El Cuarteto Varian Fry fue fundado en 2013 por miembros de la Filarmónica de Berlín y, desde entonces, se dedica al repertorio para cuarteto de cuerda, la disciplina reina de la música de cámara. El conjunto se honra en llevar el nombre del periodista estadounidense Varian Fry, quien dirigió una red de rescate en la Francia de Vichy, desde agosto de 1940 hasta septiembre de 1941, que ayudó a 2.000 refugiados antinazis y judíos —en su mayoría artistas e intelectuales— a escapar de la persecución de la Alemania nazi (bajo el régimen racista, genocida y antisemita de Adolf Hitler) durante la Segunda Guerra Mundial.
El recital de esta tarde comenzó entre efusivos aplausos con las preciosas Cinco fugas para cuatro voces del Clave bien temperado de Bach, parte 2, K. 405 de Wolfgang Amadé . En 1782, Mozart llevó a cabo un estudio exhaustivo de la música de Johann Sebastian y de Friedrich y, además de obras maestras contrapuntísticas originales como la Misa en do menor, K. 427, realizó arreglos de oratorios de Händel, así como las presentes transcripciones para cuarteto de cuerda.
Estas se cuentan entre los ejemplos más bellos de los estudios de contrapunto y fuga de Mozart en Viena, junto con los arreglos que también realizó para cuerda a tres y cuatro voces de obras de . Evidentemente, Mozart se inspiró en ellas para componer sus propias obras de este género: la Fuga para dos teclados K. 426 y el famoso Adagio y fuga en do menor K. 546. Las Cinco fugas para cuatro voces, un homenaje a Bach de la mano de Mozart, fueron excelsamente interpretadas por el Varian Fry Quartett y muy aplaudidas por el público, como se puede apreciar en la transmisión de la plataforma Digital Concert Hall de la Filarmónica de Berlín.
Tal vez, lo que unió a las tres obras tan dispares desde el punto de vista estilístico incluidas en el programa de esta velada, es la expresión de un deseo insatisfecho y, quizá, imposible de satisfacer. El Cuarteto nº 8, op 110 de Dmitri , que vino a continuación, el cuarteto más emblemático del compositor, comienza con un Largo melancólico. El Allegro molto que le sigue posee una cierta fuerza dramática. El tercer movimiento (Allegretto) permite a Shostakovich hacer referencia a algunas obras del pasado y emplea discretamente cierta ironía. Un regreso al dramatismo con el siguiente Largo, de tono particularmente sombrío. El quinto y último movimiento (también un Largo) evoca las ansiedades y la oscuridad del Largo precedente.
Shostakovich compuso su octavo cuarteto en 1960, en las cercanías de Dresde. Se encontraba allí para el rodaje de la película soviética Cinco días y cinco noches, cuyo objetivo era documentar la destrucción de la ciudad durante la Segunda Guerra Mundial. Las entrevistas realizadas a testigos presenciales le impresionaron tanto que compuso el cuarteto en solo tres días y lo dedicó a las víctimas de la guerra y del fascismo.
La obra es una pieza clave del antifascista Shostakovich, quien consideraba toda su obra como un homenaje fúnebre a las víctimas. Al mismo tiempo, estaba destinada a ser su propio réquiem. Contiene una gran cantidad de citas de obras anteriores (la 1ª y la 5ª sinfonías, el 2º trío para piano, así como el 1º concierto para violonchelo, y la ópera Lady Macbeth de Mtsensk). Además, todos los movimientos se basan en un motivo que forma el lema, compuesto por las iniciales (en idioma alemán) del compositor: D(E)S C H.
El cuarteto se estrenó el 2 de octubre de 1960 en la Sala de Conciertos Glinka de Leningrado. Lo interpretó el ya legendario Cuarteto Beethoven (Dmitri Tsyganov, Vasili , Vadim y Serguei Shirinsky). La partitura autografiada se conserva en el Archivo Estatal Ruso de Literatura y Arte (RGALI) de Moscú.
La obra comienza con un fugato lento sobre el tema del lema. Este vuelve a aparecer al final casi sin cambios, de modo que se crea una estructura en forma de arco de cinco partes. Tras la exposición de la fuga, el tema aparece de forma sorprendente en un solemne modo menor. Este contraste entre formaciones atonales y disonantes y la tonalidad pura caracteriza toda la obra. Otros temas del primer movimiento son las escalas cromáticas, un motivo de cuarta y una cita de la 5ª sinfonía.
