La amplia colección (cinco cajas, tituladas respectivamente: ''Sinfonia'', ''Orchestra'', ''Camara'', ''Voce'' y ''Teatro''), sin pretender ser exhaustiva, constituye un impresionante testimonio de una versatilidad en la que se refleja la apertura al mundo de , tanto desde el punto de vista histórico-cultural, como político y social, así como formal y compositivo.
La edición, que cuenta con el amable apoyo de la Fundación Strecker y la Fundación Hans Werner Henze, se está publicando sucesivamente en estos meses. Ya han salido las dos primeras cajas antes mencionadas.
Esta recopilación reúne casi todas las grabaciones -algunas de ellas agotadas- que se publicaron por el sello WERGO, en parte bajo la supervisión de Hans Werner Henze en persona. La última caja, ''Teatro'', contendrá obras escénicas, entre ellas una grabación inédita hasta la fecha de Der Prinz von Homburg (El príncipe de Homburgo), con libreto de la poetisa y escritora Ingeborg Bachmann, basado en el drama homónimo de Heinrich von Kleist, que se estrenara en la Ópera de Hamburgo el 22 de mayo de 1960.
Casi 50 años separan la composición de la Primera sinfonía de Hans Werner Henze, en 1947, de la Décima, que se completó con el cambio de milenio. Las referencias literarias y políticas abarcan un amplio abanico, que va desde los mitos de la Antigüedad, pasando por la Revolución cubana, hasta la Novena, una gran sinfonía coral sobre La séptima cruz'de Anna Seghers; obra tras obra, se puede seguir la evolución de Henze como compositor hasta alcanzar la sublime soberanía de su obra tardía. Con sus diez sinfonías, Henze creó uno de los ciclos sinfónicos más monumentales del siglo XX.
Ni bien el oyente abre la caja de Orchestra y coloca el primer disco en el reproductor, recibe una grata sorpresa inicial de esta bella colección: las Ballett-Variationen. Handlungsloses Ballett für großes Orchester (Variaciones de ballet. Ballet sin argumento para gran orquesta), de 1949, una de las primeras obras orquestales de Henze. Un año antes, Henze había quedado cautivado por una serie de producciones de Frederick Ashton a cargo de la compañía londinense Sadler’s Wells Ballet, representadas en Hamburgo.
Estas —las Scènes de ballet de Igor y las Variaciones sinfónicas de — fueron una importante fuente de inspiración para la obra de Henze. La parte virtuosa para piano solo de la partitura de Henze constituye un homenaje a Franck. En 1992, Henze revisó las Variaciones de ballet y volvió a reescribirlas en 1998; esa es la versión que se escucha ahora en esta grabación.
El estreno de la obra original tuvo lugar en 1949 en Düsseldorf, mientras que la versión de 1998 se estrenó ese mismo año en Berlín con la Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin bajo la dirección de Giuseppe Mega. En seis movimientos contrastados, el primero, marcado como Allegro con brio, contiene un gran impulso hacia adelante junto con arrebatos de acción furiosos y chirriantes.
El piano domina el breve segundo movimiento, ''Allegretto con grazia'', con sus ritmos orquestales oscilantes. Los metales, audaces y furiosos, someten al breve ''Vivace'', que presenta una fuerte presencia percusiva con figuras arremolinadas de las maderas. El cuarto movimiento, marcado como ''Allegramente'', consiste en una escritura ligera, tranquila y agradable que va ganando peso y volumen de forma agresiva.
El quinto movimiento, ''Valse lente'', es una especie de vals inquietante con un trasfondo turbador. El ''Finale. Allegro maestro'', de cinco minutos y medio de duración, es el movimiento más largo y se abre con una sugerente llamada de trompeta. Se trata de una música fresca y al aire libre, de carácter inquisitivo, con una parte de piano destacada entre los minutos 03:31 y 04:14. La composición va ganando en intensidad y tensión a medida que se acerca a su dramático final.
