíritu travieso y mordaz. Las tres obras son interpretadas con brillantez y agudeza por Marie , quien acostumbra a dirigir con precisión, agilidad y elegancia sin utilizar la batuta, y así lo hizo también esta tarde.
La velada comenzó con El lago encantado, poema sinfónico escrito en 1909 por Liadov. La pieza se inspira en las fábulas y el folclore rusos y refleja el interés del autor por el uso de la música programática. Los sonidos orquestales pintan un bucólico paisaje en el que cobran vida elementos fantásticos e historias maravillosas.
Puede que sea esta la obra menos conocida de las tres interpretadas esta tarde, pero no por ello menos impresionante. Marie Jacquot y la WDR Sinfonieorchester transmitieron de forma magistral ese clima misterioso y onírico que logra . La directora y el célebre colectivo musical dieron vida así a los sutiles matices y al encantador mundo sonoro de este poema sinfónico con extraordinaria sensibilidad y precisión.
Subtitulado “escena de cuento de hadas”, El lago encantado fue dedicado a Nikolai y estrenado el 21 de febrero de 1909 en San Petersburgo bajo la dirección del dedicatario. A caballo entre el simbolismo y el impresionismo, es esta una obra singular, que no se basa en un tema musical y sus desarrollos, sino más bien en un clima sonoro muy particular.
Liadov utiliza a menudo en El lago encantado giros melódicos y texturas armónicas característicos de la tradición musical rusa. El uso de los colores orquestales y la variedad sonora contribuyen a reforzar esa atmósfera de fábula.
Todo el efecto cautivador se debe a la textura de la instrumentación, a las metamorfosis armónicas y a las figuraciones que traducen el murmullo del agua (cuerdas divididas) y el centelleo de las estrellas que se reflejan en ella (flauta, celesta, arpa). La duración de la pieza es de aproximadamente siete minutos y medio que transcurren verdaderamente como en un breve sueño.
Nikolai Rimski-Korsakov, fue una figura central en la formación de los compositores rusos. Su alumno más famoso fue, sin duda, Ígor . Anatoli Liadov también estudió con él en la década de 1870 en el Conservatorio de San Petersburgo. Como reconoció más tarde, el maestro apreciaba el inmenso talento de Liadov, pero echaba en falta disciplina en él. En un momento dado, incluso llegó a expulsarlo de sus clases por su lentitud.
Sin embargo, le fue fiel durante toda su vida. Así, se encargó de que Liadov obtuviera un puesto como profesor de armonía en el conservatorio. Liadov también le debía a Rimski-Kórsakov su posterior nombramiento como profesor de composición. Sin embargo, como compositor, no logró establecerse realmente debido a su holgazanería. Solo consiguió completar algunas obras de pequeño formato. Sin embargo, estas sorprenden por su gran calidad. Es el caso, por ejemplo, de las dos miniaturas Baba Yaga y Kikimora, basadas en cuentos rusos.
Rimski-Korsakov diría de él:
Anatoli Konstantinovich Liadov solo podía hacer lo que se sentía impulsado a hacer. Pero detrás de su catastrófica pereza se escondía una mente despierta, un buen corazón y un gran talento musical.
La imagen del cuento El lago encantado se sumerge en un mundo legendario, con campos sonoros impresionistas y suavemente resplandecientes. Como anotó Liadov, la idea en este caso no proviene de un cuento, sino que está inspirada en “un sencillo lago ruso en el bosque” cerca de su casa de verano, cerca de Novgorod. El compositor escribiría además:
¡Qué hermoso es el lago, qué puro, con estrellas y misterios en sus profundidades! Pero lo más importante es la ausencia de personas con sus alegrías y sus penas, una naturaleza muerta, fría, malvada, pero fantástica, como en un cuento de hadas.
La sofisticación sonora de las miniaturas orquestales de Liadov también llamó la atención del empresario de ballet Serguei Diaghilev. Por ello, le propuso componer la música para el ballet El pájaro de fuego. Una vez más, fueron las dudas de Liadov las que finalmente llevaron a Diaghilev a encargar la obra al joven Igor Stravinski.
La segunda obra de esta primera parte de la velada fue consagrada al Concierto para viola y orquesta de William Walton, con el varias veces laureado solista Antoine Tamestit. Contemporáneo de Benjamin Britten, aunque sin alcanzar su fama, compuso su Concierto para viola y orquesta en 1928. La idea de un gran concierto para viola surgió del director Thomas Beecham, quien sugirió a William Walton que escribiera una obra para el famoso violista Lionel Tertis que pudiera competir con los conciertos para violín.
Walton terminó la composición en 1929, pero Tertis no se sintió capaz de interpretarla, por lo que el estreno corrió a cargo de Paul Hindemith, nada menos, quien la admiró suficientemente como para tocarla por primera vez en público el 3 de octubre de ese mismo año en Londres, durante los conciertos Proms del legendario Queen's Hall. Tertis lo tocaría más tarde a menudo. La obra sigue siendo un rareza en los programas alemanes, no por su calidad, sino por la escasez de violistas de talla mundial...y/o de directores de orquesta dispuestos a arriesgarse en lugar de ir a lo seguro.
El concierto para viola de Walton está considerado como uno de los grandes del repertorio y el primero del siglo XX para ese instrumento. Es una obra lírica y heroica a la vez de estilo posromántico, en la que se aprecia una escritura orquestal casi cinematográfica, de una inventiva constante y magistralmente concebida para la viola.
En esta muy refinada interpretación, Antoine Tamestit toca esta tarde su Stradivarius “Gustav Mahler” de 1672 (primera viola construida por Antonio Stradivari), cedida por la Fundación Habisreutinger de Suiza.
