La génesis de la era Kirill Petrenko al frente de la orquesta Berliner Philharmoniker, desde sus primeros conciertos como director invitado, ha quedado ahora plasmada en un nuevo álbum (caja de 4 CDs) del sello Berliner Philharmoniker Recordings con obras de Ludwig van Beethoven, Piotr Chaikovski, Franz Schmidt y Rudi Stephan.
La dirección de , ha revelado desde un principio una profunda introspección y un rechazo del patetismo en favor de un expresionismo controlado; esto es, un pulso que evita el exceso. Hay en este maestro una conexión casi paradójica entre el control técnico absoluto y una forma de entrega que va más allá de la conducción clásica.
El segundo de los discos comienza con la Sinfonía nº 7 en la mayor op 92 de Ludwig van Beethoven, un paradigma del ritmo, hasta el punto de que Richard Wagner la denominara “apoteósis de la danza”. Con la Berliner Philharmoniker, bajo la égida de Kirill Petrenko, la obra recibe una magnífica interpretación forjada a partir de una energía liberadora que impregna sus cuatro movimientos y un refinamiento instrumental extremo.
Desde el Vivace, que emerge de la lenta introducción (Poco sostenuto), Petrenko magnifica la escansión, como si se precipitara hacia un ideal de júbilo. El Allegretto, construido sobre un ritmo de marcha, es absolutamente ligero en las manos del director y las etéreas cuerdas de los Filarmónicos de Berlín, con su ostinato cautivador subordinado a una dicción majestuosa y el crescendo desarrollándose generosamente.
El Scherzo, ciertamente marcado como Presto, parece aún más rápido, ya que ofrece un irresistible efecto propulsivo, tomado a tal ritmo, que los dos tríos atemperan maravillosamente. El final, Allegro con brio, por supuesto, da la impresión de ser aún más rápido y es verdaderamente eufórico, culminando en una coda que roza la embriaguez, impresionantemente interpretada por esta fabulosa orquesta.
Esta interpretación, con sus tempos bastante rápidos, revela la importancia de la danza para la visión del director. Atempera la grandeza de estas páginas con genuina ternura. Ni que decir del destacado virtuosismo de la orquesta , evitando cualquier atisbo de brillantez.
La disposición espacial, colocando los violines primero y segundo a cada lado, las violas en el centro a la izquierda y los violonchelos en el centro a la derecha, permite un equilibrio perfecto de fuerzas, y la meticulosa atención de Kirill Petrenko a los violines segundos garantiza que el contrapunto finamente concebido de Beethoven se aprecie plenamente. La dulzura que extrae de las maderas (flautas, oboes, clarinetes y fagotes) es magia pura.
En una obra clásica tan conocida como la Sinfonía nº 9 en re menor op 125 de Beethoven, que viene a continuación en la segunda placa, Petrenko, como buen detective de la partitura, que nunca se conforma con medias tintas y busca obsesivamente la razón motívica de cada nota, desarrolla una energía rítmica musculosa que rompe con todos los viejos hábitos auditivos.
Esta interpretación se caracteriza por una energía indomable y ritmos sorprendentemente ágiles. Este nuevo álbum marca la culminación de un viaje fascinante. Se sabe que para su Novena Sinfonía, Beethoven se apartó de todas las convenciones formales habituales, introduciendo una mezcla completamente nueva de sinfonía y cantata.
No comienza con un tema definido, sino con una visión de génesis, de un caos primordial. Esta idea influye en toda la sinfonía. Kirill Petrenko aborda este Allegro ma non troppo con firmeza, con una energía impulsada por contrastes extremos de dinámica y tempo. La sección de desarrollo muestra una tensión inusual con estallidos de aceleración.
Para Petrenko, este movimiento participa de algo demoníaco, infernal, más que de una majestuosidad wagneriana. El scherzo Molto vivace, necesariamente interpretado aún más rápido para enfatizar la diferencia, es casi un trompo, y el pasaje sostenido del trío permite al escucha admirar la fina calidad instrumental de las maderas y la igualmente impresionante homogeneidad de las cuerdas.
Los timbales son agudos y resonantes, y el diálogo entre los instrumentos de viento-madera y la cuerda, con la trompa sonando distante, es bastante efectivo. La repetición es implacable, contundente, y el final abrupto.