El Concertino für Klavier und Blasorchester mit Schlagzeug, que sigue a continuación, es una obra temprana compuesta en 1947. Henze afirmaba que la idea le surgió durante un trayecto en tranvía por Stuttgart. Se inspira en Darius Milhaud, Henri Sauguet y Francis Poulenc. El estreno tuvo lugar en octubre de 1947 a cargo del pianista Carl Seemann y la Südwestfunk-Orchester, dirigida por Werner Egk, en Baden-Baden.
El primer movimiento, un Allegretto, es predominantemente ligero y alegre hasta el tramo comprendido entre el 1:24 y el 1:40, cuando el estado de ánimo pasivo se ve desplazado por un clímax dramático. Introducido y cerrado de forma llamativa por acordes graves y ásperos de los metales, el Allegro pesante central ofrece una música en gran medida agradable, salpicada de repentinas y bruscas ráfagas de energía.
A lo largo de toda la obra, el escucha puede tener la sensación de que la pieza describe paisajes vistos a través de la ventanilla durante un viaje en tren, con paradas incluidas en el trayecto. Con su apertura altamente percusiva y vigorosa, el Finale: Molto Vivace causa una gran impresión y va seguido de rápidas escalas en el piano de Christopher Tainton. No se trata de un concierto convencional en el que se le asigne al piano un papel altamente virtuosístico; la composición deja una impresión de música audaz, dominada por los metales y de considerable energía.
La siguiente obra tiene un título enrevesado y bastante poco atractivo: Das Vokaltuch der Kammersängerin Rosa Silber, Exercise mit Strawinsky. Ballettmusik über ein Bild von Paul Klee (El género vocal de la cantante de cámara Rosa Silber. Ejercicio con Stravinski. Música de ballet basada en un cuadro de Paul Klee). Se trata de una revisión de 1990 de una partitura de ballet de 1950.
Henze tomó el título del ballet de un cuadro de Paul Klee, Das Vokaltuch der Kammersängerin Rosa Silber (La voz de la cantante de cámara Rosa Silber), y se lo dedicó al compositor Boris Blacher. El estreno en concierto tuvo lugar en mayo de 1951 en el Titania-Palast de Berlín, con Ferenc Fricsay dirigiendo la RIAS-Symphonie-Orchester (RIAS, sigla de Radio in American Sector, en Berlín Occidental).
La primera representación del ballet tuvo lugar en octubre de 1958 en las Städtische Bühnen de Colonia, bajo la dirección de Siegfried Köhler. Henze revisó la partitura en 1990 añadiéndole el subtítulo Exercise mit Strawinsky. Ballettmusik über ein Bild von Paul Klee (Ejercicio con Stravinsky. Música de ballet sobre un cuadro de Paul Klee).
Fue el propio Henze quien dirigió al Parnassus Ensemble en el estreno de la versión revisada de 1990, en forma de concierto, en enero de 1991 en el Barbican de Londres. Dividida en seis secciones, esta obra es un mosaico de colores. Encanta al escucha, seguramente, la melodía del trombón al comienzo de la I. Introducción, seguida de tranquilas figuras de los instrumentos de viento-madera sobre las cuerdas.
Aunque tiene un aire ligeramente inquietante, se trata de una música preciosa. El II. Pas d’action se caracteriza por una escritura optimista y contrastes de estado de ánimo, mientras que las audaces y animadas III. Variationen a und b presentan marcados cambios de tempo.
En el IV. Intermède, las cuerdas, con un tono serio y oscuro, ocupan el centro del escenario y, en el minuto 1:35, suena una trompeta melancólica. En el V. Pas de deux prevalece un ambiente oscuro e inquietante, con atractivas melodías de los instrumentos de viento de madera que sirven para suavizar el carácter inquietante de la música. La audaz y animada VI. Conclusion está impregnada de desasosiego.
Otra obra temprana, el Kammerkonzert für Klavier, Flöte und Streicher (Concierto de cámara para piano, flauta y cuerdas), fue compuesta en 1946 y está dedicada al maestro de Henze, el compositor Wolfgang Fortner (autor de dos óperas basadas en Federico García Lorca: Bodas de sangre, 1958, y Don Perlimplín con Belisa en su jardín, 1962).