Dos movimientos bastante contenidos enmarcan uno más vivo. El primer movimiento, I. Andante comodo – Con spirito – Lento, que comienza ppp, fue cautivador desde sus líricos compases iniciales, compartidos entre la viola y el oboe, hasta su cuasi cadencia con trémolos de cuerda. La parte solista es extremadamente variada en todo el registro. La viola impone una línea sinuosa antes de que el discurso se anime.
Hubo más efervescencia por su parte en el Scherzo, II. Vivo, con (la precisión diamantina que exige su indicación) molto preciso. Tamestit se mostró brillantemente atractivo en las sincopas danzantes y las dobles cuerdas de sus exigentes solos, surfeando sobre una brillante orquesta en un intercambio lleno de sorpresas y aceleraciones repentinas a un ritmo irresistible. Walton es uno de los pocos compositores capaces de escribir música profunda y juguetona a la vez; y la directora Marie Jacquot pareció reafirmar esa virtud incluso con los gestos expresados por sus propias manos.
La directora condujo el complejo final, III. Allegro moderato – Animato – Risoluto – Allargamente – a tempo – largamente, con un sentido seguro de hacia dónde se encaminaba la música. La viola y el contrafagot dialogaban de forma melodiosa y animada. El material anterior había estado repleto de nostalgia. Mas en este poético pasaje los temas fascinaban sobremanera a los espectadores. En el largo y agridulce envío, el timbre vocal de su viola se volvió profundamente elegíaco.
Un largo pasaje orquestal más vivo preludiaba una conclusión en tono confidencial en el canto solista. En fin, se trata de una bella partitura que merece ser más conocida. Fue interpretada con una ejecución meditada y muy dominada por la Orquesta Sinfónica de la WDR bajo la dirección de Marie Jacquot.
Tamestit agradeció las ovaciones del público y las trasladó a todos los músicos del colectivo. Con la viola levantada ante él parecía mostrar ante la platea toda la poesía que hay encerrada en esa mágica caja. Solo pudo aplacar en parte los vítores de los espectadores con un bis: Flow my Tears, de John Dowland, para lo cual subió ágilmente tres escalones en el escenario hasta acercarse a la arpista de la WDR Sinfonieorchester, Emily Hoile, antes de tocar juntos, con mucha emotividad, la melodía de esta célebre pieza para voz y laúd.
La segunda parte de la velada fue consagrada exclusivamente a la música del ballet en un acto y cuatro cuadros Petrushka de Igor Stravinski. Estrenada en 1911 en el Théâtre du Châtelet de París por Pierre Monteux, forma una sucesión de imágenes que trata como una especie de collage, y no como una verdadera narración. Musicalmente anuncia más, La consagración de la primavera (1913) que se inscribe en la línea de El pájaro de fuego.
Estas imágenes, que incluyen una famosa melodía, “Tenía una pata de palo”, y diversos temas populares rusos, ofrecen un lenguaje nuevo y un expresionismo que anuncia la revolucionaria obra de 1913. Marie Jacquot se sitúa precisamente en esta línea, subrayando lo nítido que es el contorno, centrado en el timbre, dando casi la espalda a la melodía en favor del ritmo.
La directora toca aquí la versión revisada de 1947, que en comparación con la original requiere una orquesta reducida: tres flautas (la tercera flauta también como flautín), dos oboes, un corno inglés, tres clarinetes en si bemol (el tercero también como clarinete bajo), dos fagotes, un contrafagot, cuatro trompas en fa, tres trompetas en do y si bemol, tres trombones, una tuba, timbal, triángulo, platillos, bombo, tambor pequeño, pandereta, tam-tam, xilófono, celesta, arpa, piano y cuerdas.
De todas formas, se trata de una visión deslumbrante desde el inicio de la Feria de Carnaval (la Maslenitsa), con rasgos deliberadamente crudos, pero atravesada por episodios muy contrastados, como el llamado “Truco de prestidigitación” y su ingenioso solo de flauta, aquí con una lentitud calculada. En el segundo cuadro, “En lo de Petrushka”, la interpretación se detiene con gusto, en particular durante el breve solo de piano.
El siguiente cuadro, “En la habitación del Moro”, tiene algo aterrador en la danza de los instrumentos graves, entre ellos el contrafagot sobre el susurrante tintineo de los platillos. De la "Danza de la bailarina", Jacquot destaca el lado rítmicamente original por sus rupturas y su métrica variable, un anticipo de la entrecortada y primaria de La consagración de la primavera.
El regreso del bullicioso ambiente de la feria aporta un renovado clima lúdico en el que la “danza de las niñeras” y sus oleadas orquestales encajan de forma natural. Las demás danzas marcan sus diferencias, la “del oso”, a modo de juerga, la “de los cocheros y mozos de cuadra”, con una mecánica chirriante.
Porque aquí los matices se llevan al extremo, desde una visión que no rechaza el teatro. Algo que la WDR Sinfonieorchester maneja con brillantez, ya que hace suyo el sonido de esta música. El final de “La muerte de Petrushka”, que comienza tras un silencio prolongado, desarrolla su secuencia morbosa y cáustica.
Fue esta una ejecución comprometida, colorida y musicalmente muy bien lograda que fue ovacionada prolongadamente por el público, puesto espontáneamente de pie, en la gran sala auditorio de la Filarmónica de Colonia (Kölner Philharmonie).
El concierto fue transmitido en vivo y grabado por la televisión de la WDR (Radiodifusión del Oeste de Alemania). La grabación puede ser escuchada a través del Konzertplayer de la emisora de radio WDR 3 desde el 15 de junio de 2025 por 30 días.
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