El movimiento lento tiene algo en común con un coral religioso, donde se percibe el órgano como una especie de puntuación dentro de la melodía ascendente. La primera sección cantabile es interpretada con calma por Petrenko, profundamente involucrado por la sección de cuerdas y los instrumentos de viento madera que la acompañan.
La siguiente sección Andante ve la melodía del primer y segundo violín desplegándose casi con alegría, y las diversas frases siguen un toque más ligero, una característica ya mencionada. Acordes amplios y resonantes introducen una coda vivaz, concebida con un aire danzante. Se admira la gran transparencia de este soplo de aire fresco que permite a la obra respirar antes de su formidable conclusión.
Con respecto al final, Kirill Petrenko enfatiza su vocación como un "movimiento con variaciones", que encuentra su prefiguración en la Tercera Sinfonía. Los tempos se acercan inicialmente a la práctica convencional.
El enfoque muestra cierta claridad y evita la grandilocuencia, permitiendo apreciar una vez más la magistral obra instrumental de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Es entonces cuando la visión del caos se reintroduce como un puñetazo, y el tema que anuncia la Oda a la Alegría, retomado por los contrabajos y los violonchelos, se extiende en una especie de distancia evocadora.
Pero el ritmo frenético vuelve a tomar el control, fuertemente acentuado. Mientras que muchos directores irradian soberanía a través de la distancia, Petrenko actúa como un gran maestro de las artes marciales del sonido, con totalidad física, en lugar de espectacularidad. Sus movimientos cuando dirige no son meras señales, sino un uso gimnástico de todo el cuerpo, desde los ojos hasta la punta de los pies. No se trata de vanidosos saltos, sino de actos de sumisión total a las exigencias de la música.
La imponente masa de la conclusión coral permite apreciar la excelente labor del Runfunkchor de Berlín, reproducida con perfecta claridad. Desde la entrada del tenor y la "música turca", el discurso avanza con una aceleración deslumbrante. No se detendrá hasta las páginas finales, dirigidas casi a un ritmo vertiginoso. El cuarteto de solistas ofreció interpretaciones muy respetables, a la altura de la fama de los artistas reunidos: la soprano Marlis Petersen, la mezzosoprano Elisabeth Kulman, el tenor Benjamin Bruns y el bajo Kwangchul Yuon.
Kirill Petrenko evita a toda costa la trampa del sentimentalismo, como ocurre en las obras de Gustav o de , que a menudo se ahogan en el patetismo. El director adopta un enfoque radicalmente antisentimental en la Sinfonía nº 5 en mi menor op 64 y en la Sinfonía nº 6 , en si menor op 74 “Patética” de Chaikovski que siguen a continuación en los CD 3 y 1 respectivamente.
Su enfoque es persistente, lo cual es positivo, ya que en esta sinfonía en particular, su preocupación por una articulación limpia, precisa pero intensa es justo lo que se necesita. Es un placer escuchar el tono pulido y equilibrado de la Orquesta Filarmónica de Berlín. La reproducción del sonido es muy buena. Esta Quinta de Chaikovski es una interpretación musicalmente intencionada.
Petrenko presta mucha atención a la estructura y solo frena o acelera donde el compositor lo indica. Sin embargo, no hay parsimonia en su interpretación, una de las más impresionantes del mundo. La Berliner Philharmoniker tocó por primera vez esta sinfonía el 14 de octubre de 1895 bajo la dirección del legendario Arthur Nikisch.
La lenta introducción es oscura y fluida; el cálido y suave toque de las cuerdas es encantador, aunque los clarinetes desaparecen brevemente detrás de ellas en el segundo párrafo. El director anima el cuerpo del primer movimiento con pequeños acentos, en su mayoría no marcados, que dan sentido y forma a las frases, y mantiene los ritmos alegres. Kirill Petrenko inicia la codetta de la exposición en con sutil elegancia y le da forma con sensibilidad.
La impetuosidad que resulta natural para muchos otros directores no parece formar parte del carácter de Petrenko. Aun así, los tempos no son lentos, solo algo moderados. Permiten texturas limpias y un tono cantarín.
Sin embargo, una deliberación suave similar da sus frutos en los dos últimos movimientos. El vals está teñido de gracia. La mezcla de fagot y clarinetes es encantadora. Además, las figuras apresuradas de la sección del trío tienen un buen punto y empuje. El Finale es admirable: afirmativo al principio, nítido y optimista en el Allegro, sin tonterías de ralentizar el tema del lema.