Henze se refería siempre al Kammerkonzert como ''mi primera composición más o menos exitosa''. Fue Fritz Straub quien dirigió la Orchester des Landestheaters Darmstadt en el estreno, celebrado en septiembre de 1946 en esa misma ciudad. Los solistas fueron Kurt Redel (flauta) y Carl Seemann (piano).
Agradablemente lírica y romántica, con un carácter claramente pastoral al estilo de Ralph Vaughan Williams, es muy poco probable que esta obra, si se escuchara a ciegas, fuera reconocida de inmediato por el oyente como de Henze. El movimiento inicial, I. Lebhafte Halbe, es atractivo, alegre y estimulante, con la flauta de Matthias Perl y el piano de Christopher Tainton alternándose en el protagonismo.
Un ambiente tranquilo y apacible se abre con el piano en el movimiento central, II. Rezitativ und Arie. En los tramos 1:07-2:04 y 3:22-4:20, una melodía bucólica verdaderamente hermosa de la viola solista pasa a primer plano por encima de las partes de piano y flauta. De forma traviesamente vivaz en el finale III. Sehr lebhaft, el piano recupera el protagonismo con la ayuda de la ágil parte de flauta.
La última obra de este disco nº 1 es Sinfonische Zwischenspiele aus dem lyrischen Drama ‘Boulevard Solitude’. En 1951, Henze compuso su drama lírico —u ópera— en un acto y siete escenas, Boulevard Solitude. El texto es de Grete Weil y se basa en la novela de 1731 ''Manon Lescaut'', de François Prévost.
Boulevard Solitude, la primera obra de Henze concebida íntegramente para el escenario, se estrenó en febrero de 1952 en el Landestheater de Hannover, bajo la dirección de Johannes Schüler. Henze afirmaba en aquel entonces que:
Me di cuenta de que la música producida por la voz y el cuerpo humanos tiene un impacto mucho más directo que el ballet.
Aquí se recogen los cuatro interludios sinfónicos (intermezzos), estrenados en 1952 en el Niederrheinisches Musikfest de Aquisgrán. Unos furiosos golpes de timbal dan inicio a la música de tonos oscuros del Intermezzo I. Esta pronto da paso a una belleza austera y a una calma silenciosa, aunque inquietante. El Intermezzo II evoca un cielo nocturno despejado, pero con un trasfondo desasosegado. Esto se convierte rápidamente en una ira plena, fuerte y contundente. La calma inicial nunca vuelve.
En el Intermezzo III, la escritura para cuerdas está impregnada de una sensación de presagio que amenaza con estallar en cualquier momento. Con auténtica determinación, el volumen va aumentando rápidamente en el Intermezzo IV, con los metales decididos y a la vanguardia. La pieza concluye con un clímax atronador y dramático. Las cinco partituras se grabaron para el sello WERGO en 2002/03 en el Rolf-Liebermann-Studio de Hamburgo. El escucha tiene aquí la oportunidad de disfrutar de un sonido agradable, claro y muy bien equilibrado.
El disco compacto nº 2 de Orchestra recoge cuatro obras que abarcan un periodo de cuarenta y seis años, desde 1955 hasta 2001. Abre este CD el Konzert für Klavier und Orchester, de tres movimientos, compuesto en 1950. Para entonces, Henze ya había escrito otras dos obras solistas para piano: el Kammerkonzert für Flöte, Klavier und Streicher (Concierto de cámara para flauta, piano y cuerdas) de 1946 y el Concertino für Klavier und Blasorchester mit Schlagzeug (Concertino para piano y orquesta de vientos-metales con percusión) de 1947. En aquella época, Henze decía haber estudiado en profundidad y haberse visto influido por el Concierto para piano de Arnold , de 1942.
El pianista Noel Mewton-Wood, a quien está dedicada la obra, la estrenó en septiembre de 1952 (apenas siete años después de concluida la Segunda Guerra Mundial) en Düsseldorf con la Orquesta Municipal de esta ciudad, dirigida por el propio compositor.