El segundo movimiento se caracteriza por una extrema dureza sonora. No es difícil interpretarlos como metáforas de la violencia fascista: a lo largo del movimiento, todos los temas del primero, incluido el lema, se deforman brutalmente. Solo un canto fúnebre judío del final del Trío para piano en mi menor parece protestar.
Al estilo de un scherzo de Gustav Mahler, el lema se transforma en el tercer movimiento en un vals irónico lleno de banalidades. De nuevo, la sección central establece un contraste atmosférico. Las escalas cromáticas en quintas paralelas se ciernen sobre una melodía de violonchelo.
En el cuarto movimiento, Shostakovich compuso su himno fúnebre para las víctimas. Los acordes percusivos evocan la imagen de una ejecución. El compositor conocía de sobra el escenario de las ejecuciones masivas bajo el régimen de Hitler y del sanguinario dictador Iosif Stalin. Las notas largas del primer violín, desarrolladas a partir del scherzo, se extienden de forma opresiva sobre el movimiento. En la sección central, estas notas dan paso a un canto fúnebre en do sostenido menor, sobre el que se eleva una melodía del violonchelo dolce en el registro más agudo.
A partir de fragmentos, el lema vuelve a surgir gradualmente. En el finale se somete a una extensa fuga con tema contrario, antes de que retorne el fugato del primer movimiento. Al final, de carácter inequívocamente programático, aparece una disonancia que se disuelve moribunda (morendo). El Octavo Cuarteto de Shostakovich es hoy en día una de las obras de cámara más populares; una música muy directa y dramática, con una secuencia de movimiento de creciente intensidad, que el Varian Fry Quartett aborda magistralmente.
Algunas frases más sobre Varian Fry para testimonio del coraje mostrado por este periodista y luchador por la libertad en aquellos tenebrosos tiempos en Europa. Fry pasó trece meses dirigiendo una operación de tráfico de refugiados; acción audaz, de alto riesgo y muy celebrada en el sur de Francia, en la que participó un elenco estelar de Kulturträger [portadores de la cultura], entre los que se encontraban el científico Albert Einstein y los artistas Marc Chagall y Max Ernst, así como el escritor André Breton y la filósofa Hannah Arendt.
Sus actividades, ilegales según las leyes (títere) de la Francia de Vichy, contrarias a las políticas del gobierno de Estados Unidos y a las que se oponían muchas de las demás organizaciones de ayuda a los refugiados en Francia, provocaron su expulsión y la ruptura de relaciones con él por parte de su organización, el Emergency Rescue Committee (Comité de Rescate de Emergencia).
Fry fue el primero de cinco estadounidenses en ser reconocido como Justo entre las Naciones, un título honorífico otorgado por el Estado de Israel a personas no judías que salvaron la vida de numerosos judíos y refugiados antinazis durante la Segunda Guerra Mundial.
La segunda parte del concierto fue consagrada por el Varian Fry Quartett y la destacada soprano Anna Prohaska al Cuarteto nº 2, op 10 (1907-1908), de Arnold , una obra de profunda convicción, así como de transición entre su periodo tonal y la fase denominada expresionista de atonalidad, que aquí ilustran de manera singular los dos últimos movimientos.
Esta pieza fue una de las más revolucionarias hasta aquella fecha. En plena transición hacia su estilo experimental, los dos primeros movimientos utilizan armaduras tradicionales, aunque presentan un colorido altamente cromático. Las dos secciones finales, poco habituales, son casi totalmente atonales e incorporan poesía de Der siebente Ring (El séptimo anillo) de Stefan George, en una línea vocal para soprano. Así, se encuentra un paralelismo con la Segunda Sinfonía de Gustav Mahler, que también incluye partes vocales en sus dos últimos movimientos.