El regreso culminante de este es firme y marcial. Petrenko no puede hacer mucho con la coda, pero resulta menos embarazosa de lo que suele ser y avanza hacia el final con elegancia. Lo que también sorprende es que valora plenamente las regiones de la partitura que más se asemejan a los grandes ballets, así como los grandes desarrollos sinfónicos de apasionada efusión.
En el singular arte interpretativo de Petrenko hay democracia sonora a través de la diafanidad: rompe la jerarquía tradicional del sonido orquestal separando las líneas de tal manera que los contrapuntos emergen de forma natural, en lugar de fusionarse en un denso sonido (como en la era de Herbert von Karajan, entre 1956 y 1989). Cultiva un entramado tipo tapiz de colores y texturas que contrarresta la expectativa de un sonido puramente monumental.
La última sinfonía de Chaikovski, la “Patética”, la del sufrimiento, clama una angustia casi inimaginable. Se inventó la fábula de que por sus inclinaciones homosexuales, círculos del Conservatorio de Moscú le habrían aconsejado suicidarse para evitar un escándalo por su romance con un joven de la nobleza rusa. De tanto en tanto surgen nuevas teorías sobre su muerte, la más probable es la de la infección por cólera, acaecida nueve días después del estreno que él mismo dirigió de esta Sexta Sinfonía en San Petersburgo el 28 de octubre de 1893.
El escucha disfruta muchísimo de esta magnífica versión, en la que Petrenko deja su impronta inconfundible. El expansivo primer movimiento, Adagio – Allegro non troppo – Andante – Allegro vivo – Andante come prima, está maravillosamente controlado y es sumamente vibrante, con los temas principales en su justo lugar sin resultar excesivamente grandilocuentes.
El sonido oscuro de la orquesta, sirve muy bien a la introducción del Adagio, convirtiéndola en un gemido visceral de desesperación, avivado por silencios extraordinariamente elocuentes. Tras el Allegro la construcción es bellamente equilibrada y a través de una sincera angustia llega a un clímax sorprendentemente sostenido, con los metales abriéndose paso a través del aparente caos. Cuando regresa el lírico segundo tema, transformado en un efecto más tranquilo, se siente como si la medicación finalmente estuviera haciendo efecto.
En el segundo movimiento, Allegro con grazia, el famoso vals enfatiza el hipermetro de las frases de dos compases, evocando al principio una elegancia cortesana más que una fisicalidad nerviosa. La inquietud se traslada al desesperado segundo tema, respaldado por repetidas notas de timbales que sugieren un corazón que late demasiado rápido. El tercer movimiento, Allegro molto vivace, es precipitado y frenético, más que festivo, evocando un autoengaño febril. Las maderas agudas, apagadas durante gran parte del concierto, acentúan su intensidad para añadir un brillo algo más refulgente.
Lo asombroso, y novedoso para Chaikovski, es el movimiento final, Adagio lamentoso, que ya no busca triunfar majestuosamente sobre el final de la sinfonía, como una conclusión representativa. Esta vez, se detiene en dos enormes y fatalistas oleadas de crescendo, precipitándose ineludiblemente hacia el final, una confesión postrera cuyo clímax es el silencio tras su conclusión.
Cabe agregar que con un conjunto del calibre de la Filarmónica de Berlín, siempre fabulosamente cohesivo, el pulido sonoro, en el sentido de la perfección instrumental, influye inevitablemente en la interpretación. Con Petrenko, la tensión se mantiene constantemente contenida y se eliminan los excesos, salvo algunos estallidos ocasionales de tempos rápidos.
Sin embargo, no se descuidan los contrastes, creando interesantes oposiciones. La dilatada experiencia de Petrenko con las óperas de Chaikovski, aporta una dosis extra de adrenalina, por no hablar de color, a interpretaciones de suprema claridad. Sobre todo, la impresión general sigue siendo de suprema distinción.
Escrita en 1933, la Sinfonía n.º 4 de Schmidt refleja un contexto personal trágico, la pérdida de su hija. Será el canto del cisne del músico, al menos en la orquesta. Quizá la obra también marque el fin del género de la gran sinfonía en Austria. El modo introspectivo, inducido por lo que el músico denomina «Réquiem por mi hija», sigue requiriendo una rica orquestación a lo largo de sus cuatro movimientos, interpretados de forma encadenada y con una construcción simétrica.