El movimiento inicial, ''Entrée'', es profundamente lírico, y el pianista Christopher Tainton, con gran seguridad, tiene que abrirse paso a menudo a través de un muro de sonido orquestal denso e impetuoso. Con más del doble de duración que los movimientos extremos, el ''Pas de deux'' se adentra en un misterioso mundo sonoro en el que el piano corre, en ocasiones, el peligro de verse engullido por la potencia de la orquesta. El ''Finale: Coda'' contiene una música tormentosa de energía arrolladora que evoca la imagen de un águila surcando paisajes en constante cambio.
Los Drei sinfonische Etüden für großes Orchester (Tres estudios sinfónicos para gran orquesta), que vienen a continuación, se estrenaron en su primera versión en febrero de 1956 a cargo de la Sinfonieorchester des Norddeutschen Rundfunks de Hamburgo (NDR), bajo la dirección de Jean Martinon. En 1964, Henze revisó la partitura, que fue interpretada ese mismo año en los Maida Vale Studios de Londres por la Orquesta Sinfónica de la BBC, bajo la batuta del propio compositor.
Henze emplea técnicas seriales ampliadas, pero no de forma rígida y su uso se describe en las notas del compositor ''como una gramática con la que se puede trabajar de forma creativa y libre''. El estilo puede resultar impenetrable para quien escuche por primera vez la música de Henze. Mas una vez que se introduzca de lleno en ella y le dedique la atención necesaria se sentirá recompensado.
El primer movimiento (Echos) se adentra en un mundo sonoro misterioso y bastante inquietante. Llaman la atención los bloques sonoros cambiantes y la amplia gama dinámica. La escritura resulta especialmente compleja en el segundo movimiento (Stimmen), con su notable acumulación de tensión. En el revuelto tercer movimiento (Rufe) destacan especialmente los cambios inesperados de tempo y la amplia gama dinámica.
Henze compuso sus Quattro Poemi für Orchester entre 1954 y 1955, mientras trabajaba en su ópera König Hirsch (El rey ciervo). La obra se estrenó en mayo de 1955 en Fráncfort del Meno, a cargo de la Sinfonie-Orchester des Hessischen Rundfunks (HR, la Radio de Fráncfort) bajo la dirección de Leopold Stokowski. Era una época en la que , nacido en Londres, estaba de gira por Alemania enseñando a orquestas y públicos sobre la música alemana contemporánea.
Hans Werner Henze recordaba que ni siquiera llegó a conocer a Stokowski, ya que estaba totalmente absorto en su labor docente en la escuela de verano de Darmstadt. Más tarde, Henze escuchó una grabación de la interpretación y consideró que Stokowski no había entendido la obra en absoluto. Los cuatro poemas no son programáticos, pero los títulos sugieren un elemento descriptivo.
El primer poema, titulado ''Elogio'', presenta una austeridad serena, mientras que el segundo (''Egloga'') es principalmente audaz, con un sonido de metales y, a menudo, dramático. El tercer poema (''Elegia''), en general tranquilo, contiene un trasfondo turbador. El cuarto poema (''Ditirambo''), con su universo sonoro bastante denso, destaca por sus pasajes fuertes en los que predominan los metales.
Las dos últimas partituras se grabaron en 1999 en el Studio 10, de la NDR Funkhaus Hamburg (casa de la radio); la primera en 2001 en el mismo estudio. Los excelentes ingenieros de sonido de esta casa siempre han destacado por lograr un sonido satisfactorio, claro, inmediato y bien equilibrado.
La obra Antifone für 11 Solostreicher, Bläser und Schlagzeug de Henze, que cierra este disco, fue compuesta entre 1959 y 1960, inmediatamente después de la ópera Der Prinz von Homburg de 1958-1959. En esta pieza, Henze vuelve al atonalismo y lo hace con una gran rigidez estructural. Se esfuerza por crear contrastes antífonos mediante una disposición inusual de los músicos en el escenario y potenciando los diversos colores de los instrumentos.
El estreno tuvo lugar en enero de 1962 en Berlín, a cargo de la orquesta Berliner Philharmoniker bajo la dirección de su dedicatario, Herbert von Karajan. Presentada aquí en un único movimiento, ''Antifone'' se articula en cuatro secciones continuas en las que las cuerdas siempre tienen la voz principal e inician las ideas. Predomina una belleza serena, algo nada inusual en Henze.
