La propuesta llega de la mano del director de escena Alfredo Sanzol, que sitúa a los personajes en su época histórica, apoyándose en la magnífica colaboración de Alejandro Andújar, que los viste con unos coloridos ropajes goyescos del siglo XVIII, y que firma también una sobria escenografía que permite hacer volar la imaginación del espectador a la hora de evocar ese Madrid conspirador de Carlos III, cuya estética minimalista se vale de oscuros paneles que personajes y figurantes van moviendo y oscilando en diferentes distribuciones espaciales según avanza la trepidante acción del libreto.

Partiendo de un fallido proyecto del desaparecido director de escena Gustavo Tambascio, el libreto original ha sido completamente adaptado, trasladándolo a la cinematográfica Roma de los años 50 por la que desfilan un director general de cinematografía de la dictadura española y un barón que pretenden hacer negocio con la zarzuela de Gaztambide, una lunática princesa italiana que canta en escena desdoblada en la reina Isabel I de Inglaterra, un guionista español de cine engañado para dar vida a Shakespeare, Orson Welles doblándose a sí mismo y el orondo propietario de una trattoria con vocaciones operísticas que se cree Falstaff.

En el majestuoso desfile coreografiado de entrada, al son del preludio del acto tercero de la zarzuela Los burladores de Pablo Sorozábal, de decimonónica ambientación, a los ojos del espectador se le va presentando un amplio abanico de trajes empleados a lo largo de la historia del Ballet Nacional, perfecta introducción para el espectáculo que arranca con la coreografía de escuela bolera de Antonio Ruiz Soler, Eritaña, unas sevillanas que luego verán su reflejo más sobrio en Puerta de tierra, del mismo coreógrafo, ambas de 1960 y con música de Isaac Albéniz.

Con base en la tonalidad como sustento armónico principal de la ópera, la adecuación de la música de Ortega al texto es total, consiguiendo un sentido narrativo y discursivo que no pierde nunca la continuidad dramática, y es ahí donde se evidencia la profunda deuda con Puccini en la suntuosa orquestación de corte verista, optando por recursos atonales para la ambientación de situaciones concretas de cierta tensión latente, cuyas sonoridades camerísticas evocan irremisiblemente a Schoenberg o Berg.

El regista fusiona ambos actos, elimina el descanso y recorta hasta el extremo el texto hablado de los libretistas Emilio González del Castillo y Manuel Martí Alonso con el objetivo de dinamizar la acción, lo que lleva a una sucesión casi continua de los números musicales que deja por el camino lagunas argumentales. Al margen de la operación de poda, quizá el mayor atractivo de esta producción a nivel musical es la recuperación del “Canto a la tierra” que entona Pedro Stakof acompañado del coro de soldados, que Sorozábal incluyó en el estreno de 1931 en Barcelona y que suprimió posteriormente de la obra