En este expresivo Segundo cuarteto de cuerda, Schoenberg abordó una grave crisis matrimonial. Las palabras de la canción popular citada con humor sarcástico en el scherzo, Oh, du lieber Augustin, alles ist hin (Oh, querido Agustín, todo está perdido), pueden interpretarse, por un lado, como una referencia a la referida crisis —el compositor se había enterado de la relación de su esposa Mathilde con su amigo, el pintor Richard Gerstl, quien acabó suicidándose— y, por otro, como una referencia a la tonalidad de la que Schoenberg se va distanciando cada vez más a medida que avanza el cuarteto.
La voz de Prohaska, con el poema de George, aporta a la obra una fuerte intensidad adicional. De hecho, tras un inicio Mässig (moderado) que aún se adhiere a la forma sonata y un scherzo amargo, marcado como Sehr rasch (muy rápido), cuya gran agitación causó escándalo en el estreno en diciembre de 1908 (a cargo del renombrado Rosé Quartett y la famosa soprano Marie-Gutheil-Schoder), el cuarteto incorpora una quinta voz cantada durante dos secuencias más moderadas. Se trata claramente de un adiós tanto a la tonalidad como a un mundo ya pasado. La voz de la soprano proclama:
Ich fühle Luft von anderem planeten. Mir blassen durch das Dunkel die Gesichter / Die freundlich eben noch sich zu mir drehten.
Siento el aire de otro planeta. A través de la oscuridad se me aparecen los rostros / que hace un momento se volvían amablemente hacia mí.
Esta primera, Litania, oración de un peregrino que pide a Dios que alivie sus sufrimientos, lleva la voz al límite en una forma de variaciones cada vez más tensas; este penúltimo movimiento, Langsam, que invita a la reflexión, es tranquilo y apacible, en un contraste cautivador con los oscuros truenos de intensa pasión.
El movimiento final, Sehr langsam, titulado Entrückung (Éxtasis), es etéreo y misterioso; como si representara la partida desde la Tierra hacia otro planeta; pasa de lo inmaterial de los violines I y II en la introducción a una especie de diálogo iniciado por la voz de la soprano con un aumento de intensidad. Da la sensación de ser una niebla flotante que va aumentando en densidad y peso.
En la coda, una sensación de suave cansancio impregna la atmósfera. Los tonos expresivos de la solista Anna Prohaska seducen y deleitan a la vez. Un largo postludio instrumental devuelve la calma. En este contexto, el verso del poema de George que canta la soprano en este final, parece anunciar un nuevo tipo de música.
La tormenta de indignación que provocó el estreno, entre carcajadas y protestas, mostraba a las claras que el público de la época aún no estaba preparado para este cambio de aires. Un segundo concierto, celebrado apenas unos meses después, suscitaría una reacción diferente y serena por parte de muchos seguidores. A pesar del temor inicial de la gente ante lo nuevo, ahora se apreciaban la imaginación, el colorido y la profundidad de la obra de Schoenberg.
El posterior lenguaje expresionista atonal y libre de Schoenberg coincidía con el espíritu de la época, ejemplificado por los pintores Vasili Kandinski, Gustav Klimt y Oskar Kokoschka, el poeta Stefan George, el médico neurólogo y padre del psicoanálisis Sigmund Freud, así como el filósofo y matemático Ludwig Wittgenstein. Su camaradería vienesa fue un crisol de efervescencia intelectual y artística, con un diálogo muy estimulante entre disciplinas.
Arnold Schoenberg consideraba a Mozart uno de sus mayores modelos a seguir; en una ocasión afirmaría que había aprendido a componer cuartetos de cuerda del compositor de la Primera Escuela de Viena. Dado que este concierto incluyó arreglos de Mozart de obras de Bach, el programa ofreció una perspectiva de la historia de la música que abarcó desde el Barroco hasta la era moderna posterior a la Segunda Guerra Mundial.
Las aclamaciones del público asistente al concierto fueron tan impresionantes que, a pesar de que la extraordinaria interpretación de Schoenberg fue tan emotiva y no dejaba lugar para una obra más, Anna Prohaska anunció excepcionalmente un bis: el Lied Was will die einsame Träne (Qué quiere la lágrima solitaria) del ciclo Myrthen op 25, nº 21, escrito para piano por Robert Schumann sobre un poema de Henrich Heine) y arreglada para cuarteto de cuerda y soprano por el compositor Aribert Reimann. La memorable velada concluyó entre muchas más contundentes ovaciones y sonoras exclamaciones de aprobación de la platea.
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