También hay pasajes de gran dinamismo y una profusión de sonidos interesantes, aunque no siempre atractivos. ''Antifone'' puede parecer extremadamente exigente al oyente, pero con una perseverancia razonable se llega a una muy buena valoración de ella.
Esta cuarta partitura fue grabada en 2001 en el mismo estudio nº 10 de la radioemisora NDR en Hamburgo.
Los Caprichos, fantasía orquestal que da comienzo al disco compacto nº 3 es una obra que pretende interpretar otra forma de arte en términos musicales —en este caso, los grabados satíricos de Francisco de Goya — estrenada en 1967, cuando Hans Werner Henze había iniciado su compromiso con la política de izquierdas, pero basada en material concebido unos cuatro años antes. El compositor explicaba algún tiempo más tarde que pretendía mostrar:
El dolor, el sarcasmo y el terror en la obra de Goya sin recurrir a demasiadas técnicas expresivas del siglo XX.
En realidad, estas últimas están bastante presentes, y el deseo de Henze de crear una música que hubiera sido posible y aceptable en la época de apenas se hace realidad. Hay referencias a temas de y algunos elementos de la canción popular siciliana, pero ambos se ven a través del prisma de la propia visión musical de Henze; y la serie de variaciones aleja aún más al oyente de las raíces del siglo XIX.
Una vez más, el compositor no intenta ilustrar realmente los cuadros de Goya, aunque sí da títulos a cada uno de los nueve movimientos conectados; pero, dado que todos ellos son relativamente breves (ninguno supera los tres minutos), esto deja poco tiempo para cualquier representación del arte en sí, como la que se encuentra, por ejemplo, en Modest .
Sea como fuere, no es necesario saber que Los Caprichos se inspiró en una serie de grabados satíricos de Goya sobre la sociedad española de finales del siglo XVIII, sobre todo de la nobleza y el clero, para apreciar las yuxtaposiciones polirrítmicas de las maderas y los metales, tan sofisticadas como hábiles, las largas líneas que se perciben más que no se escuchan como melódicas, o esos momentos ocasionales de respiro en los que la música se ralentiza hasta alcanzar una quietud casi al estilo de Aaron .
El Concerto per contrabbasso ed orchestra, la próxima obra de este tercer CD, es interpretada por la Orchestra Sinfonica Abruzzese, bajo la égida de Tonino Battista, con el solista Daniele Roccato. Roccato, una figura a tener en cuenta en el mundo de la música en general, pero en el del contrabajo en particular, escribía tiempo atrás sobre sus encuentros con Hans Werner Henze y no ocultaba su afinidad por la música de este compositor. Para los contrabajistas, cuenta Roccato, el Concierto:
...ha estado envuelto en un aura legendaria. Todo el mundo tenía una copia de la parte solista, aunque pocos la dejaban en el atril más de una hora al año, y casi nadie se atrevía a intentar interpretarla.
Las primeras interpretaciones simplificaron ciertos pasajes que se consideraban imposibles de tocar, pero la versión original está ahora al alcance de las nuevas generaciones de intérpretes. La grabación de Gary Karr para Deutsche Grammophon fue dirigida por el compositor y ha sido durante muchos años la única referencia para esta obra. Se dice que, de hecho, Karr solo introdujo unos pocos cambios, pero técnicamente la de Roccato bajo el sello WERGO / Schott Music es la primera grabación de la versión original.
La interpretación de es excepcional, y su vibrato expresivo convierte en ocasiones al contrabajo en algo tan ligero como un violonchelo, pero la entonación de Roccato es superior y la interpretación segura de la Orchestra Sinfonica Abruzzese, dirigida por Tonino Battista, hace que la obra suene menos exploratoria y experimental. Se trata de una música sin concesiones, pero tan gratificante como desafiante.
El propio Henze escribía que:
...el primer movimiento (Moderato cantabile) es una especie de canción, el segundo (Vivace) es una burlesca y el último (Ciacona), una chacona.