Introducido por un solo de trompeta, el primer movimiento, Allegro molto moderato, ve cómo se instala un segundo tema muy expresivo de tipo húngaro, sustentado por una escansión lancinante del bombo, que desprende un dramatismo innegable. El discurso se complica hasta la aparición de un solo de corno inglés que anuncia una sección lírica que se amplía hasta alcanzar un clímax.
Esta sección, marcada como Passionato, tiene el aroma de un final anunciado. De forma tripartita, el Adagio encadena un solo melódico de violonchelo que se amplía al conjunto de violines y a los instrumentos de madera, seguido de una grandiosa marcha fúnebre y, finalmente, el regreso del canto del violonchelo.
El Molto vivace es un momento de buen humor, saltarín como el de la tercera sinfonía del mismo compositor. El final, Tempo primo (Allegro molto moderato) un poco sostenuto, retoma los elementos del primer movimiento, en un proceso inverso. El dolor parece dar paso a cierta esperanza, la tensión retrocede hasta su punto de partida para desvanecerse en el mismo solo de trompeta.
Kirill Petrenko y la Berliner Philharmoniker, aportan su experiencia a esta música de sonidos exuberantes que puede conducir a la compacidad en sus pasajes más complejos. Petrenko sabe mantener la cabeza fría y evitar ese escollo. Es bien conocida la larga trayectoria de esta formación en el gran repertorio romántico tardío. Sus interpretaciones, que se benefician de la espontaneidad del directo, muestran un trabajo extremadamente preciso de la pequeña armonía y del conjunto de cuerdas suntuosas. Y un sonido que se presta especialmente bien para la grabación discográfica.
El maestro Kirill Petrenko afirma en el folleto que acompaña al álbum:
Conozco la Cuarta sinfonía de desde mis días de estudiante en Viena. Es una de mis piezas favoritas y una de las que, injustamente, rara vez se interpretan. Para mí, Schmidt es una especie de antípoda de Gustav Mahler y, al igual que la de Chaikovski, su música tiene un aspecto muy personal. La Cuarta es similar a una sinfonía de despedida, casi un réquiem instrumental. El solo de trompeta con el que comienza y termina ha sido descrito por Schmidt como «la última música para llevar al otro mundo». Quería presentar esta obra lo antes posible a la orquesta, que no la había interpretado en décadas, así como al público berlinés. Me complace que esta edición también ofrezca a otros amantes de la música la oportunidad de escucharla.
Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), compositores alemanes, franceses e ingleses, involucrados o no en esta mortífera conflagración, se esforzaron al máximo por componer canciones, melodías y Lieder. En el CD nº 1 Kirill Petrenko presta un vívido testimonio de ello al frente de la Orquesta Filarmónica de Berlín, demostrando que, pese a la barbarie de la monstruosa lucha, el pensamiento musical aún podía expresarse.
Y permite al oyente descubrir a un auténtico talento, cuya obra se perdió durante la guerra en 1915: el compositor alemán Rudi Stephan. Aunque falleció a la temprana edad de veintiocho años, Stephan dejó un impresionante catálogo de obras, que incluye no solo música de cámara, sino también piezas orquestales (Música para Orquesta n.º 1, Música para Orquesta n.º 2 y, sobre todo, una ópera de 1914: Los Primeros Hombres).
No caer en el olvido
Este disco demuestra generosamente que incluso en los momentos más oscuros de sus vidas (ya que algunas de estas obras fueron compuestas en el frente), los soldados que participaron en la Gran Guerra encontraron dentro de sí mismos los recursos para componer música.
Kirill Petrenko afirma en el referido folleto:
es otro compositor que considero muy importante, pero muy poco conocido y apreciado. Cuando murió como soldado en la Primera Guerra Mundial a la edad de 28 años, una de las carreras compositoras más prometedoras de principios del siglo XX llegó a su fin abruptamente. Lamentablemente, solo había logrado completar unas pocas obras, pero todas ellas son de la más alta calidad. Espero que su nombre y su música no caigan en el olvido.
Estas interpretaciones se reproducen con una grabación sonora superlativa (entre 2012 y 2019), realizada por el ingeniero de sonido René Möller en la Filarmónica de Berlín, con un relieve sonoro sorprendente, que mantiene las proporciones reales en la disposición de los planos, sin centrarse en ningún instrumento en particular. Una gran oportunidad para apreciar una vez más hasta qué punto la excelente acústica de esta mítica sala es un reflejo fiel.
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