Escuchando la grabación el oyente se imagina al contrabajo, expresando los sentimientos y los sueños de un fauno en un paisaje del sur de Europa. Sus estados de ánimo son eróticos, pero también desenfadados y, a veces, divertidos. La interpretación de Roccato, que va ampliando gradualmente su técnica para adaptarse a las exigencias de la partitura, lleva a imaginar que esto quizá pueda aplicarse a la apreciación del público. Si el escucha frunce el ceño y se preocupa por ello, puede que le dé dolor de cabeza, pero si se relaja y deja que la música le envuelva, permitiendo que sus abstracciones, sus complejas texturas y su narrativa se abran camino por sí solas en su imaginación, entonces podrían producirse revelaciones similares.
Con una brillantez técnica de este calibre en cualquier instrumento, una grabación tan bien producida como esta en el Auditorium del Parco, en L'Aquila, Italia, por el ingeniero de sonido Andrea Lambertucci, eleva el ánimo y despierta la admiración; y cuando se llega a conocerla, la música de Henze no tiene por qué ser tan aterradoramente vanguardista como el escucha no iniciado podría haber imaginado.
Uno de los ejes centrales de la colección dedicada a Henze es su poema sinfónico Heliogabalus Imperator (1972). La obra fue encargada por Sir Georg Solti e interpretada por orquestas como la Sinfónica de Chicago y la Filarmónica de Londres. Pero en aquel año, y a pesar de las prestigiosas circunstancias del estreno de Heliogabalus la estrella de Henze empezaba a apagarse. El programa del compositor, que intentaba retratar al efímero emperador Heliogábalo como un iconoclasta pionero (basándose en la interpretación revisionista y anarquista de Antonin Artaud) no convencía y su música no impresionaba demasiado.
Al compositor no le costaba nada recurrir a gigantescas formaciones orquestales de opulento esplendor, a veces hasta el punto de que el alarde técnico prevalecía sobre el contenido musical. Este es un claro ejemplo de ello. Heliogabalus Imperator, de gran éxito, fue revisada en 1986 y grabada por primera vez en 2014 bajo la dirección del difunto Oliver Knussen. Cuesta creer que no hubiera sido grabada antes. Subtitulada ''Allegoria per musica'', la obra retrata la vida y la época de uno de los emperadores romanos más decadentes de la historia.
Aun teniendo en cuenta la tendencia de los historiadores romanos a presentar los chismes escabrosos como hechos, se conocen bien los escritos de Dion Casio (que había vivido durante el reinado del joven gobernante y escribía bajo el mandato de su primo), los cuales aportaban abundantes detalles circunstanciales que demostraban que era totalmente incapaz de ocupar su cargo —y esto en una época en la que los romanos podían deificar sin vacilar a emperadores, ostentosamente homosexuales, como Trajano y Adriano. El retrato esbozado por Dion mostraba, en cambio, a un joven disoluto que carecía por completo de autocontrol y que acabó siendo sacrificado a la furia de la turba por una familia que ya no podía tolerar más su comportamiento escandaloso, que iba contra todas las tradiciones religiosas y los tabúes sexuales de Roma.
El intento de Henze de blanquear la reputación del emperador careció, por supuesto, de importancia en términos musicales; pero algunas partes de la composición, en particular los pasajes improvisados asignados a diversos solistas y el uso de efectos sonoros múltiples —de dudosa eficacia— por parte de los instrumentos de viento-madera, parecen, en el mejor de los casos, ineficaces y, en el peor, risibles. Por lo tanto, no sorprende del todo que la obra desapareciera prácticamente de los programas de concierto tras su ciclo inicial de representaciones, y se puede observar que el propio compositor sintió claramente cierta insatisfacción cuando revisó la obra para eliminar algunos de los pasajes más débiles e improvisados.
Es esta versión revisada la que se presenta en este disco; una partitura más fácil de apreciar en comparación con la original, y algunos pasajes, como la comparecencia del emperador ante el Senado, ahora encajan de forma más convincente. En esta interpretación, grabada en sesiones que se prolongaron durante dos días, algunas de las líneas de violín de gran envergadura —especialmente en la representación orgiástica de la celebración de Baal— carecen de ese sentido de abandono que podrían haber aportado a la música las cuerdas de Chicago cuando eran impulsadas por el exaltado Solti.
No es que a los músicos de la BBC les falte garbo en esta música, y desde luego no se percibe esa sensación de incomodidad que a veces se encuentra en las interpretaciones de archivo de los años setenta de la música entonces moderna; pero hay momentos ocasionales como estos en la partitura de Henze en los que se agradecería un enfoque y un sonido verdaderamente románticos. No obstante, se trata de una incorporación muy bienvenida al catálogo.
Conocer los antecedentes es totalmente irrelevante para comprender el llamativo estilo superficial de Henze. El primer minuto presenta unos instrumentos de viento de madera que gorjean al estilo de , en contraste con los tutti de cuerdas que se deslizan hacia arriba y hacia abajo con una unanimidad asombrosa. Hay arrebatos percusivos desenfrenados en los que los rápidos redobles de tambor, los golpes de platillos y los adornos de marimba impactan al escucha con la fuerza de un artista que salpica cubos de pintura sobre un lienzo. Sin embargo, Henze también atenúa el estruendo colectivo con silencios estratégicos y eficaces solos sin acompañamiento de la primera sección.
Cuando Georg y la Sinfónica de Chicago estrenaron la obra en Nueva York en 1973, el crítico del New York Times Harold C. Schonberg restaba importancia a las tendencias modernistas de la música. Describía con perspicacia su colorida orquestación y su impulso episódico, añadiendo que recordaba un poco, aunque de una forma alocada y desequilibrada, a Pini di Roma de Ottorino Respighi.
La selva incantata - Der verwunschene Wald: Aria und Rondo für Orchester, incluida en el cuarto CD es un arreglo que Henze transcribió en 1991 a partir de su ópera ''König Hirsch''. El estreno tuvo lugar en abril de 1991 en Fráncfort del Meno, con Hans Drewanz al frente de la Frankfurter Opern und Museumsorchester. Henze cuenta que la música extraída de la sección ''Aria'' de König Hirsch era lo más bello que había compuesto.
En esta música colorida y sumamente dramática no es difícil imaginar una escena mística en un bosque encantado. Se trata de una de las partituras más gratificantes de Henze y tal vez sería un punto de partida ideal para quienes se acerquen por primera vez a la música sinfónica de este gran compositor (muy admirado también por Daniel Barenboim, cuya colaboración artística mutua se remontaba a la década de 1970, primero en París y después, durante muchos años, en la Ópera Estatal de Berlín).
Hay otra obra que tiene un trasfondo programático, pero Henze parece haberse esforzado por ocultarlo. Se trata de las Englische Liebeslieder – Canzoni d'amore inglese, grabadas por primera vez e inspiradas originalmente en una serie de poemas de autores muy diversos, como Shakespeare, el conde de Rochester, Robert Graves y James Joyce, así como en un tango anónimo (no famoso) cuyo autor (tampoco célebre), según afirmaba el compositor, había olvidado.
Pero el deseo de Henze de cubrir sus fuentes con un velo de olvido iba mucho más allá. Con motivo del estreno escribiría que:
No deseo revelar los nombres de los poemas (…) solo distraería a los oyentes.
Lo cual es una auténtica tontería porque hay muchos momentos en los que resulta claramente evidente que la música alude a una imagen concreta de la poesía del autor —la tormenta emocional al final del tercer movimiento , o el tempestuoso torbellino sonoro del sexto (Tango)— y sin duda ayudaría al oyente saber exactamente a qué se refiere el compositor.
No es que el secreto se haya guardado especialmente bien; el especialista en Henze, Peter Peterson, ha publicado las fuentes literarias en un texto musicológico. Por otra parte, el violonchelista solista Anssi Karttunen revelaba de pasada en un texto que acompañaba a una de las grabaciones históricas de WERGO que la tempestad del último movimiento procede en realidad del soneto nº 128 de Shakespeare, una confidencia que solo pone de manifiesto hasta qué punto Henze analizó y trasladó el estado de ánimo de ese poema para su tratamiento musical.
Sea como fuere, se trata de una obra sumamente agradable, compuesta por seis movimientos distintos y variados, y Anssi demuestra ser un intérprete hábil y comprensivo; el final de la obra, con un cuarteto de cuerda solista que se desvanece suavemente, resulta realmente muy efectivo.
Los oyentes que no deseen iniciarse en la obra de Henze a grandes bocados pueden encontrar en los seis movimientos cortos y variados que componen estas ''Englische Liebeslieder'' para violonchelo y orquesta un punto de partida más accesible.
A pesar de la orquestación habitualmente densa de Henze, la forma en que Anssi Karttunen supera sin esfuerzo los formidables retos de la parte solista (dobles cuerdas imposibles, pasajes líricos expuestos por encima del pentagrama, etc.) nunca queda sepultada en la mezcla, gracias al experto modelado de las texturas por parte de Oliver al frente de la BBC Symphony Orchestra.
Sobreestimación
Y para quienes dispongan de poco tiempo, la última obra orquestal de Henze, Ouverture zu einem Theater (Obertura para un teatro), al final de esta placa, reduce básicamente la paleta instrumental sin límites y la grandiosidad gestual del compositor a un formato fácilmente digerible de cuatro minutos y medio. Puede que Henze haya sobreestimado su lugar en la historia, pero Knussen y los músicos, sin lugar a dudas, hacen la mejor interpretación posible de estas tres composiciones.
Scorribanda sinfonica sopra la tomba di una Maratona für Orchester, primera grabación incluída también en esta cuarta placa, se basa en material de la suite del drama danzario/ballet Maratona para combo de jazz y orquesta sinfónica. Esta data de 1955-56 y fue creada para el director cinematográfico Luchino Visconti. Henze afirmaba que ''no contiene más que unos pocos vestigios de jazz''. Más tarde, y tras haberse establecido en Italia, decía también de la obra que se correspondía con su ''nueva visión de la vida''.
Scorribanda sinfónica fue un encargo y se estrenó en junio de 2001 a cargo de la Orquesta Sinfónica de la NDR, bajo la batuta de Peter Ruzicka. Con un inicio sonoro y de gran dramatismo, se trata de una especie de concierto para gran orquesta sinfónica con cambios constantes y a menudo rápidos de estado de ánimo y color orquestal. El dramatismo recorre la partitura con fuerza y rara vez remite.
El disco concluye con la última obra orquestal de Henze, la Ouverture zu einem Theater (Obertura para un teatro), compuesta en 2012. Es muy divertida, y da la impresión de que, por una vez, Henze no se tomaba a sí mismo demasiado en serio. Los ritmos galopantes y la desenfrenada acumulación de una discordancia atronadora tras otra hacia el final demuestran que el compositor no había perdido nada de su entusiasmo, a pesar de su melancólica declaración en aquel momento de que podía sentir cómo su energía se le escapaba. De hecho, no pudo asistir al estreno de la obra —falleció siete días después (el 27 de octubre de 2012 en Dresde)— pero el resultado está lleno de picardía y, sin duda, de alegría.
Es de sospechar que todas estas grabaciones de Henze pueden haber pasado desapercibidas para muchos fuera de Alemania. Con la mayoría de ellas, grabadas en el Funkhaus Hamburg de la NDR y en el Rolf-Liebermann-Studio de Hamburgo, así como en el Maida Vale Studio 1 estudio de la BBC de Londres, no hay motivo para preocuparse por la calidad del sonido. Es sumamente satisfactoria en cada uno de los cuatro discos.
La música de Hans Werner Henze se ve maravillosamente realzada por la impresionante interpretación de la Orquesta Sinfónica de la NDR, dirigida por Peter . Todas las secciones de esta espléndida orquesta responden de forma coherente, con entrega y sensibilidad. Estas impresionantes interpretaciones constituyen una muestra muy representativa de la obra orquestal de Henze. Los amantes de la música de mediados y finales del siglo XX se sentirán con creces en su elemento.
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